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艶やかな満開の花々、まばゆいばかりの極彩色である。蜷川実花の作品を表現する言葉は、どれもが華やかで生命力に満ち溢れている。この色彩感覚は、見事なまでに母親・蜷川宏子から受け継がれていることを二人の作品から発見するだろう。幸せな気持ちを、ひと針、ひと針縫い進め、創りだしたチャーミングでアイデアに満ちたパッチワーク・キルト作品と、娘・実花による写真作品が融合した華やかな蜷川ワールドである。※

蜷川 実花（にながわ みか、1972年10月18日 - ）は、女性写真家、映画監督。木村伊兵衛写真賞ほか数々受賞。国内外を問わずファッション、広告、映像などジャンルをクロスオーバーする活動で注目を集め続ける。映画『さくらん』監督。個展「蜷川実花展―n上の花、天上の色―vは東京、岩手、鹿児島、兵庫、高知の美術館を巡回。東京のオペラシティアートギャラリー、鹿児島の霧島アートの森では最多動員記録を更新し、合計約18万人を動員した。2010年Rizzoli N.Y.から写真集「MIKA NINAGAWA」を出版、欧米を中心に世界各国で話題となっている。※
蜷川宏子（にながわ ひろこ、1941年1月22日 - ）は女優、キルト作家である。夫は演出家の蜷川幸雄。娘は写真家の蜷川実花。祖父は俳優の谷崎十郎。義姪に女優の蜷川有紀、蜷川みほ。女優、真山知子として俳優座の養成所、劇団青俳、現代人劇場に所属し、舞台、映画、テレビで活躍。次女出産後、女優の仕事を控えて家事、育児に専念。かねてからの念願であったパッチワーク・キルトを基礎から学ぶべく鷲沢玲子氏に師事。手芸の域を超えた、既成概念にとらわれない自由な発想から生まれる作品には定評がある。夫は、舞台芸術家・蜷川幸雄氏。2011年12月までNHK出版「すてきにハンドメイド」にて「蜷川宏子のマンスリーキルト」を連載。著書「蜷川ファミリー」（朝日新聞出版）が好評発売中。※

会期：2012年3月20日〜2012年4月22日
会場：三菱地所アルティアム・ イムズ 8F

極事務的に、不動産物件として見知らぬ他人の部屋を訪れたことがある。入口のドアは真紅であった。室内の壁には普段の住居としては似つかわしくない派手な模様が描かれていた。持ち主は、極普通の白のシャツにネクタイをした、極普通のモノトーンを感じる控えめな印象の中年の男性であった。セカンドハウスだと説明があったと記憶するが、この隔たりに驚くというよりも、この色彩から受ける言いようのない“色彩に託す思い”というものがあるのかと、分かっていたかのような、否、分かっていなかったようなやるせないものを感じたものである。
蜷川実花・蜷川宏子 二人展で印象的なのは、どちらが母で、どちらが娘なのかと迷ってしまうプロフィールの写真が飾ってあるということである。理詰めの唾が飛ぶ弁舌や酒臭い野郎が分け入る世界ではないということだろう。
最初に目に入るのは、やはり、“色彩”である。それも、男の目には、無縁とも思える色相とトーン。以下に、書き出してみた。※
フワッと、夢みごこちで、いつもきれいなものにあこがれている女の子。淡い配色がファンタジーの世界へつれていってくれます。ピンク、ラベンダー、ペパーミント、パステル調がやさしい。フリルの服が似合いそうなイメージです。ファンタスティックで上品なブーケの香り。気品と甘さ。少女らしい装い。ベッドのファブリックや、化粧小物にもどうかしら。プライベートタイムは、夢いっぱいにすごしてみたい。シャボン玉のような、はかない夢物語。女らしさもほのかに感じます。同系色の濃い色でちょっとアクセントをつけます。女らしさの紫。アイボリーで柔らかく。ピンクをスッキリさせてロマンチックです。春の光のように、やわらかい輝きにあふれたイメージ。甘いキャンディーやケーキ。若々しく陽気。太陽の下ではしゃぎたい。※
仕事柄、配色は毎日のことであった。印刷物だから、CMYKの指示である。慣れて来ると生意気にも製版所を困らせるような指示をした。ドットで表現する印刷物に、今日のように映像でしか表現できない滑らかさを要求した。馬鹿である。※
蛙の子は蛙である。父が舞台芸術家、母は元元から女優、そして、娘が写真家であり、映画もつくる。凡百は、芸能記事程度のやっかみは言うだろうか。かつては、誰もが一度は若い時期に詩人や画家や、いわゆる芸術家になると言われた時代はあったかも知れないのである。
敬愛する先生、恋の季節となりました。わたくしはもう間もなく十七歳です。所謂、希望と空想との年齢です。で、わたしも、詩神の手に触れた子供として、もし月並みな言ひ方だったらお宥しください、わたしの善良な信仰、希望、感覚、つまりかうした一切の詩人に属するものを、わたしはそれを青春に属するものと呼んでいるのですが、口にし始めました。※　何だか、人生というもののわけの分からなさの“色彩”がほのかに見える一説ではないか。
蜷川実花の写真は、今日の映像文化をよく反映している。そして、才気を皆が感じたことだろう。鏡のようなと言えば良いのか、生き写しのように存在している。誰が命令をしたわけでもないだろう。ぼけた写真が目につくが、それにはわけがある。それは、光の美しさである。過去に於いては、写真の“ピンボケ“には理由が必要であったが、今日のように、誰にでも、いつでも、手に入る映像の世界を持つようになってからは、”ボケ“に理由は要らない。”ボケ“に光の美しさを感じる余裕ができたのである。オーロラみたい。などと、言えるのである。
“ピンボケ”で思い出した。あまりにも飛躍し、唐突感はぬぐえないが、1944年6月6日のノルマンディー沿岸のオマハ海岸を上陸するアメリカ軍を撮影したぶれにぶれたモノクロームの写真を思い起こして欲しい。弾丸が飛ぶ異様な音、海は血みどろ、浮かぶ無惨な兵士の死体。そこに、恐怖と緊張で強ばった手でシャッターを押さなければならない。軍服に身を固めた蜷川実花は全身ずぶ濡れである。波でもつれる足。一歩進むのも難儀である。自分の呼吸音さえ聞こえない。凄まじい爆裂音。それでも、シャッターを押さなければならない。それが、写真家の宿命である。“ちょっとピンボケ”の高名な従軍記者は、かつてこう言った。
ここで将来私の息子が話の途中で、"いったい、従軍記者と、同様に軍服に身を固めた兵隊連中との間に何の違いがあるの？“と聞いたら、私はこう答えるだろう。従軍記者は、兵隊よりふんだんに酒や女にありつけるし、もっと金になって、自由があるのさ。しかし、ゲームのどたん場になると、自分の立場は自分で選ばなければならない。逃亡して帰っても、そのために射殺されることもないってのが従軍記者の宿命というものさ。奴は自分でどっちに賭けるか、この馬かあの馬かと賭けることも、最後のどたん場で自分の手で命を張って、賭金をごっそりポケットにしまう事もできるんだ、と。ところで、私はやっぱりばくち好きだ。私は攻撃の第1波、歩兵部隊と共にゆくことに決心した。
更に、語る。
髭を剃っているとき。彼女が電話で何か話をしているのを聞いた。私がバス・ルームから出てくると、ピンキィはマントを着ていた。彼女は顔を化粧して眼鏡をかけていた。あなたにキッスしたいの。それから、彼女は外に出ていった。ドアの外には、ミルク瓶が2本と新聞が2日分置いてあった。その新聞の第1ページには、異常に太い文字で、“WAR IN EUROPE OVER ヨーロッパ戦争終焉”、もはや、朝になっても、起き上がる必要はまったくなさそうである。※

芸術家は、加えて繊細である。 “金魚”の赤に何を例えようか。“イチゴ”の赤い粒粒に心を満たす何かを思うのだろう。全ては感性の危うい綱渡りのようにも思える。この子の神経がすり切れませんように。母は、そう思ってもいるだろうか。キルトからは、母の背中を思う。じゃれていいのである。困った子ね、と言われても、膝の上に甘える。すり切れたズボンの膝小僧の当て布を思う。この世にいつも変わらぬのは、親の子への愛情である。表現はさまざまである。

※三菱地所アルティアム案内文より抜粋引用。
※木村伊兵衛写真賞（きむらいへいしゃしんしょう）は、朝日新聞社主催による写真の賞である。日本を代表する写真家、木村伊兵衛 (1901-1974) の、戦前・戦後を通じて日本の写真界の発展に対する貢献と業績を記念し、1975年に朝日新聞社によって創設された。
プロ・アマ・年齢を問わず、毎年1月から12月までに雑誌・写真集・写真展などに発表された作品を対象とし、写真の創作・発表活動において優れた成果をあげた新人に贈られる。受賞発表・選考内容等は毎年3月発行のアサヒカメラ誌（朝日新聞出版発行）に掲載される。新人を対象とし、著名な写真家を数多く輩出している事から、「写真界の芥川賞」と呼ばれることもある。
※キルト（Quilt）とは、表地（トップ・キルトトップ）と裏地の間に薄い綿を入れ、重ねた状態で指し縫い（キルティング）したもの。日本では、多色の布を縫い合わせたパッチワークキルトが主流。布に綿をはさむ技法や、端切れを一枚布に仕立てる技法などは各地に存在し、古代エジプトですでに用いられていたとされる。
※「配色イメージブック」より引用。編者、日本カラーデザイン研究所、1975年、講談社刊。
※CMYK（またはCMYKカラーモデル）は色の表現法の一種で、シアン、マゼンタ、イエロー、ブラックの4種から成る。CMYKはシアン（Cyan）、マゼンタ（Magenta）、イエロー（Yellow）とキー・プレート（Key Plate）から頭文字1字を取ったもの。ブラック(BlacK)のKであるという説は誤りである。 但し同様の意味でCMYBkと表現される場合はBkはブラックを指す。
※「ランボオの手紙」祖川孝 訳、1951年、角川書店刊。ランボオの手紙は、ジャン・マリイ・キャレエ著「アルチュル・ランボオの文学生活の手紙」の（1870年ー1875年 N・R・F社発行）収められたものの邦訳である。もともとこれらの手紙は、これまで機会のある度びに、フランスの各踵の雑誌へ、発表されたものを、その中から同氏が1931年、ランボオの文学活動時代の手紙だげを一纏めに収録したものである。
※「ロバート・キャパ、ちょっとピンボケ、文豪にもなったキャパ」ロバート・キャパ著、監修 マグナム・フォト社、クレオ社刊、2002年
※引用写真出展：三菱地所アルティアム、NINAGAWA MIKA OFFICIAL WEBSITE

何を書いてもよいと言うわけにはいかないが、どのようにでも書けるというのが本音である。松下由紀子という東京芸術大学を出たての画家であり、彫刻家の作品をかつて見たような気はしているが、実は、展覧会に一度も足を運んだこともない。実際に見たことがあるような気がしているだけである。見てきたような嘘を書く。これが習い性になっている。嘘とはひどいから、我が勝手の妄想もしくは、つくり話である。
これは、昨年の作品で「越境と融和の進化論」がタイトルである。大上段から振りかぶったような思想書の題名にも思える。作家は、体系づけられたある考えの方向性を意識していたのかも知れない。それが何なのかは知るよしもないし、今のところ、興味は湧かない。以下は、松下由紀子の解説である。
色気について、考えてきた。色気が生まれるのはなぜか。人間は一人では生きていけないからだと思う。では、依存する対象がヒト以外ということはないのだろうか。対モノであったり、他のいきものや、自然であったりするかもしれない。そして何かに依存するとき、新しい関係性と、新しい形態が生まれるのではないかと提案する。それは畸形なのか、進化なのか。※

１９８４　　松下由紀子　千葉県生まれ
２０１０　　東京藝術大学大学院美術研究科彫刻専攻修了
展覧会
２０１１　　「越境と融和の進化論」（マキイマサルファインアーツ/東京）
２０１０　　「仏像展」（マキイマサルファインアーツ/東京）
２００９　　「機能的な依存」（東京藝術大学/東京）
　　　　　　「灰神楽」（マキイマサルファインアーツ/東京）
２００６　　「消失点」（東京藝術大学/東京）
受賞
２００７　　　久米桂一郎賞

“色気”が言い回しの中で独特に使われている。“好きになる”では、物足りない。相手に対する情熱も絡めた意識とでも、認識とでもいった案配の意味合いかも知れない。
百聞は一見にしかず、とはあるが、一見もないから百聞を勝手につくりあげて作品を楽しむより仕方がない。画像から見る限り、当の作品は、タイトルの勇ましさに比べて痛々しい印象である。この印象は、過去の作品に於いても拭いきれないようにも思える。少し、湿っぽく、センチメンタルであるのも特徴だろうと思う。余計な、言わば、持って回った観念作業は一切ない。ただただ直載である。本質をつかみすぎるが故に、唐突に映るに違いないだろう。

一昨年の「仏像」という作品に見られるように、直ちにお立ち台に登って来るようなイメージには、松下由紀子の場合はならないようである。目を閉じ座る悟りの“仏”にはならない。由来などと、ものの書物の聞きかじりをひねくり回した甘えた造形にもならない。“わたし”が発信するイメージであり、それは社会の中のわたしである。作品は、記憶に新しい殺人事件がヒントのようにも思える、女性の死体損壊が作品となった。この世に信じるものはなく救いがないから、救いを求める。祈るより仕方のないことだと、作家は言いたいのだろう。それが、“仏像“の造形となった。血糊のついた無惨な遺体の造形は、ホラー映画の小道具のようでもある。このようなものを、わたしはいつまでつくり続けなければならないのか。そのような作家の声が、聞こえて来そうでもある。沸き起こって来るものが、“そうだから”造形は、それに従う。そこに、個の“わたし”だけではないことを証明するかのように、厳めしいタイトルが生まれる。“人間は一人では生きていけないからだと思う”からである。作家として存在するからには、社会性を得なければならない。つくり続けるには、社会性が求められる。“わたしは面倒臭いと思う”が、誰が決めたのでもないのに、そうなってしまうのである。しかし、悩むのは“わたし”である。そして、生存するのも、“わたし”であるし、死ぬのも“わたし”独りで死んで行かねばならない。“わたし”は、操り人形のようである。いずれ白骨となる“わたし”とは、一体、何なのだ。そんなふうに松下由紀子は思う。

躯はこどものサイズだが、皮膚は老人のようである。醜い顔は、まるで餓鬼である。背中に矢が刺さり、醜い顔はさらに醜くなるだろう。これもまた、正直に作家の本音を露呈している。世の中は醜く、だから、天使も醜い、という確信がある。“個”の確信以外に、作品の価値はないのである。誰が、天使の羽は、背中に突き刺さった刃物だと思うだろうか。そう思うのは、松下由紀子だけである。
靄に包まれたような立体がある。ムンクへのオマージュ作品 「愛情のベクトル」。獣とひとが溶け合うような造形がある。獣とひととどこがちがうの。いっしょでしょ。“それは畸形なのか、進化なのか。”とはレトリック上で言うが、伝わって来るのは、せつない愛情である。作家の解説文を何度読んでも分からないだろう。芸術家“らしく”語ることのもどかしさくらいしか、分からない。傷ついた手を、もう一つの手が癒すような作品がある。もう一つの手は、誰かである他人の手である。傷の裂け目を、わたしが埋めてあげる。あくまでも松下由紀子は純情を貫き通す。傷つき断ち落とされたような腕からは、花が咲く。可憐としか言いようがないではないか。※
松下由紀子の作品は、造形の魅力ではない。そんなものは、とっくの昔に朽ち果てた。芸術の技能などと、今更、鼻高々と恥ずかしい。芸術家は割の合う商いか。

※エドヴァルド・ムンク（Edvard Munch, 1863年12月12日 - 1944年1月23日）は、19世紀～20世紀のノルウェー出身の画家。『叫び』の作者として有名で、ノルウェーでは国民的な画家である。現行の1000ノルウェー・クローネの紙幣にも彼の肖像が描かれている。生と死の問題、そして、人間存在の根幹に存在する、孤独、嫉妬、不安などを見つめ、人物画に表現した。表現主義的な作風の画家として知られる。また、数多くの浮名を流したことでも知られ、恋を「昔の人が愛を炎に例えたのは正しい。愛は炎と同じように山ほどの灰を残すだけだからね」と語っている。

※引用写真出典：Blog of the contemporary art gallery named MAKII MASARU FINE ARTSsituated at Asakusabashi,Tokyo　　東京・浅草橋のギャラリー、マキイマサルファインアーツのブログ by mmfa / 松下由紀子展「越境と融和の進化論」作品紹介

印刷物を作る場合、コスト、スケジュール、品質のバランスを考える必要があります。また、印刷物をうまく制作する鍵は、サービスビューローとの関係を密にし、連絡を取り合うことにあります、サービスビューローとの間でお互いの作業範囲を明確にしておくことで、共同作業をスムーズに行うことができます。制作の早い段階で、自分が行う作業と業者に頼む作業について正確に見積もり、自分の受け持つ作業に費任を持つことで、制作コストを節約できます。また、サービスビューローとの間で責任の範囲を明躍にすることによって、時間と制作コストを節約できます。（中略）
制作グルーブの設備や能力について考えてみてください。プリプレス工程を行うのに必要な専門知識や機器があれば、サービスビューローに頼むよりもコストを節約できます。しかし、作業に間違いがありフィルム出力前にその閻違いが発見できなかった場合は、よりコストが高くつくことになります。制作スケジユールの終りになって修正が加わると、印刷期間がなくなり、印刷会社への追加料金が発生し、製本と発送が遅れることになります。鯵正が印刷開始の日に近けれぽ近いほど修正コストが高くなることを覚えておいてください。(Digital Prepress Guide /(c) Adobe Systems Incorporated 1994)
上記は、1994年刊のAdobe Systems社のAdobe Illustrator5.0Jに付録としてついていたDijital Prepress Guideの冊子からである。他にも、ユーザーガイド、チュートリアル、チュートリアル・上級編がある。上質な製本で全てがフルカラー、図解付き、間もない頃の意気込みがうかがえる。
他にもこうある。
この度は、AdobeIllustrator5.J0をお買い上げいただき、誠にありがとうございます。このプログラムは、以前は手作業でしかできなかった細かな作図を、コンピュータならではのスピードや使いやすさと—体化させたアプリケーショシソフトウェアです。オリジナルまたは合成アートワークを作成されるグラフイックデザイナー、書類のレイアウトを設計し制作されるプロダクションアーテイスト、ファインアートワークを作成しプレビューされるイラストレータ、または色分解を作成したり最終アートワークを印刷される出力サービスセンターまたは印刷所の方々にとって、AdobeIllustrator5.J0はアート制作とイラストレーションツールとして卓越したものであるということがおわかりいただけるでしょう。※
下図の左の筆記体のLogoは、Adobeの文中にあるサービスビューローと言われる事業所のスタッフの手助けで出来上がったものである。AdobeIllustrator5.J0は、まだ一般の手元にはなく、下書きを渡して数回のやりとりの後にできあがった。現在だが、大勢のスタッフを抱えたそのサービスビューローは時代の流れからだろう、廃業した。手作業で仕事をして来たデザイナーも、PCになじめない者は廃業した。活版印刷用である活字に代わって、写真植字が普及していたが、これも不用になった。少人数で、高価な写真植字の機械を備えて事業を営んでいた事務所の光景を思い出すが、廃業はやむを得なかっただろう。
Dijital Prepressとは、印刷の一歩手前の製版と呼ばれる様々な工程のことである。今や当たり前だが、データは手のひらにのるサイズである。小さなチップである。あの当時は、今思えば不思議だが、原寸が当たり前であった。写真がタブロイトサイズであるとするならば、その状態で作業したのである。印刷直前の製版所では、常に多数の所員が原寸のフィルムと格闘していたのである。今や、分かりやすく言えば、その作業をディスプレイ上で一人でやっているのである。たかだか二十年近く前ではある。

※Adobe Systems：アドビシステムズ は、ジョン・ワーノックとチャールズ・ゲシキー によって1982年12月に設立されたアメリカ合衆国カリフォルニア州サンノゼ市に本社を置くコンピュータ・ソフトウェア会社である。日本法人であるアドビシステムズ株式会社は、東京都品川区大崎に所在。ソフトウェアのみを開発・販売する企業としては現在、世界最大である。設立以来、アップル、スティーブ・ジョブズ、Macintoshとの関係が深いが、Windows 95が発売されて以降、Windowsとの関係も深くなってきている。

Nathalie Sarraute, née sous le nom de Natalyia Tcherniak, voit le jour le 18 juillet 19001 à Ivanovo, près de Moscou, dans une famille de la bourgeoisie juive, aisée et cultivée. Ses parents, Ilyanova et Pauline Chatounowski, divorcent alors qu'elle est âgée de deux ans. Sa mère l'emmène vivre avec elle à Genève, puis à Paris, où elles habitent dans le cinquième arrondissement. Natalyia va à l'école maternelle de la rue des Feuillantines. Chaque année, elle passe un mois avec son père, soit en Russie soit en Suisse. Ensuite Natalyia Tcherniak ira de nouveau vivre en Russie, à Saint-Pétersbourg, avec sa mère et le nouveau mari de celle-ci, Nicolas Boretzki. Ilyanova Tcherniak, le père de Natalyia, qui connaît des difficultés en Russie du fait de ses opinions politiques, sera quant à lui contraint d'émigrer à Paris. Il va créer une usine de matières colorantes à Vanves. La jeune Natalyia grandit aussi près de son père à Paris et avec Véra, la seconde femme de son père. Elle a une éducation cosmopolite et, avant de trouver sa voie, poursuit d'ailleurs des études diverses : elle étudie parallèlement l'anglais et l'histoire à Oxford, ensuite la sociologie à Berlin, puis fait des études de droit à Paris.
Elle devient ensuite avocate, inscrite au barreau de Paris. Elle entame une carrière de juriste internationale. En 1925, elle épouse Raymond Sarraute, avocat comme elle. Elle a alors 25 ans.

ナタリー・サロート（Natalyia（Natacha）Tcherniak）は、1900年にロシアのイヴァノヴォで生まれる。ロシア系のフランス人であり作家である。1999年に没する。彼女は、ユダヤ人の洗練されたブルジョアの家族の中で育つ。幼い頃に離婚した母親に連れられてパリに移り住んだ。のちにはやはりフランスに移ってきた父親に引き取られて成長し、パリ大学で文学と法学の学士号を取り、オックスフォード大学、ベルリンの社会学研究所に留学後、1939年の大戦開始までパリで弁護士であった。その後創作にも手を染め、1939年にデビュー作『トロピスム』を発表した。戦後にはサルトルの序文を付した第二作『見知らぬ男の肖像』が刊行されて注目を浴び、その前衛的な作風によってヌーヴォー・ロマンの先駆者となる。最初のヌーヴォ・ロマンとされるが、発表当時はまったく注目されなかった。ジャン=ポール・サルトルの最初の小説「嘔吐」と同じ年に出ているのが興味深い。※

今や白髪の老婦人であるナタリー・サロート / Nathalie Sarrauteの写真を気がかりに見た。どこかで見た覚えがあると言い聞かせていた節もある。何故なのかは分からないが、誰かに似ているのだろう。穏やかな佇まいである。すでに、1999年に亡くなっている。妙なもので、Sarrauteの写真に釘付けになった。その穏やかな表情に肖ろうと思ったにちがいない。※　
写真家は、ウルフ・アンダーセン / Ulf Andersen。ノルウェー人であり、パリを本拠に活動をしている。世界各国のいわゆる作家のポートレートをものにしている写真家である。彼は、ミシェル・ビュトール / Michel Butorという、やはりフランスの作家の小説作品を読み心打たれ作家たちのポートレートを撮るようになった。「心変わり」という小説は印象に残っている。“君”という二人称の語り口が新鮮であった思い出がある。女に会いに行くための車窓の中の情景が美しく、映像を伴うのである。夢想好きである。“頭”だけが歩いている。※
ナタリー・サロート / Nathalie Sarrauteは「見知らぬ男の肖像」という小説を思い出すのだが、1977年の訳書の帯にこうある。“人間のアミーバのような彷徨を顕微鏡的世界のなかで捉えたサルトル絶賛の反小説“。次回配本として、ダレル、ル・クレジオ、セルビー、ビュートル、アップダイク、デュラス、ノサック、ロブ・グリエ。流行ったのだろう。※　
ぼくたちはいくつもの部屋をゆっくりと歩きまわる。彼女はときどき一枚の絵の前に足を止め、気を付けのように釘づけになる。ぼくは礼拝のときのように、両腕をたらし、指を帽子の緑に置き、静かに、真面目な様子で、彼女の傍らにうやうやしくかしこまる。彼女が絵をじっと見つめている間でも、彼女の目の片隅はぼくのほうに向けられたままで、ぼくは彼女の視界から離れていないような感じがする。彼女は再び内側からぼくに挑戦しているような気がする。彼女とそれらの絵とのあいだにはひとつの同盟、ぼくを敵としたひとつの共謀がある、それらの絵は彼女に何ものかを提供し、彼女はそれをぼくにたいして使用するのだ、彼女はその何ものかを視線の先端で捉え、ぼくを矯正するためにそれをぼくのなかに導入しようとしている、とぼくは漠然と感じる。それらの絵を前にして彼女の傍らに立っていると、ぼくは、体を真直ぐにするために、先生に物差を背中に通して腕で押さえているように命じられた小学生のように感じるのである。※
句点までが長い。それにしても、まるで機械の仕様書であるが、半世紀以上前の翻訳事情もあるだろう。脳内の間の、まだ血の混じった、毛細血管を通過している最中の言葉である。それらは空気に触れると跡形もなく消え去るだろう。例えば、“彼女”の靴音で掻き消える。広告の”帯”の中のサルトルは言う。
ナタリー・サロートは、われわれの内部の世界に原形質的なヴィジョンを砲いている。常套句の石を取り除いてみたまえ。諸君はそこに、溶解物、よだれ、粘液、ためらいがちなアミーバ状の動きなどを見いだすだろう。彼女の語彙は、これらのねばねばした生きた精たちのゆるやかな遠心性の爬行を暗示するために比類なき豊かさを示す。※
Sarrauteは言っている。小説の筋は、人物たちの心理の動きを抑制したり、それらがばらばらに飛び散るのを防ぐ枠組みの役目しか果たさない。※
つまり、彼女は、この”枠組み”では語れない、どんなことでも”おしゃべり”ができる方法を発見したのである。「見知らぬ男の肖像」は謎めいてはいるが、目の前に現存する”あの男”のことである。物語に結末はありようがない。”枠組み”にお終いはないだろう。”心理のアミーバ”の分量を今日も欠かさず見ることを疎かにしないことである。
写真家ウルフ・アンダーセン / Ulf Andersenの素性はあまりよくは分からない。写真家の生業は、どんなものかもよく分かってはいない。わずかな知識で言えば、職人の仕事である。身近な経験で言えば、上下の関係がはなはだ厳しいものがある。Ulf Andersenのポートレートからは、優れてていねいな町の写真館を思う。

※「立体・フランス文学」篠沢秀夫著、1970年、朝日出版社より。　
※フランス政府公式文化機関 / 九州日仏学館のPR紙
※ミシェル・ビュトール / Michel Butor：ミシェル・ビュトール（Michel Butor, 1926年9月14日 - ）はフランスの小説家、詩人、批評家、ブック・アーチスト（livre d'artiste）。フランス北部モン＝ザン＝バルールで生まれる。ヌーヴォー・ロマン（nouveau roman）の作家の旗手のひとりと目される。
1956年、小説第2作『時間割』でフェネオン賞（le Prix Fénéon）を受賞、翌年1957年第3作目の『心変わり』（La Modification）でルノードー賞（le Prix Théophraste Renaudot）を受賞し注目を集めた（主人公に二人称代名詞「あなたは」<vous>を採用した小説作品として有名）。
※「心変わり」：la Modification(1957年)は、精婦を迎えに行く口—マ行急行の車中という限定によって、構造は時空的で、さらに夢想によって話者の過去全生涯へ時間的に拡大される。情婦は連れて来ないことに終わる。伝統的な小説人物の人称“わたし“または"彼"を，"あなた”に置きがえる大胆な試みがなされた。（「立体・フランス文学」篠沢秀夫著、1970年、朝日出版社）
※「見知らぬ男の肖像」ナタリー・サロート著、三輪秀彦訳、1977年初版、河出書房新社。
※同著より、サルトルの序文から。
※ウルフ・アンダーセン / Ulf Andersenは、世界のあらゆる国の文学者のポートレートを撮影している。コロンビアのガブリエル・ガルシア・マルケス、イスタンブールのケマル、Tangerのポール・ボウルズ、カイロのナギーブ・マハフーズ、トム・ウルフとニューヨークのポール・オースター、Mississipiのユードーラ・ウェルティ、ローマのアルベルト・モラビア、Lanzaroteのホセ・サラマーゴ、カミーロ・ホセ・セラとエドゥアルド・メンドサに会った。ボルヘス、ハイスミス、フエンテス、スタイロン、アーヴィング、ゴルデル、モリソン、バンクス、エルロイ、ハリソン、ラシュディ、パリのNasreen。数千もの作家に上る。ノルウエー出身。パリを拠点。何よりも彼は、作家たちに尊敬の念を抱き仕事をしている。
※見知らぬ男の肖像」ナタリー・サロート著、三輪秀彦訳、1977年初版、河出書房新社。解説より。1959年の座談会の記事とある。

1924. Simone de Beauvoir, une jeune fille brillante et réservée, prépare l’agrégation de philosophie. Mais sous ses airs de jeune fille rangée, elle cache en réalité un tempérament singulier que seul Jean-Paul Sartre, un étudiant aussi doué que rebelle, parvient à deviner. Sartre, qui s’inspire de sa vie pour construire sa philosophie, va faire connaître à Simone son premier amour et l’entraîner dans une vie aussi riche que dissolue. Simone de Beauvoir n’en sortira pas indemne. Elle décide de sacrifier l’amour conventionnel au profit de l’édification de son œuvre. C’est ainsi qu’elle trouvera l’inspiration pour son œuvre majeure, Le Deuxième Sexe...
http://fr.wikipedia.org/wiki/Les_Amants_du_Flore

1924年、優れてはいるが内気な若い女性は哲学の学士号の試験を控えていた。控えめに見えるシモーヌ・ド・ボーヴォアールの中に、多感で才気あふれる青年は才能を感じて彼女が自分の能力を十分に発揮することを求める。彼女にとっては予想外のことであった。この青年、ジャン・ポール・サルトルは、彼の内なる閃きの中に独自の哲学を探していた。彼は、彼女の最初の恋人となり、破天荒な生活を共にする中で彼女の中に大きく影響を及ぼして行くことになる。著作である「第二の性」は、自らの経験を通して綴られたものである。映画は、サルトル=ボーヴォアールの伝説は、シモーヌ・ド・ボーヴォワールの“アメリカの恋人”との愛の犠牲から始まる。

全編通して大写しの、シモーヌ・ド・ボーヴォワールを演じる女優である魅力的なアナ・ムグラリスのプロモーション映画のようにも思えて来る。だからと言って、嫌みを言っているわけではなく、等しく、シモーヌ・ド・ボーヴォワールを讃えた、女性映画である。カメラはモード雑誌の切り抜きのようである。ボーヴォワールが両親に大学での生活が順調であることを告げるのだが、冷ややかな父親の態度に反発して家を出た後、スカートを翻しバレーダンサー因しく踊る姿を俯瞰でとらえた画面は男性映画には無い場面である。この父親の”冷ややかな態度”とは、こういう言葉からであった。”お前は男のように頭がいい。醜いお前は嫁に行く必要は無いというわけだ。” ボーヴォワールは、滑るように階段を降りてわが家を立ち去る。母親は、夫に語りかけていた。”娘にあまり傷つけるようなことを言わなくても。” 夫は言う”お前は黙って裁縫をしていればいいんだ。” 後に、娘と和解し理解し合う父親は、自分の葬儀には司祭を呼ぶなと言う。病んで老いてしまった父親は全てに於いて鬱屈した不信感を世の中に抱いていたのである。この後、約束された救いの手に抱きすくめられるかのようにジャン=ポール・サルトルに出会うことになる。父親は、むしろ、この出会いに安堵の情を浮かべていただろう。
この映画は、もともとフランスのテレビ局のドラマとしてサルトル生誕100年を記念してつくられたものである。多少のフランス文学をかじっていれば楽しめるだろう。
アンドレ・ジッド、マルロー、ハイデッガー、メルロー＝ポンティ、役者が演じるポール・ニザン、カミュ、モーリャックは、知っているひとも多いだろう。シモーヌ・ド・ボーヴォワールと恋仲になる”アメリカの恋人”オルグレンは、米国俳優フランク・シナトラの映画「黄金の腕をもつ男」の原作者として覚えているかも知れない。
ジャン=ポール・サルトルは、どちらかと言えば、やんちゃなボクシング好きの気のいい青年として描かれている。何故か。不良は、女の子にもてるという通俗のドラマ神話からだろう。サルトルがしつこくボーヴォワールにつきまとう。いっしょに勉強しようと言う。プロローグに軽いラブストーリーの体裁をとることで、この映画は“お茶の間”の観客に媚を売っているのである。しかし、この妙味は悪くない。
サルトルではなくシモーヌ・ド・ボーヴォワールが、この映画では主役であるということくらいは分かっただろう。製作陣は、魅力的なアナ・ムグラリスが主役でなければ、映画は、プロデュースはできないとでも思っただろうか。劇中のサルトルも言う。“ねえ、君。美人でインテリの君。いっしょに受験勉強しないか。”世の中は、うまくできている。男の目としては、ちびで変な奴と言われる映画の中のサルトルは魅力的であるし、頼りがいのあるいい奴である。
サルトルについては、二十代に読んだ小説「自由への道」が印象的である。哲学書は歯が立たない。そう思ってもいただろう。三巻とも分厚い。夏休みに畳の上に寝転んで読んだ。時々、眠ってしまいページが分からなくなった。今思えば、恥ずかしい。何一つとしてこの本を読む必然性の無い糞青臭い若造に分かるはずもない。ただ、マチュウという主人公の“どっちつかず”の現実のどうしようもなさが、匂いとして共感をもっていたのだろう。俺も潮時かとマチュウは窓を開けあくびをする。青春は終ったのである。後は、戦地に於いて糞野郎どもに一発、一発、弾丸を放つのである。※
何かと恋愛沙汰が目立ってしまう、この映画だが、親友のニザンの戦死を悼む場面は、他とは扱いが違って見えた。そこに理屈はないからである。ただ悲しむサルトルをボーヴォワールがなぐさめる。※
若く、激烈なニザン、激烈な死に打倒されたニザンは、隊列からぬけ出して、わが青年たちに青春について語ることができるのだ。「ぼくは二十歳だった。それがひとの一生でいちばん美しい年齢だなどと、だれにも言わせない。」青年たちは、彼ら自身の声をそこに認める。ニザンはこう言うことができる。「怒りを向けよ、きみらを怒らせた者どもに。自分の悪を逃れようとするな。悪の原因をつきとめ、それを打ちこわせ。」ニザンは何でも言うことができる。※
全編通しての”恋愛沙汰”の下りは、隠れ蓑にも思える。反骨、反抗がテーマである。
映画のように、誰かしら彼のまわりで生活をしていたようだ。どの本の、どのページか忘れてしまったが、うらやましく感じて仕方がなかった記憶がある。
私生児性の特徴がもう一つある。“何一つとして私に所属したものはない。私ははじめ祖父母の家に生活した。母が再婚した後も、私は義父の家で、やはり”わが家“にいるような気がしなかった。私の欲しいものを私に与えてくれたのはいつでもほかの人たちだった”そして人の知る通り、“人生”よくいわれる“人生体験”も、この所有感を彼に与えることには同様に失敗した。一文なしのときでも、おびただしい印税をもらったときでも、サルトルはいつも本能的に（彼を知る人は誰でも進んでそれを認めている）財産共有的な考え方をやめたことがない。※
そう言えば、ボーヴォワールがサルトルと共に暮らすことになった場面で、彼女は、“割り勘”にしようと切り出すが、彼は、金の話はやめようと言う。このように、どこかの著作の、どのページかのエピソードが数々とちりばめられている伝記的な映画である。この映画は、フランス人には、どう映っただろうか。どこかの国の半公共放送の大河ドラマの青春群像を彼らが観てもよくは分からないと同じく、我々もネイティブのようには分からないだろう。分かるとすれば、常にボーヴォワールを庇うような視線を投げ掛けるサルトル。働いて稼いだ金を、父が亡くなり一人になった母親に届けるボーヴォワール。母親は、逆にボーヴォワールを労る。彼らの愛情くらいは感じることができただろう。
そして、映画の中のサルトルは、次第に保護者のような役割を見せるようになる。ルミという娘がパーティの最中、友人をナチへ売ったのは誰だと泣きながら怒る場面がある。その娘をサルトルはなぐさめ抱きしめてあげる。ボーヴォワールにオルグレンより作家としての名誉を取れ、と言うのもサルトルである。彼は父親という役割を授かったのである。これには脚本によるある意図があるだろう。
相も変わらず、我々の時代も、彼らの時代と同じく、あちらこちらでいざこざは絶えない。親友であったニザンは言う。
“一歩足を踏みはずせば、いっさいが若者をだめにしてしまうのだ。恋愛も思想も家族を失うことも、大人たちの仲間に入ることも。世の中でおのれがどんな役割を果たしているのか知るのはつらいことだ。”※

※ジャン=ポール・シャルル・エマール・サルトル（フランス語: Jean-Paul Charles Aymard Sartre, 1905年6月21日 - 1980年4月15日）はフランスの哲学者、小説家、劇作家、評論家。内縁の妻はシモーヌ・ド・ボーヴォワール。強度の斜視があり、1973年に右目を失明。1905年、パリ16区に生まれる。生後15ヶ月で、海軍将校であった父が熱病に倒れ死去したため、母方の祖父であるシャルル・シュヴァイツァー (1844 - 1935)（ノーベル賞受賞者であるアルベルト・シュバイツァーの伯父）の家に引き取られる。つまり、母アン・マリ－・シュヴァイツァー（旧姓）とアルベルト・シュバイツァーはいとこであった。シャルルはドイツ語の教授であり深い教養を持ち、サルトルの学問的探究心を刺激した。
※シモーヌ・リュシ＝エルネスティーヌ＝マリ＝ベルトラン・ド・ボーヴォワール（Simone Lucie-Ernestine-Marie-Bertrand de Beauvoir, 1908年1月9日 - 1986年4月14日）はフランスの作家、哲学者。フランスのパリに生まれる。サルトルの事実上の妻。サルトルの実存主義に加担するとともに、フェミニズムの立場から女性の解放を求めて闘った。パリ大学に学び、1929年に生涯を通じて公私ともに影響を与えることになるサルトルと知り合う。その年のアグレガシオン（1級教員資格）（哲学）に2人とも合格(サルトルが1位、ボーヴォワールが2位)し、その後、いわゆる「契約結婚」を結んだ。このときのアグレガシオンの試験を一緒に合格した仲間にサルトルの友人ポール・ニザン(1905-1940)がいる。
※「自由への道」：第1部「分別ざかり」。1938年6月のパリ。スペインでは人民戦線政府はフランコ軍に敗退している。高校の哲学教師マチュウの関心は精神の目立である。彼は自由な立場から関係を結んでいるマルセルの妊娠を知る。非合法な中絶手術のための金策に、マチュウは疲れる。自発的な決断で目分の生涯を選ぶ機会を待っている33歳の独身男子としては，日常性の泥沼に巻き込まれて自立性を失うことに恐怖を覚えた。白系口シヤ人の教え子ボリスと、その姉でエクセントリックな少女イヴィッチとともに，ボリスの恋人で盛りをすぎた歌手ローラの出ているキャバレーへ行ったとき、マチュウは無意味にナイフを自分の手に突き立てる。第二部「猶予」、第三部「魂の中の死」。（「立体フランス文学」篠沢秀夫著、朝日出版社、1970年刊。）
※ポール・ニザン（Paul Nizan, 1905年2月7日 - 1940年5月23日）は、フランスの作家、哲学者。1905年2月7日、アンドル＝エ＝ロワール県トゥールで生まれる。1917年、名門アンリ四世校でジャン＝ポール・サルトルと出会う。その後サルトルとともに高等師範学校に進んだ。文章は、著書「アデン アラビア」より、サルトルの献辞。
※ポール・ニザン著「アデン アラビア」1931年発表。篠田浩一郎訳、1966年晶文社刊。
※フランシス・ジャンソン著「サルトル」より。伊吹武彦訳、1957年、人文書院刊。
（同著から右下写真、1954年、スウェーデン旅行で。）
※ポール・ニザン著「アデン アラビア」1931年発表。篠田浩一郎訳、1966年晶文社刊。
Les-amants-du-Flore　映画「サルトルとボーヴォワール 哲学と愛」
※キャスト /
シモーヌ・ド・ボーヴォワール：アナ・ムグラリス
ジャン=ポール・サルトル：ロラン・ドイチェ
※スタッフ /
監督：イラン・デュラン＝コーエン
脚本：シャンタル・ドリュデール、エブリーヌ・ピジエ
エグゼクティブプロデューサー：ソフィー・ラヴァール
プロデューサー：ニコラス・トラウベ
撮影：クリストフ・グライヨ
美術：シャンタル・ジュリアーニ
音楽：グレゴワール・エッツェル
録音：フレデリック・ウルマン
照明：エリック・キュッフィーニ
編集：ユーグ・オルデュナ
衣裳デザイン：シルヴィー・ド・セゴンザック
メイク：ジョエル・ラヴォー
ヘアメイク：カトリーヌ・クラサック
制作：2006年、フランス
(c) PAMPA PRODUCTION-FUGITIVE PRODUCTIONS-MMVI

船とともに海を渡る鳥たちは国境など知らない。彼らは同一の地理上を移行しているに過ぎない。しかし、わたしたちはそうではない。「夜間飛行」を終え、船を降りるとそこはまぎれもなく自分の国とは異なる「おとなりさん」の地なのである。※

会期
●リバレイン会場　
2010年12月4日（土）～2011年1月30日（日）
●箱崎会場
2010年12月6日（月）～13日（月）、
2011年1月22日（土）～30日（日）
入場料
無料
会場
●リバレイン会場　ギャラリーアートリエ（博多リバレインB2F）
〒812-0027　福岡市博多区下川端町3-1
TEL（代）092-281-0081／FAX 092-281-0114
開館時間 　10:00-20:00（12/31は -18:00）
休館日　元日
●箱崎会場　九州大学総合研究博物館　第一分館倉庫
〒812-8581 福岡市東区箱崎6-10-1（九州大学箱崎キャンパス）
開館時間　16:30-19:00
休館日　なし
主催
福岡市／（財）福岡市文化芸術振興財団／
九州大学文学部／AQAプロジェクト
共催（箱崎会場）
九州大学総合研究博物館／九州大学女性研究者キャリア開発センター
特別協力
space bandee（釜山）
＊九州大学文学部社会連携事業

船とともに海を渡る鳥たちは国境など知らない。彼らは同一の地理上を移行しているに過ぎない。しかし、わたしたちはそうではない。「夜間飛行」を終え、船を降りるとそこはまぎれもなく自分の国とは異なる「おとなりさん」の地なのである。※
会場のほぼ中央にモニターが用意され、波の音と共に夜間と思われる中の白い波しぶきと白く映える海鳥が写し出されている。先の文章は会場で販売されている図録の中の開催テーマに触れた作品解説である。「この海の向こう側に」という副題もつく。しかし、余程のトラウマでも抱えてない限りモニターの映像からは解説のようには感じはしないだろう。
現代美術という、視覚が導く用意された叙情や感情ではなく作家の哲学がそのまま露出したような作品では、見る側の連れ添って来た感覚などは無に帰すだろう。
九大生AQAプロジェクという名の組織に依る、指導教員も交えた大学生に依る、作家や作品への温かい眼差しを感じる思い入れたっぷりのテキストは読ませてもらった。公の力によって美術展が開催できたことも分かった。その謝意も通じた。指導教員がThe girl next door ということばが好きなのもよく分かった。彼らの関係各位へのレポートは重要なのであるということも理解した。
美術展ではあるが、演劇や音楽のライブステージと変わりはしないだろうとは思う。キムの作品のビジョンサイズは、今のままで良かっただろうか。サウンドは、ボリュームは、ポジションは。気になって当り前である。学習研究の場ならば、なおさらだったろう。チョン・ヨンドゥは囲うよりも通路に出して通りすがりにみんなに見えるようにした方が良かったかも知れない。
既成の美術館の真似などしなくともよいのである。オ・ソックンは、被り物のおもしろさである。国本泰英はライティングに一工夫である。牛島光太郎は、むしろ、囲む。
「となりのコリア　あるいは　コリアのとなり」口当たりの良いフレーズだが、現実に落とした時はこのようには作品は踊らないだろうとは分かっている。広告のアートのようには赤裸々な合目的のためには、作家は動かない。
会場には都合五人の作家の作品が展示されている。全ては不在の感覚である。
前出のキム・ソンヨンの「夜間飛行」は、永遠に辿り着かない漂いである。岸辺は無く人生もうまくは行かないだろう。誰もいない対岸に辿り着くはずはない。
モニターに写し出されるオーバーラップしながらスライドする心地良さそうな家族の写真。チョンの作品を通してわたしたちが見つめる“一般の人々”は、わたしたち自身を含みつつ、微妙な距離をとった“おとなりさん”の姿なのである。※　否、もともとが誰もいないのである。エヴァーグリーンであったら良いなとチョンが演出したのである。絵に書いた幸せな家庭である。だから、不幸せなのである。
オ・ソックンの写真作品。白塗りの欠食児童のような被りもののチョルスとヨンヒが見知らぬ惑星に迷い込む。誰もいない死んだ都市である。元はと言えば彼らが生まれた都市である。知らないが故の悲劇もあるだろう。
行方不明当時の被害者の服装です。心当たりの方はご連絡下さい。よくある交番の掲示板である。牛島光太郎の作品からは幼い子を失した母親の取り入りようのない悲しみを連想させる。
国本康英の絵は、そうではなかった過去の自分の似姿の影絵である。みんな自分であって他は誰もいないのである。

ある光景を思い出す。五十年以上前の記憶である。列車は煙を吐いて走っていた頃のことである。前の席であったか、通路を挟んでとなりだったか。身なりのいい夫婦がいた。女は子どもを抱いていた。寝かしつけるように、歌を歌っていた気もする。腕の中の子どもを見たのだが、人形だった。母親は幸せそうな表情だったと記憶する。夫は、妻に視線を向けるでもなく慰めるような表情であった。しかし、当の“わたし”は、その列車に何の目的で誰といたのか。怖さの他には何一つ思い出せないでいる。
※引用のテキストは「おとなりさん。九大生AQAプロジェクトによる韓日現代美術展」図録より。

九州大学文学部／AQAプロジェクト

本展は、ポール・スミスが長年に渡って蒐集してきたアートコレクションを中心に、本や自転車、ヴィンテージの服、家具、雑貨など、多岐にわたる彼のコレクションによって構成する展覧会である。ポール・スミスはティーンエイジャーの頃に初めて購入したポスターを皮切りに、長年にわたってアート作品をコレクションしてきている。デイヴィッド・ホックニー、グレイソン・ペリー、ブルース・ウェーバーなど名だたるアーティスト、フォトグラファーの作品から、未来への大きな可能性を秘めた新人アーティストや無名の学生の作品まで、その全ては著名であるかどうかや価値があるという理由によるものではなく、彼の心に響くものが選ばれている。アート作品と同様に大切にしている様々なものにも、それぞれにストーリーがあり、ポール・スミスの広い視野や興味、さらには彼を取り巻く様々な人々の姿を感じることができる。

Paul Smith / ポール・スミス /ファッションデザイナー
1946年、イギリス、ノッティンガム生まれ。
1970年、ポール・スミス リミテッドを設立。
1976年パリでポール・スミスのメンズコレクションを発表。次第に評判は世界へと広がり、グローバルなショップ展開を行う。
1993年ポール・スミスのウィメンズコレクションを発表。
2000年、デザインへの勲功によりエリザベス女王よりナイト爵位(SIR)を授与された。
会期：2010年3月20日〜2010年4月18日
会場：三菱地所アルティアム・ イムズ 8F

ポール・スミスは、わが日本の団塊の世代に当たる。 彼は、掲載の写真では顔は隠れてしまっているが、柔和であたたかいものを感じさせるハンサムな紳士である。服装のおしゃれや、都会的な洗練された物言いなどに、このようなことに頭を悩ました若い時期があった。つまらないことだと言えば、つまらない。スーツやジャケットの着こなしが自然で格好良い都会育ちの同世代を見ては、うらやましく思った。高校の修学旅行で東京は銀座に立ち寄った。学生帽に詰襟の丸坊主にとっては、ショックだった。ずいぶんと低学年の男の子がスタヂアムジャンパー姿で、ガラス張りの今でいうバーガーショップで談笑をしていた。その光景は異国を思わせた。見学で訪れた羽田空港で朝食になった。糊の効いた真白いテーブル掛けの上にはナイフとフォークが置かれ、羽田のレストランの職員と思われる男性から洋食のマナーについて説明があった。料理は思い出せないが、一人の女子生徒が料理に手を付けられずにいた。引率の先生が声をかけた。察するに思春期である。
ポール・スミスという名は、メンズ・ファッションブランドの名だな、くらいは知っていた。彼は1946年、イギリス、ノッティンガム生まれである。少年時代は自転車競技のレーサーを目指していたが、不慮の事故により挫折。 17歳の時にアートスクールの学生と親しくなり、芸術の世界に魅せられたことが現在のファッションデザインの仕事のきっかけとなった。またこの頃、後の夫人で公私共に大切なパートナーとなるロイヤルカレッジオブアートのテキスタイル教師で芸術家のポーリーンと出会う。困難な時期はあるが、豊かな道のりを経たひとであろう。
ショップもたずねてみた。控えめな印象である。ブランドのシンボルともなっているという色鮮やかなストライプ柄が眼を引いた。身の丈に引き当てても悪くないなと思ったりもした。少しややこしい気味ではあるが、彼というひとの、その彼のプレゼンテーションみたいな展覧会である。彼のオフィスから運んで来たという書籍やグッズが面白い。わがウルトラマンのフィギュアも迎えてくれる。この遊び心は、彼のビジネスへの栄養分だろう。
「Life is all about balance」、何ごともバランスだ。拙訳だが、これは、ポール・スミス自身が段ボールの切れ端に描いたドローイングに添えてあるフレーズだ。伸びやかで大らかである。彼であるらしき男が、シーソーの片方に植物の鉢植えを置きバランスをとっている。つまり、先を言えば、わたしは、凡てにおいて支えますという誓いでもあろう。国への誇り、伝統へのプライド、当り前のことである。為すべき当り前のことに気づくことである。この展覧会にあるのは円熟であり、若い世代の刺々しいそれらではない。そして、何よりも、憧れて止まない。

三菱地所アルティアム

セバスチャン・ルベックがとらえた日本とマルキーズ諸島。写真シリーズや、カルネ・ド・ヴォヤージュ（旅行手帳）から抜粋したテキストとイラストシリーズなどを展示する。

会期：2009年9月8日~10月3日
会場：九州日仏学館5Fギャラリー
お問い合わせ：092-712-0904（九州日仏学館）

セバスチャン・ルベッグ 略歴：
1975年、フランス・ルベ生まれ。幼少の頃から熱心に絵を書き、1997年には応用美術の学士号を取得。その後、フランスの高校や、フランス領ポリネシアなどで10年以上にわたり美術を教える。一方でこの時期、日本やマルキーズ諸島など各地に旅行をし、カルネ・ド・ヴォヤージュに描くというスタイルを見つける。これらの旅は、個展『時間の外にある日本』（2007年、タヒチ）という形で発表されたり、また『Ka'oha Nui -マルキーズ諸島のカルネ・ド・ヴォヤージュ-』という本になって2009年に出版される予定である。※

告知の写真や絵などから、セバスチャン・ルベッグを日焼し少し粗野な青年を想像していた。山気のある青年を想像していた。当ては外れ、几帳面そうな知的風貌の白人青年がノートに向かってタイピングをしていた。
話しかけた。お互い言葉の不便さで右往左往し身振り手振りで往生したが、それでも、お互いに成果があった。彼が来年出版するという冊子のサンプルが展示されていたのだが、全てがハンドメイドだということである。その細かな作業に感心した。宇宙人同士のような会話はしばらく続いた。思い出しても可笑しい。「この本はいくらか」とわずかな単語で聞いたら、正直そうな形相で、来春に発売したい旨を言ってくれたと思う。そのサンプルの冊子は手縫いの糸かがりで製本されていた。プリントの方法についても聞いた。それらは充分な月日が掛かっているのが理解できた。そこで少し、セバスチャン・ルベッグが何を望んでいるのかが分かるような気がした。握手をした。変な日本人に、セバスチャン・ルベッグの方が怪訝だった。乾いた感じの頑丈な手であった。ほぼ一日、展示のギャラリーで毎日原稿書きをしているという。数日経ってコーヒーを差し入れした。変な日本人に彼からメールが届いた。「おみやげ　どうもありがとうございます。コーヒーは　きのうの夜　のみました。とても　おいしかったです。それでは　また。セバスチャン・ルベッグ」。
「Mainichino no Capsule-Capsule20090905・毎日のカプセル」と題された作品は、セバスチャン・ルベッグが日本で取材する際に利用するカプセルホテルの写真である。放射線状になるようにコピーされ組合わされたものだ。宿泊した日付もそれぞれのカプセルに印字されているという設定の写真である。こういう写真の面白さは、グラフィックデザイナーが一番良く知っていて、絵柄として次へのストーリーが描ける。ここを入口として様々な展開が予想される。これは、たぶん日本への彼のタイムトンネルなのだろう。掲載の写真にあるように展示室のセンターに黒いテーブルが置かれ12冊のカルネ・ド・ヴォヤージュ、訳して「旅の手帳」が並べられている。先に、２人のトンチンカンな会話に出てきたハンドメイドの冊子のことである。日本風にスケッチブックと言った方が分かりやすい。水彩画のように描かれた風景にびっしりと書き込まれた手書きのテキストや合成された写真表現によるページなどで構成されている。スケッチは微細な表現で何一つ逃すまいとする観察力に溢れ、その情景を懸命に理解しようとするエネルギーに満ちている。そして、彼の真剣な表情が今も印象として残る。
日本とマルキーズ諸島は、太平洋という共通点（太平洋で隔てられている）ということ以外に共通点はない。しかしながら、彼らの文化的アイデンティティーを前にした時には、同じようにして私の感情が湧き上がる。現代的な側面やアバンギャルドな側面を持つ日本には、その裏にはるか昔から脈々と受け継がれている先祖の遺産がある。一方、マルキーズ諸島は自然が多く残る、はるか遠い島々であり、シンプルさと自然な生活スタイルに満ちあふれた場所である。※

※マルキーズ諸島とは南太平洋にあるヌクヒバ島やヒバオア島など14の火山島からなる諸島で、フランス領ポリネシアの一部を成し、タヒチ島からは北東に約1500kmの海域に位置する。
※セバスチャン・ルベッグ

九州日仏学館

人をテーマに描き続ける、新進アーティストによる展覧会である。身近な人物や空想上の人物など、人物と背景が自然に同居する風景作品は、漆黒の静かな背景と描かれた人物とのコントラストが魅力的である。
田中千智 1980年兵庫県生まれ。九州産業大学付属九州高等学校デザイン科を卒業後、2005年に多摩美術大学美術学部絵画学科油画専攻卒業。
受賞歴：
2002　第10回新日鐵アートスカラシップ飛幡展　入選
財団法人守谷育成会　美術奨励賞受賞
2003トーキョーワンダーウォール　入選
2007　art-icle編集部主催「art-icle Newcomer Artist」入選
2008　「art-icle賞」展　オーディエンス賞
2010　「ART AWARD NEXT #1」青年会賞受賞

会期：2009年6月27日(土)〜8月29日(土)
会場：九州日仏学館 5Fギャラリー

黒い地のキャンバスが印象的である。その黒地は甘みを帯びてチョコレート菓子を思い起こさせる。冷たいモノトーンではなく愛らしいのである。タイトルが表すように描かれた人や風景は夢の中の記憶を辿る残像ように映る。画題「白い女」に例えれば、若い女性とは思うし、どことなく艶を感じる白い色彩に目が行くのだが、血の気というものが無いようにも見える透明感が残るのである。田中千智の画風から言えば、魂だけがその女のお面をかぶって目の前に立っているのである。または、そういうふうに見えたり見えなかったりする。「4人の女の食卓」という絵も錯視を誘う。確かに食卓らしきものを白い人の残像のようなものが囲んでいるのだが、どうしても題に反して枢を囲む4人の老婆に見える。そのように空想に空想が飛ぶ世界を常に胸に秘めた作者がいるのだろう。展示の中で唯一華やかに思える画題は「夢の中で」あったか。レースのふんわりとしたスカートの装いの女の子の絵がある。およばれか。楽しそうなおしゃべりや食器の擦れ合う音などが聞えてきそうである。聞こうと思えば聞くことができそうだが、ここは夢の中である。聞こうとすると音がおしゃべりが逃げてしまう。聞いているような、そうではないような振りをしてここは静かにしていようと思ったりもする。
黒い地のキャンバスからは、そのコントラストで描かれた人やものは光りを放っているように見える。そして、その光りは廻りを照らすという役割ではなく、いずれも描き込まれた色彩の幾重ものレイヤーが混ざり合う残像のようであり、その存在のかつての在処を教えてくれているサインのようにも映る。甘いお菓子のような記憶の断片もあるのだろう。苦さもあるのだろうか。こうして、観覧する側もまた所在なげなお面となって街角で途方にくれ「雪の中で」方向を矢い、炎につつまれたように光を放つ「赤い家」という建物やタワーのような「キヤンドル」がそびえ立つ訪れたことがあるようなそうでないような、かつて読んだ外国のノベルのあるページのような夢と現実の狭間の中の都市を彷徨うことになるのである。
ギャラリー入口に飾られた「未知」という黒い服のほっそりとした白い顔の女の絵だが、表情がいびつではっきりとせず、存在そのものが消えかかりつつあるような、変な魎力がこの絵にある。
見る側としては、気にかかるのである。帰り際に思わず振返りその女の様子を伺った。画風と言えばそれまでだが、気にかかる絵である。
※上から、「白い女」、「雪の中で」、「赤い家」。

九州日仏学館

私は風景が好きである。自然の美に促されて創造したもうひとつの風景を、私は抽象的なかたちに描く。見えるもの、聞こえるもの、感じることの一瞬をとどめようと、キャンバスに向かう行為は愛なのかもしれない。

会期：2011年4月20日~4月30日
会場：ギャラリーおいし　福岡市中央区天神 2-9-212 　
TEL 092-721-6013　FAX 092-752-1066
営業時間 11：00～19：00

来安美保子　佐賀県出身
1969 津留崎晴男に師事　1975九州女子大学文学部卒　創元会会員
1988 渡仏以来パリ在住　アカデミー・グランド・ショミヱールでデッデン、クロッキーを学ぶ。　個展、グループ展は、国内外問わず多数。以下、近年の展覧会を記す。
個展 / 2006 エスパースBertin Poiree、パリ　2007 ギャラリー開、神戸
2009 墨と水彩によるデッサン展、サン・マンデ市庁舎、フランス
グループ展 / 2003 花とアート・二人展、佐賀市歴史民族館・旧三省銀行、佐賀
2004 21回現代美術展、サン・マンデ市主催、フランス
2010 東洋と西洋の狭間に生きるアートフォーラムJARFO、京都
歌人 / 短歌結社「創作」所属、1994より作歌再開。歌人。「欧州短歌」終刊まで参加"(2004)、現往短歌季刊誌「世界樹」に寄稿。
2007.12 パリ市のアーティストアトリエを貸与される。

伺い知れないと思い外へ出ることにした。空は重々しくどんよりとしていて、いつもの装いである。風が冷たいと感じる合間に、左腕にあるカーデガンに腕を通す。足下で弾けるような音がして、風に騒ぐ液体はこれから起きるであろうことがらの端緒に過ぎないのであった。頭上にある無骨な黒い冊のような形を抱えた灰色の塊は苔むした岩のようでもあり雲にも例えられる。灰色が寄り添い薄墨は輪を描き消えて行く。塊は光を放ち燃えつき、その残光は回りを照らし幾つもの視界はおかまいなしに活写するのである。
末安美保子油彩展について思うとすれば、対象の絵そのものよりも画家もまた感じていたかのような仮の遠回りの描写になるようである。画布の中の形は揺らぎ色彩は自立することを望むのである。「滴々」と題された絵は、主の無い空を思わせる。浅い夢を懸命に思い出そうとするかのように、現実の画布に落とす絵具は似ても似つかないに違いない。一筆落とす度に夢は消える。この黄色は、この緑はこの灰色は不用意に現われ、形は拭い難い現実の一端であるだろう。抽象画とは、変えようの無い現実を画家自身に問うという過程の中で、見る側に精神の奥深く入り込むことの意味を問いかけるのである。

※右下はギャラリーおいし。絵などの個展が掛けられていない場合は、こだわりの品のブティックとしても開かれている。
新天町商店街創立時に同場所に開店した「シューズショップカシマヤ」が前身。
昭和49年1月 同店2階に画廊を開館。
昭和56年に3階、昭和57年に4階を増設。
昭和62年3月に「カシマヤ」をクローズし、全館が「ギャラリーおいし」となる。

フランス映画が見たいと取り立てて言わなくとも、九州の田舎の場末の映画館にも普通にフランス語や英語、ドイツ語、イタリヤ語、スペイン語の映画が必ず掛かっていた。現代の映画の流通が、どのようになっているかは分からないが、半世紀近く前とは言え、九州南部の片田舎と言えども世界の情報は手に入れることができたのである。不思議なもので幼い目にも、それらの映画の言わんとすることは苦労もせずに共有できた。与太で言えば、現代の方が、ボーダレスとやらで糞面白くも何ともないと言えるだろう。
マルディ・シネマとは、フランス語で「映画の火曜日」という意味である。隠し味でもあるのか。九州日仏学館は LOVE FM との共催で、毎月一度、西鉄ホールのスクリーンで、福岡未公開のフランス映画の上映会を開催する。マルディ・シネマのオープニングとして、フランス人女優ソフィー・マルソーが出演する２作品を上映。そのうちの一本が、彼女自らが監督した作品「過去から来た女」である。そう言えば、廃人のような劇中の刑事が、今日は何曜日だ、火曜日か、などと忙しなく煙草を吸いながら言う台詞があったような気がする。フランス映画はしゃれている。お国柄の劇中の遊びが、何なのかを理解できていないわれわれにはフランス映画は難解かも知れない。
30年前に謎の死を遂げたかつての有名女優 ヴィクトリア。ホテル・ノルマンディーで起こった失踪事件を調べる警察官であるジャックの前に現れた謎の女は、ヴィクトリアの幻想なのだろうか。かつてこの女性に何が起こったのか。なぜ、彼女はジャックを選んだのか。この豪華なホテルの裏側にはどんな秘密が隠されているのか。女優であるソフィー・ マルソーの監督作品である。政府は、2003年に彼女に文化勲章を授けた。棺桶の際で勲章を授けるどこかの国とはちがう、色気のある国なのだろう。（2007年、100分）※

ソフィー・マルソー（Sophie Marceau、1966年11月17日 - ）はフランス・パリ出身の女優。13歳の時にオーディションで数百人の中から選ばれた『ラ・ブーム』の主役でデビューし、一躍トップ・アイドルとなる。ややアジア人に似た外見が特徴で、これは本人も認めるところである。現在もフランスでの人気は高く、最も売れている女優であるとも伝えられる。
1980年2月、母と共に10代を探しているモデル事務所を偶然見つけ、写真を撮ったが声がかかることは期待していなかった。これが、デビューのきっかけとなる。 そのころ、クロード・ピノトー監督の『ラ・ブーム』のキャスティングディレクターがモデル事務所に新人を推薦するよう声をかけて回っていたのである。『ラ・ブーム』はフランスで入場券450万枚の売り上げを記録するに留まらず、他のヨーロッパ諸国や日本を含めたアジアでもヒットとなった。続編『ラ・ブーム2』でセザール賞最優秀新人女優賞を受賞する。以下、女優としての活躍は多く知られるところである。
2003年、フランス政府より芸術文化勲章を受賞。監督業としては、L'Aube à l'envers（1995、短編映画）、聞かせてよ、愛の言葉を Parlez-moi d'amour (2001)、ソフィー・マルソーの過去から来た女 La Disparue de Deauville（2007、出演・脚本も）。2008年、フランス映画祭（横浜）に団長として来日。

日時：2012年1月17日
会場：西鉄ホール
料金（一般）：前売 1,000円 / 当日1,200円
料金（学館生 / 学生 / 60歳以上の方）：前売800円 / 当日1,000円
お問い合わせ：九州日仏学館（Tel : 092-712-0904）

エンディングに“父親へ捧ぐ”だったか、“両親へ”といったふうな献辞があったと記憶するが、生来の映画好きとしては、ルネ・クレマンやアラン・レネなど、わが国ではフランス映画界の“巨匠”であるとか“名匠”と被される映画監督や、ジャン＝リュック・ゴダール、フランソワ・トリュフォー、ジャック・ドゥミ、アニエス・ヴァルダ、そしてロジェ・ヴァディム、ルイ・マル、ジャン＝ピエール・メルヴィルやクロード・ルルーシュなどによる“ヌーベルバーグ”と称せられる監督たちへの敬愛とも受け取れた。
「ソフィー・マルソーの過去から来た女」のメイキングフィルムを偶然にネット上で見ることが出来たのだが、アン・ドゥ・トゥルワ、アクションと撮影現場で声をかけるシーンは、13歳でこの世界にデビューを果たしたソフィー・マルソーの映画への情熱を感じる場面であった。※

映画「ソフィー・マルソーの過去から来た女」は、普段のストーリーテラーによる映画を見付けている観客には、少し見辛いものはあるだろう。クロスカッティングまたはフラッシュバックと呼ばれる非常に短い間隔で異なる場面のシーンを切り返す手法の多用は、ストーリーのはぐらかしとさえ思えて来るからである。心理上での虚像と実像が入り乱れる映画手法である。題名を思い出せないでいるが、1970年ころのイヴ・モンタン主演のアラン・レネによる時の政治模様も絡めた男と女の情愛を描いた映画では、思いと現実のカットバックによる画面操作で、どうにもならない現実の有様がよく伝わって来たのを覚えている。また、ストーリーが突然予告も無しに終ってしまうかのような印象は、フランス映画の特徴のようであるとは、過去に遡って、うろ覚えながら読んだ本のどこかにあったようである。現実のわれわれの日常も、取り立てて筋などは無いから、映画の中の人生でも筋は無いのである。ヒロインが死ねば、余韻など無く、映画も終る。物語に神のごとき視点など要らないということだろう。印象だけの話だが、フランス映画を難解に思ったり分かり辛く感じたりするとすれば、このような理由に因るのかも知れない。※
では、「ソフィー・マルソーの過去から来た女」という映画は、どのような映画なのだろうか。“30年前に謎の死を遂げたかつての有名女優”にまつわる複雑な過去と人間模様が描かれた映画であることは理解できるのだが、忙しなく煙草を吸い動き回る自殺癖のあるしどけない風采の刑事と謎の女の正体は、一体何なのか。刑事は悲しみの表情をして、憂鬱そうにスクリーンで振る舞う。この自殺癖のある廃人のような男は愛する人を、理不尽にも失くしたらしい。では、謎の女は、一体誰なのだろうか。幻惑を更に深める画面展開に物語の謎は深まるばかりである。そして、この映画もまた、余韻などなく、説明らしきものも無く終る。解釈を強いるのがフレンチシネマなのだろう。フランス人、否、ソフィー・マルソーに聞いたが早いが、教えてはくれない。否、これは、かれらの人生模様そのものだと、勝手に推察する方がベターだろう。
物語は終わりに近く、謎の死を遂げたかつての有名女優と、フラッシュバックで現れる謎の女を演ずるソフィー・マルソーは変装の黒髪の偽装を取り去り微笑む。しどけない風体の刑事も微笑む。かれらは抱き合う。すぐ側には事件の発端となった断崖絶壁が迫っている。ここで、謎は解き明かされる。ソフィー・マルソーは、危ういラブロマンスを撮ったのである。この入組んだ恋の駆引きは、断崖絶壁で抱擁する二人にしか分からないのである。むろん、われわれ観客には分かりようがない。極個人的な自我で撮られた作品だろう。映し出される風景は、スクリーンの中の“かれら“のものである。われわれ観客は、言葉巧みに、美しいソフィー・マルソーにまんまと騙されたのである。風景を読む余裕を持ちたいものである。※
追記かのように男優について書く。
この映画で、風采の上がらない刑事を演ずるクリストファー・ランバート (Christopher Lambert) はフランスの俳優である。どこか、亡くなってしまったが、ハリウッドの怪優と言われたマーロン・ブランド （Marlon Brando）に似ている。広い額と窪んだ目が印象的だ。“ゴッドファーザー”を演じたマーロン・ブランドは、泣き顔が絶品である。あの巨漢が泣くのである。ママ、お母さん、と言って泣いてみせる「ラスト・タンゴ・イン・パリ」は、あまりにも印象的である。※
もう一人、ホテルの社長としてロベール・オッセンが出演している。これも個人的に言えば、かなり、しどけない男を演じて絶品である。無精髭が似合う。駄目な男が似合う。フランスの女流作家クリスチアーヌ・ロシュフォールの原作「戦士の休日」を題材に映画で演じている。自殺しかけた駄目な男を演じるロベール・オッセンは言う。「許してくれ、ジュヌヴィエーヴ。もう自由なぞいらない人間になりたい……下劣きわまりない一人の人間に……すてないでくれ、おれの傍にいて、一緒に生きてくれ……」。男優二人とも、しどけなく、泣き顔が似合う役者である。「フランスの男のイメージは、醜男かしら。」日本の女優である岸恵子がテレビ放送で言っていたのを思い出した。自殺しかけた駄目な男を刑事役のクリストファー・ランバートが演じているということは、ソフィー・マルソーの洒落っ気のある演出なのだろう。※

※ヌーベルバーグ：ヌーヴェルヴァーグ（新しい波）と言う呼称自体は、1957年10月3日付のフランスの週刊誌『レクスプレス』誌にフランソワーズ・ジローが「新しい波来る！」と書き、そのキャッチコピーをその表紙に掲げたことが起源とされる。ヌーヴェルヴァーグが興った1950年代から1960年代にかけては、フランスにおいては映画に限らず多くの文化領域で新たな動向が勃興しつつあった。それはサルトルを中心とした実存主義や現象学を一つの発端とするもので、文学におけるヌーヴォー・ロマンや文芸批評におけるヌーヴェル・クリティック、さらには実存主義を批判的に継承した構造主義など多方面に渡った現象であり、ヌーヴェルヴァーグもこれらの影響を様々に受けていると言われる。事実、ヌーヴォーロマンの旗手であったアラン・ロブ＝グリエやマルグリット・デュラスは、原作の提供や脚本の執筆のみならず、自ら監督を務めることでヌーヴェルヴァーグに直接的に関与している。
※クリストファー・ランバート (Christopher Lambert)：外交官だった父親の仕事の都合でアメリカで生まれる。2歳の時にスイスのジュネーヴに引っ越し、16歳までそこで育つ。パリ国立高等音楽・舞踊学校に入学し、1980年に映画デビューした。
※マーロン・ブランド （Marlon Brando, 1924年4月3日 - 2004年7月1日）は、アメリカ合衆国ネブラスカ州生まれの俳優。20世紀を代表する俳優の一人と言われている。
※ロベール・オッセン（Robert Hossein, 1927年12月30日 - ）は、フランス・パリ出身の映画俳優、映画監督である。クールなマスク、渋い低音、安定した演技力という3拍子を併せ持ち、1950年代を代表する2枚目スターとなる。
※「ラスト・タンゴ・イン・パリ」：1970年代前半の映画にして大胆な性描写が世界中に物議を醸し、本国イタリアに至っては公開後4日にして上映禁止処分を受け、日本でも下世話な話題ばかりが先行し、当時の興行成績は芳しくなかったという。主演のマーロン・ブランドにとっては辛い映画であり「役者として拷問のような体験だった」と語っており、私生活でも泥沼の裁判劇の挙句敗訴という憂き目に遭った。ヒロイン役のマリア・シュナイダーに至っては波乱万丈の人生を余儀なくされ、この映画に出演した事を「人生最大の痛恨」と語っている。しかし両名の演技の評価は高く、特にブランドの中年男の悲哀感をたっぷりにじませた迫真の演技は圧倒的なものであり、本作でブランドはニューヨーク批評家協会賞を受賞している。
（監督・脚本・製作：ベルナルド・ベルトルッチ。）
※フランスの女流作家クリスチアーヌ・ロシュフォールの原作『戦士の休日』をロジェ・ヴァディムとクロード・シュブリエが脚色し、ヴァディムが監督したもの。出演は、ブリジット・バルドー、ロベール・オッセン。他。
※岸 恵子（きし けいこ、1932年8月11日 - ）は、女優・文筆家。神奈川県横浜市神奈川区生まれ。神奈川県立横浜平沼高等学校卒業。 1945年5月の横浜大空襲で被災。高校在学中に小牧バレエ団に通う。もともとは作家志望で川端康成を耽読した。高校時代に観た『美女と野獣』に魅せられ、映画に興味を持ち松竹大船撮影所を見学するうちに、吉村公三郎監督にスカウトされ、大学入学までという条件で『我が家は楽し』に出演したのを契機に映画界に入る。
※写真は全て九州日仏学館提供による。

九州日仏学館

日常生活は、いろいろな物や情報に溢れているが、それらは絶えず消費され目の前から消え去る。そこには生活を送る中で積み重なっていくであろう「生の記憶」のようなものは蓄積されない。つまり過去から未来へと続く時間の中で、今日、私たちは自分の存在を捉えることが難しくなっているのではないだろうか。今回の展覧会では、スーパーマーケット、駐車場、住宅地といった日々目にする、ありふれた風景を題材にした作品である。モノトーンに近い色調で、感情を交えずに淡々と日常の空間を描くことで、どこかリアリティーのない遠い世界のように表現した、油彩による風景画である。※

山根 秀信 / Hidenobu Yamane
1959年山ロ市生まれ。1985年東京芸術専門学校（TSA）卒業。
1991年~1993年 フランス、ノルマンディーにて「田窪恭治サン・ヴィゴール・ドミュー礼拝堂再生プ口ジェクト」に参加。 1994 年山口市に帰郷。以後山口県を中心に制作、発表活動を行う。 2008 年 山口日仏協会会員（理事）。他、グループ展、個展多数。

会期：2009年12月8日~2010年1月16日
会場：九州日仏学館5Fギャラリー
お問い合わせ：092-712-0904（九州日仏学館）

展示室に入るや寂寥としたものを感じた。身体感覚をなくした眼のようなものが風景をながめているとでもいったらよいのか。浮遊する眼のようなものが生命を感じさせない人気のない風景を、今日ふうにいえばスライドをしていく。これらの風景が異国を思わせたのは作家 山根秀信の経歴にあるフランス滞在という記述が、そう思わせたのだろうが、極ふつうに見覚えのある身近な風景が油彩により描かれている。なぜそのような趣の風景を山根秀信は描くのか。それは、かれにとってもっとも生き生きと印象に残る今日という生活の題材であるからであろう。
もうひとつ過ったのは、アメリカの小説家トルーマン・カポーティ(1924年〜1984年)のノンフィクション・ノベルを題材とした「冷血」(1965年)という映画だ。この時の不気味な喘ぐようなカメラワークは現在でもサスペンスものの数々の映画に影響を与えていると思われる。アメリカ合衆国カンザス州で起きた動機不明の農家の一家殺人事件を題材に取っている。誰とも知れない眼になってカメラが動き回る様は、うろ覚えだが恐怖そのものであった。それほど新鮮に思えたカメラワークだったのだろう。山根秀信の絵には油彩による風景画というより、より映像に近い趣がある。
ちょうどこのころのアメリカ合衆国は大量生産、大量消費の浮かれ気分に陰りがさしはじめる。ベトナム戦争への参戦、大統領の暗殺など体制を揺るがすような悲劇が多発している。方や日本は小型のアメリカを目指した成長期にあり、その後バブル景気を迎え大量生産、大量消費のおいしさも経験したが、なんともいい難い疲弊した現在の世情を迎えている。※
この展覧会の前置きとして、私たちの日常生活は、いろいろな物や情報に溢れているが、それらは絶えず消費され目の前から消え去り、そこには生活を送る中で積み重なっていくであろう「生の記憶」のようなものは蓄積されない。つまり過去から未来へと続く時間の中で、今日、私たちは自分の存在を捉えることが難しくなっているのではないのか、とあるのだが、百年単位の建物がいまだに生活に根ざしひとびとの暮らしがあるというわけには日本という国はいかないのである。目の前のこととして、つくっては壊す世界が相変わらず続いていくだろう。山根秀信の絵画は、このような世界を繊細に感知しているのである。わたしの内的な目が、わたしだけの世界を映し出している。作品の中に人影を見ないのは、そのせいである。わたしは身体を必要としない内省の世界に閉じているのである。ふつうは他者の中に自分を見分け生きているのだが、身体を持たない眼はこのように世界をながめるのだろうかと思わせるやや不気味とも思える浮遊感がある。月は命を燃えつくしたあとの死んでしまった星である。月面がメインのモチーフとなっているようだが、うなずける。風景の中に、染み入ったような”生の痕跡”は期待できない。根拠の無い突然現れた意味の無い風景があるだけである。
※九州日仏学館テキスト。
※1967年、同名の『冷血』（英題：In Cold Blood）として映画化された。 監督・脚本はリチャード・ブルックス 。音楽はクインシー・ジョーンズ。アカデミー賞4部門（監督賞・音楽賞・撮影賞・脚色賞）にノミネートされた。
※トルーマン・ガルシア・カポーティ（Truman Garcia Capote、1924年9月30日 〜1984年8月25日）は、アメリカの小説家である。「遠い声 遠い部屋」、「ティファニーで朝食を」などがある。
※ノンフィクション・ノベルは、事件の発生から加害者逮捕、加害者の死刑執行に至る過程を再現したもので、前出のカポーティが名付け親であるそうである。。
※原画は、作家のメッセージを伝えるためにカメラでいうピンボケのタッチで描かれている。風合いはかなりちがう。近くで見たら風景の輪郭はなくなる。

九州日仏学館

石彫刻、絵画と様々な素材を組み合わせながら、「地球が生まれた宇宙空間」を表現してきた造形作家の展覧会。2010年は、フランスでネオンランプが開発されて100周年にあたることから、今回の展覧会では、そのネオンと石彫刻やLED、発光ダイオード、キャストガラス、鏡など様々な素材を組み合わせた絵画作品などを合わせた展示である。

高鶴 アタル 略歴：1967年福岡県生まれ。1989年夏に、アトリエ・二コリーの大理石彫刻講座を受講（カラーラ、イタリア）、1989年秋に、ラコスト美術大学の美術講座を受講（ラコスト、フランス）し、1992年には、タフツ大学及びボストン美術館付属美術大学卒業、美術学学士号を取得する。こうした経歴から、日本のみならず、海外でも精力的に制作・発表を行っている。
1998年　「北アメリカ彫刻展」フットヒルズアートセンター（コロラド州）1998年　「Art of the Spirit」（永久設置賞）フォーレストヒルズ（ボストン市） 2001年　「トレイシス　オブ　プロバンス」FIA Francaise （ニューヨーク市） 2002年　個展「ユニバース」岩田屋・美術画廊（福岡） 2006年　個展「コンスタレーション」ギャラリーだいせん(福岡) 2008年　個展「オリジンズ」福岡アジア美術館（福岡）高鶴 アタル 略歴：1967年福岡県生まれ。1989年夏に、アトリエ・二コリーの大理石彫刻講座を受講（カラーラ、イタリア）、1989年秋に、ラコスト美術大学の美術講座を受講（ラコスト、フランス）し、1992年には、タフツ大学及びボストン美術館付属美術大学卒業、美術学学士号を取得する。こうした経歴から、日本のみならず、海外でも精力的に制作・発表を行っている。
1998年　「北アメリカ彫刻展」フットヒルズアートセンター（コロラド州）1998年　「Art of the Spirit」（永久設置賞）フォーレストヒルズ（ボストン市） 2001年　「トレイシス　オブ　プロバンス」FIA Francaise （ニューヨーク市） 2002年　個展「ユニバース」岩田屋・美術画廊（福岡） 2006年　個展「コンスタレーション」ギャラリーだいせん(福岡) 2008年　個展「オリジンズ」福岡アジア美術館（福岡）

会期：2010年5月29日（土）～7月3日（土）
会場：九州日仏学館5Fギャラリー
お問い合わせ：092-712-0904（九州日仏学館）

この日見た高鶴アタル展は石彫が主であり、絵もあったが、電気仕掛けのようなオブジェも見られた。テーマはユニバースである。謎をかけられたようなものだろう。目のやり場に困るという表現があるが、高鶴アタルの場合は、やりようにもやりようがない。既知の事象などとは、凡そ無関係のところで高鶴の意味するところに立ち向かわなければならない。例えて言葉のイメージとして言えばこうである。※
眼前の世界は常に変容し続ける。誰かの手によって光が現れ、その光は闇と分けられ、闇は夜と名づけられ光は昼と名づけられた。そして朝を迎えた第一日であっただろう。認識は闇夜から生まれ言葉の持つところの無遠慮さにあきれ果て腕を抱え込み、眼差しには透視力が与えられあらゆる事物を鷲掴みにしたであろう。土は土、水は水、空は空、あまねく大地に生き物はうまれ、巨大な沈黙が力で支配した。むなしさから形は生まれたのである。無骨とも言える左右の柱には種子のような形をした黒い石が鎖で繋がれ、あらかじめ仕組まれた指示書による惑星のレプリカのように極り悪げに佇む。マグマがあり、ストーンヘンジと巨石があり流星群がある。高鶴アタルが思いを馳せる意味するところのものと言って良いだろう。表現されたのは形ではなく、求めるのは意味である。意味を求めても致し方のない宇宙に何を求めたら良いのか。万物を含む全ての広がりである宇宙のかけらであるわたしは、視界の前に現れる生の痕跡としての造形を残すのである。無いことをあるかのように思わせるひとの営みは、巧緻を極め充足を求めて延々と続いていくように思われる。思い描くのは”創世記”の物語の世界であり、または、そのような匂いである。
高鶴の世界は、求め難い安住の土地の温もりであり日の光であるように思えて来る。思いを馳せる宇宙のなかに、幼い頃の記憶である異国の地の色鮮やかな秋の葉を思わせる色彩のなかに、溢れるような命の泉を見ているのだろう。

※旧石器時代人にとって間題なのは、現実のイメージではなく、彼自らのイメージの現実性であり、従って彼等は、あたかも自然における存在がリアリティそのものとして作りだされるように、自然物と同等の作品という物体を作りだすのである。つまり、一本の樹、一個の卵がそれ自身完結した具体的な物体であるように、絵画もまた一個の物体ーオブジェとなるのである。オブジヱは何らかの対象を意味する記号ではないから、その背後に意味されるものは存在せず、それは「ある」という以外によびえようのない、何の意味もない「もの」である。何の意味もないということは、意味そのものであるということであり、逆にいえばそれ以外の何ものをも意味しないということ、すなわち一個の存在であるということである。かくして旧石器時代美術は、それ目身ひとつの現実的な「もの」として自ら完結し、即時的に充足するのであり、その意味で一個のオブジェなのである。（「はじめにイメージありき」木村重信 著、岩波新書、1971年刊）
※創世記：いわゆるモーセ五書は、ユダヤ教においてはトーラーと呼ばれている。創世記はヘブライ語では冒頭の言葉をとって ベレシート（ヘブライ語で「はじめに」という意味）と呼ばれており、ギリシャ語名の「ゲネシス」は「誕生、創生、原因、開始、始まり、根源」の意である。

九州日仏学館

時代を画したアート&クリエイティブマガジン誌上で、グラフィックの可能性を大きく拡大してみせた稲葉は、コンピュータをツールとして表現を開始した第一世代である。多くのデザイナーが美術系大学出身であるのに対して、稲葉は大学では理工学を専攻している。そして今回のテーマはプリント。稲葉の作品のアウトプットは絵筆でもカメラでもRGBのモニタでもない。コンピュータの中で生成したイメージを印刷という技術を介して“美”を出現させる。
これは従来のアートとは対極にあるとされてきた印刷物を駆使したエキシビションである。自身の表現を0と1の集合体以上の高みに引き上げる稲葉の緻密で周到なマジックであり大胆なファンタジーでもある。絵画でも写真でもなく、ファッションでもプロダクツでもなく、そしてwebでも映像でもない、"グラフィック"の芸術表現を追求してきた稲葉の今回の展覧会は、あらゆるジャンルのビジュアル表現に関心を持つ人々にとって必見だろう。※

稲葉英樹 / Hideki Inaba
1971年生まれ。1990年代後半より『+81』などのエディトリアルデザインを手がける。
2004年、ドイツred dot awardにてコミュニケーション部門最高賞受賞。2006年、作品集『〜NEWLINE』を出版。
2007年には、化粧品メーカーであるshuuemuraとの共作によるコレクション『BTB24-graphic design by hideki inaba』を発表。同時にソロエキシビジョン「GRAPHICLINE」を開催。自身の作品がアートブックの老舗Taschenの人気書籍『Graphic Design Now』(2005年)のカバーにも選ばれる。
2008年、南アフリカ・ケープタウンにて開催された国際デザイン会議「デザインインダバ11」に招聘。パリ･ルーブル宮のフランス国立装飾美術館「kansei」展に『Print Line by Hideki Inaba』を出品。
会期：2010年2月19日〜2010年3月15日
会場：三菱地所アルティアム・ イムズ 8F



久しぶりに印刷工場でのインクの臭いを思い出した。すべてがキーボード操作で賄われるようになる前のことである。輪転機を前に刷り出しという最終的な判断を求めてくる立ち合いには、緊張したものだ。校正機と呼ばれる一畳程の手刷りの印刷機も思い出したのだが、コンピュータ化した今もあるのだろうか。グラフィックデザインは、印刷物のためのデザインである。その頃は、画像加工の工程も手作業であった。現在のようにモニター上ではなく、原寸のフィルムが大量にある世界と思えばよい。こういう現場をたずねると、上履きに履き替え埃が立たないようにと気持ちを整えた。
今回の「稲葉英樹展」のテーマはプリントであるという。稲葉がこれまでに関わったというエディトリアルデザインを参照する限り、彼はグラフィックデザイナーとして、こうであらねばならないと、厳然としてあった従来のグラフィックデザインに課せられていた掟のようなものを捨て去ることから出発をしたのではなかろうかと思われる。それは、常識であったり、良識であったり、つまり、読みやすい適正な文字のサイズは、こうだとか、配色は、こんな場合は、こうしなさい、であるとか、本質を見たいアートを志向する者にとっては邪魔であり、反抗期の若者にとっての親の説教みたいなもので、うさん臭いだろう。
彼が関わったというエディトリアルのページを捲るのは確かに爽快である。拘らないということが、ある種の美しさを見せてくれている。
稲葉英樹の作品は、掲載の「"relax" 2004、Print Line version 2008」のように極細の線の束が特徴である。作家性の前に立つと捨てるものがあれば選ぶものも現れる。まるで、出力テスト紙を見ているような気にもなる。取り憑かれたように描くのだろう。コンピュータの手助けがあるとは言え、粘り強い根気のいる作業である。一本一本の線を操る技術と一本一本の線を自らが描こうとする美意識の世界に導く作業である。そして、そこに見えてくるのは、彼の元来持つ本質であり、これでいいのかと、問いかけてくる新たな発見の領域でしかないと思う。
「無数の微細な線を積み重ねた表現は稲葉の代表的なスタイルのひとつですが、驚くことにこれらのラインは、ほぼ手作業でマウスによって引かれています。」※
コンピュータ化で失くしてしまったデザインに対する手作業の謙虚さであるとかプライドであるとか、手応えのある創作上のほんの些細な発見の喜びを、稲葉は、むしろコンピュータで呼び戻したいのだろう。あの極細の線を“マウス”で描くと念を押す。つまり、彼の仕事に対する手応えであり、プライドであり、創作の喜びである。マウス作業は、今や、かつての職人が使ったナイフのような切っ先を持つ金属の先端にインクを含ませ螺子によって線の太さを調節して描く筆記用具に等しいアナログなレベルなのだろう。
当り前のことを当り前に享受しているだけでは、理解できない世界というものは当然存在する。ただ線を描くだけで喜びを感じる世界もある。稲葉は、彼の眼で、プリント（印刷）という方法によって彼の美意識の世界が再現できているかどうか確認をしたいのである。少しでもラインが欠けていたら納得をしない。そのような世界であり、あくまでも、グラフィックデザイナーでありたいのである。元はと言えば、グラフィックデザインは専門性の強い匿名性の仕事である。そこに作家性を追求する前に、職人としての仕事があり商いがある。ただし、この構図は崩れつつある。コンピュータによる技術の平準化によって、今や、どの分野から才能が開花するかは予想のつかない時代である。今更ではあるが、技術革新は、グラフィックデザインの世界にも新たな表現の可能性の領域を与えてくれた。
今回の展示会では、インスタレーション「PRINTER」と「Burst Helvetica」で自らがグラフィックデザイナーとしての立つ位置を見せ、「LINE」シリーズに於いてアーティストとしての立つ位置を見せたのである。
※ 作品そのものについての追記である。掲載作品の「"relax" 2004、Print Line version 2008 」は、ヘアライン仕上げと言われる、主にステンレスなどの表面に髪の毛のような細いラインが入る金属の仕上げを思わせる表現である。正にへアラインでできたプロフィルに覆い被さるように極細のラインの束が波打っている。端的に言えば、これらラインの束は風に舞い手をつけられない状態に見える。この作品は、当初の目論見からは外れて完成をしてしまったのだと思う。彼は極細の線で豊かな髪が波打つ美しい女性のプロフィルを描きたかった。だが、結果的にリアリズムには至らず極細の線だけが印象として残ったというわけである。いや、逆に、破壊的とも言える独特の美しさを、この女神は湛えていると思う。「NEWLINE展 "Burst Helvetica" 2004」は、連日のグラフィックデザイナーとしての仕事の中で、極ありふれた、ありきたりの欧文書体に接するときの衝動のような作品であるだろう。直訳すると「破裂する書体、ヘルベチカ」。可読性を無視したことによる削り取られた文章の意味合いより、垂直に立ち上がる炎のようなラインに、抑えられぬ衝動と新たなアートの領域への挑戦を見たいのである。

※三菱地所アルティアムによるテキスト引用。
※ Text: Jiro Ohashi.
三菱地所アルティアム
HIDEKI INABA

椎原 一久 略歴：1956年、東京生まれ。1969年、スキューバダイビングと同時に水中写真を始める。1974年 ニコン主催、九州地区ニコンシステムショウにて個展開催。1982年 九州産業大学芸術学部、写真学科卒業。1985年 東京渋谷ドイフォトプラザにて個展開催。2001年 第57回福岡県美術展覧会入選。ライカ同盟展優秀賞受賞 2006年。九州日仏学館ギャラリーにて個展開催。2007年、福岡市製作の広報写真集「福岡の顔」製作フォトグラファーとして活動。2008年 ニューヨークのA-forest Galleryにて写真展開催。2010年 上海万博国連館フォトコンテスト入選。2007年より「アクロス福岡シンフォニーホール」専属契約カメラマン。及びフリーランスフォトグラファーとして活動中。

会期：2010年4月3日~28日　会場：九州日仏学館5Fギャラリー　お問い合わせ：092-712-0904（九州日仏学館）

長い人影が美しい写真である。曇りのない画面は底までもうかがえる透明な湖水に映る影絵のようである。ふたりの少女らしき姿からの視線は感じるが、影だから表情がわからない。あどけない視線はどの辺りなのか。作家の目はあたたかい。
もう50年以上も前の記憶だが、叔父が二眼レフの写真機をくれた。なぜそのような高価なものをくれたのか思い出せないでいる。ビジネスにも成功していて当時のあの黒塗りの自家用車にはあまりにも眩しいものがあった。通学路を乗せてもらった記憶があるが、同級生を車窓に眺めながら違和感を覚え途中で降りてしまった。怪訝そうな叔父には悪いことをした。二眼レフには肉眼でのぞくファインダーもあったが、もっぱらその長方形の筒型の上部にある真四角の磨りガラス越しに映し出される風景に面白味を感じていた。いろんなものを撮ったが、いつか飽きてしまった。
椎原一久の写真からは素養であり経験であり、ひとつのことに傾注をしていくひとの様がありありと見えてくる。写すことの喜び、楽しみ、それを見ることの満足感、そして、その瞬間に身震いを感じた記憶に充実を覚える生活がある。テーマは「光・影・彩」である。ライフワークとして撮り続けている都市（福岡市）の"光と影"がモチーフであり、"彩"はカラーでおさえた「都市空間」である。掲載の写真は大濠公園の壕をのぞむ景観である。左上に松の枝が覗きオレンジに染まる青空、画面上を真横に区切る都市が壕に映る。都市の様子は影に溶込んでいるように見えるが、うっすらと細部の色彩を漂わせている。作為を感じさせないていねいな世界がここにはある。もう一つは、モノクロのもので二人の少女と舗道上を行き交うひとの群れを俯瞰でとらえた作品がある。尾を引く長いひと影がグラフィカルで美しい。半透明の影もあれば歩道を黒く塗りつぶした影もある。どこまでこの明暗を感知できるかが使命のような写真である。モノクロの作品は概ね影が主役である。それぞれの影は写したというよりこと細かく採取したという趣である。電柱とビルの壁の間の電柱の半透明の影の写真がある。このような眼差しもあるのだということを教えてくれる一枚である。
カラー表現においては、隅々まで色彩を活かすことに注意が向けられる。屋内の色彩は影と重なり合う部分に特に繊細さを感じるように計算されている。屋外においては遠景にある小さな赤は赤として濁りなく認識できるように再現されている。モノクロがフィルムで、カラーがデジタルで撮影をされているということである。このことの差異は写真機の技術の粋に求める機械上のことなのだろう。要は熟練の世界であり解せぬ者には及びがつかない。銀塩だデジタルだというようなことには一向に興味が湧かないが、真冬の夕暮れ時の粉雪が舞う舞鶴城の作品は情を絡めてないだけに美しい。地面に舞い降りた粉雪に触れる思いである。新ためて、写真を撮るひとの思いを想像させてくれた椎原一久写真展であった。
「あらゆる色彩は影よりも光りの当たる部分における方が美しい。光は色彩を活発にしその性質を正しく認めさせるのに、影は同じ美しさを弱め曖昧にし、その色の認識を妨げるからこういうことが生まれる。もし反対に黒は光の中より影における方が美しいとしたら、黒は、況んや白は、色ではないと答えよう。」（レオナルド・ダ・ヴィンチの手記、「絵の本」の章より「光、影、色」より。杉浦明平訳、岩波文庫）どこかでひょいと顔を出す先達の言葉はあらゆる世界を楽しくさせる。

九州日仏学館

東信（あずま・まこと）1976年福岡県生まれ。花屋「JARDINS des FLEURS」を営む傍ら、2005年以降活動の幅を広げニューヨーク、パリ、ドイツで個展を開催。アルティアムでの個展は3年ぶり2回目となる。会期：2009年3月18日-2009年5月24日会場：三菱地所アルティアム・ イムズ 8F

氷漬けになった松の盆栽、鉄柱に括りつけられ風を切る音を立てながら勢いよく回転する小ぶりの松。衝動的で暴力的な印象である。居合わせた二人の若い女性は、「あっ、松が廻ってる。」と言って、ものの数秒程で会場を後にした。作家の本業が「花屋」ということから華やかでフェミニンな作品を想像して入場したのだろう。福岡市の中心部にある多目的でスタイリッシュなイムズビルである。本業の顔では、ビル内に色鮮やかな花のアレンジメントが会期中には見られたはずである。
会期最終日の会場に入ると正面間仕切りの白い壁に、車中から撮影したと思われる地方の町並みの映像が投げやりな無造作な雰囲気で流れている。奥へ細長いアルティアムは間仕切りで三つに分けられ、映像が流れるその奥の左壁には作品のためのスケッチと思われるドローイングや写真という組み合わせ。右には手のひらほどのボリュームの液晶モニターが計24個、低めの位置にセットされ、これまでの個展の記録映像が流れている。何処を覗いても、はぐらかしを受けているような気分になる。液晶モニターの中では人影が忙しく動いている。見ていても詮方ないのである。全ては含羞の現れとしか思いようがないのである。もう一つの間仕切りの後ろには、二メートルは十分にある、横たわる大きな樹の幹に大小の筍が立てられている。遠目に火でも燃やした後かと錯覚をしてしまう施しである。黒と白のインクを筆の先に付け飛ばしたのであろう。樹の幹と筍とその廻りの床、床に作者が施したドローイングもインクで塗り潰されてしまっている。まるで奇妙な光景だけを残した、手掛かりは一切ない荒々しい犯行現場に遭遇したような気になる。ドローイングの一部が塗りつぶされず残っていて、英文で「...It was empty..」とある。和文では、「それは空でした」となる。作者は、たぶんに、これは意図的に残したのだろう。東信は福岡県福間出身。《記憶の植物_0-21 fukuma》がテーマである。スクリーンの様子になつかしさが滲んでいる。遠い記憶は映像の中の彼らにどう映ったのだろうか。樹の幹を福間海岸で拾う様子が映像にある。やんちゃな男の子の世界が覗ける。重しは取れただろうか。
この日に居合わせた入場者の一人の女性の姿が印象的であった。作品の間を行き来しながら考え込んでいるのである。美術批評の用件と見受けた。会場を出ることにした。東信は、ある謎の思いを暴力的な装いで作品として見せたが、やはり、拭いきれない叙情性を隠し通すことはできなかった。しかし、本業である花屋への充分な肥やしであり、逞しい想像力を垣間見るのである。
三菱地所アルティアム

azumamakoto.com
三菱地所アルティアム

片山正通。1966年岡山県生まれ。2000年にワンダーウォール設立。インテリアデザインのみならず、建築デザインディレクション、プロダクトデザインなど幅広い分野で活動。クライアントのコンセプトを具現化する自由な発想、また、伝統や様式に敬意を払いつつ現代的要素を取り入れるバランス感覚が高く評価され、日本国内はもちろんのこと、フランス、アメリカ、イギリス、ロシア、オランダ、香港など海外でも活躍中。
現在は、Westfield Sydney（ショッピングモール環境デザイン、2010年10月オープン）、ＪＲ東日本とＪＲ東日本青森商業開発による「A-FACTORY」（2010年12月4日オープン予定）、リッツカールトン香港の118階に位地するレストラン＆バーラウンジ「OZONE」(2011年オープン予定)などが進行している。※
会期：2010年12月4日〜2011年1月4日 　会場：三菱地所アルティアム・ イムズ 8F

オフィシャルサイトでWONDERWALLのOFFICEの写真を見る。こだわりの建築物によくある打放しコンクリートである。そのコンクリート製の壁面は木肌模様であり、個人的な思いを起こさせた。華やかで今を生きるインテリアデザイナー・片山正通の世界とは正反対の世界ではあるが、インテリアデザイナーの世界であることは共通である。菩提寺はインテリアデザイナーが作った打放しのコンクリートの建築物である。WONDERWALLのOFFICEの外壁のように、珍しくもないのだろうが、木肌模様を施してある。通りに面した玄関の扉はまがい物を嫌い正真正銘の鉄製である。相当の重量であるらしい。本堂外観は湖面に映える古城だろう。内部は外部からの光が印象的な大聖堂であり、奥座敷は庭に眼をやると竹林が美しい和のパノラマとなる。細部の調度品も幾世代もが伝えて来た京職人の仕事であるという。本堂の天井は恐ろしく高い。インテリアデザインとは口にはするが、実際のところは誰もが詳しくわかっているわけではない。身近なところから入ってみようと思っただけのことである。そして、使ってみなければ分からないだろう。
片山正通の世界からは、即、クライアントとのやり取りが透けて見えてくる。インテリアデザイナーが求めてくる商いの商材は、世界中のあちらこちらから声がかかるのを今か今かと固唾を飲んで待っているはずである。時間は待ってくれない。商いの兆しが少しでも世界のどこかにあれば、時間という衣を纏い吸込まれるように飛び込んでくるのが現代だろう。物が溢れているように見えはするが、ふるいを掛けて時間だけを抽出をするとすれば全ては瓦解するだろう。ダリの絵を思えば良い。
三菱地所アルティアムの展示室真正面に「EXHIBITION OF WONDERWALL」のネオンサインが迎える。おしゃれなカフェバーに向かう気分である。黒いボードで仕切られ左に折れると通路状になる。左壁にこれまでのプロジェクトが掲示されており、楽しげな色合いに都心の若やいだ居住空間を思い浮かべる。くすぐったい響きの電子音のBGMが更に拍車を掛ける。
ビジネスの場面であれば、気にかかるのはクライアントとの掛け合いである。代表の一声で全ては進むだろう。「君に任せるよ。」でも困る場合もある。更に、全ては没の判断が下り、一から出直さざるを得ない場合もある。「別の業者に決まったよ。」と言われる場合もある。相手は神だからもみ手をせざるを得ない。片山正通の場合はどうなのだろう。
仕切られてできた通路を右に折れると10個のプロジェクトの模型が並ぶ。仄暗くライティングされたスペースに、ミニチュア本体から漏れる灯りがプロジェクトを浮き出させる。
プレゼンテーションは神であるクライアントを唸らせる作業である。コミュニケーション能力に欠けた人物はデザイナーなどはやらないことである。デザイナーは絵描きではないだろう。ある目的に従ってことを進めるビジネスマンである。模型には、本物のように光と影があり、わたしたちを納得させる。ショップデザインならばミニチュアにも商品が並ぶべきだろう。買い物客も当然ながら姿を見せなければならない。室内も立ち上がった実物と同じようにライティングは施されるべきだろう。この店舗は、どのような階層の人々に、どのような年齢層に向かっているのか。むしろ、クライアントよりも先に解るべき想像力は養わなければならないだろう。専門分野でも、互いに解りやすく、仕事を進め易くしてやるべきである。片山正通の模型は、クライアントへの噛み砕いた解りやすい専門分野の説明であり説得術と思うのである。
※三菱地所アルティアムテキスト

三菱地所アルティアム

牛島光太郎
1978　福岡県に生まれる。
2003　成安造形大学　彫刻クラス研究生修了＜個展＞2009　「intentional accident／意図的な偶然」京都府立文化芸術会館（京都）2008　「scene」　關渡美術館 Kuandu Museum of Fine Arts（台湾・台北市）2008　「Curator's Eye 2008」　Gallery Maronie（京都）＜グループ展＞2009　「gallerism 2009」大阪府立現代美術センター（大阪）2009　「Mirage」同志社大学　京田辺キャンパス（京都）2009　「神戸ビエンナーレ2009」神戸メリケンパーク（兵庫）2009　「ART OSAKA 2009」堂島ホテル（大阪）2009　「Preparation for salon」旧大賀APスタジオ2008　「gallerism 2008」大阪府立現代美術センター（大坂）2007　「Wording image [spell]」art project room ARTZONE（京都）2007　「Ich sehe was,was du nicht siehst あなたに見えていないものが、私には見えています」 CAS 特定非営利活動法人　キャズ（大阪）2007　「Ich sehe was,was du nicht siehst」Kuenstlerhaus Dortmund（ドイツ）＜レジデンス＞2008　關渡美術館 Kuandu Museum of Fine Arts（台湾・台北市）において滞在制作･展示2007　Kuenstlerhaus Dortmund（ドイツ・ドルトムント市）において滞在制作・展示＜パブリックコレクション＞『scene-35』、『scene-36』　關渡美術館 Kuandu Museum of Fine Arts（台湾・台北市）
会期：2010年4月24日〜2010年5月16日 　会場：三菱地所アルティアム・ イムズ 8F

会場に入ると、陰と陽という言い方をすれば、陰の割合は多く晴れ晴れとしないものが待ち受けている。三菱地所アルティアムで開催中の牛島光太郎の今展のタイトルは「意図的な偶然」である。そのままを受け取れば、偶然ではないということになる。そして、その矛盾の狭間で、この“偶然”は生き倦ねているのかも知れない。偶然のままでは生は完結をしない。そこに意図や意志を携えてはじめてものが見えてわたしたちは歩きはじめる。これは今に始まったことではなく時代や役割や人種や国の問題や生い立ちや性や、たった今の今日の待ち合わせの相手などが関わり合った大きな積み上げとでもいったものから生まれた。そして、確かな予め定まったことなどありはしないのである。
「京都を引っ越す時に、友人が、メモ用紙にギターの絵を描いて渡してくれました。ドイツに着いた日、部屋があまりにも殺風景だったから、私はそれを部屋に貼りました。ドイツから日本に帰国する時に、私はそれを壁から剥がして、お財布に入れました。日本に帰って、自分の部屋にそれを貼りました。しばらくして、台湾に行くことになり、私はそれを持って行くことにしました。台湾のスタジオにそれを貼っていると、遊びに来ていた台湾の友人が、これは何？、と私に聞きました。私は考えたあげく、それを"お守りのようなもの"と彼に説明しましたが、それが何なのか、自分でもよく分かっていませんでした。」※
一見、丁寧語に思える語りだが、実はそうではない。単なる過去形でもない。前兆を期待しているかのようなもの言いであり、何か自分の力では動かしようのない絶対の力とでもいったものを信じているような、計りかねているような、結論をつけるには心許ない自分が見えてくる呪縛とでもいった暗示をかけられた世界を思う。
会場の入口には、彼が拾って収集をしたといういろんな極小さなモノが展示してある。区切られた別のスペースでは、拾ってきた音も聞くことができる。それらは不吉な感じを与えるし、わざとらしい趣にも見えてくる。用済みの打捨てられたようなゴミを言わば亡骸の形見かのように展示している風景を思い起こせば良い。更に言えば、敢えて取るに足りないモノを掲げ、それらモノの背景に何かが見えるのではないかと祈るような姿の己を、もう独りのわたしが何もありはしないと辛い思いをして眺めている。思い返せば遠い日に、宿題で苦痛ではあったが春休みや夏休みや冬休みに日記を書いたではないか。嘘のような本当のようなできごとが、父や母に助けを求めてその世界はできあがっていた。まだ幼い芽は呪縛の中にあったのである。
窓枠が当然のように置いてある。これも意味を持たせようという意味合いから言えば印象的である。窓からは必ず風景が見えるはずである。窓本来の機能からは空気を通す穴であり光を室内に入れるためのものである。いつのころからか趣味としての風景を内から眺める機能も持つようにもなった。牛島光太郎は知らず知らずのうちに向こう岸の世界を眺めたいという心持ちになったのだろう。何故なら、そこは偶然の悩みから解き放たれた世界があるからである。
「文字を刺繍した布で構成する作品」というのが、この個展では見られる。「言葉では説明のつかない特別な巡り合わせ」を一文字一文字布に縫い込んだ作品である。だらりとゆるく会場内に布が下がっている。仕切りに使われているものもある。以下は、長いがその全文の引用である。
「台湾に滞在している時、台湾人と現地に留学していた韓国人と知り合いになった。私たちは、同い年ということもあり、すぐに仲良くなり、よく3人で行動した。ある週末、タ飯の時に、台風の話題になった。私は、新潟県で大きな地震があって間もない頃、台風が発生した時のことを話した。その台風が、地盤が緩んでいる新潟県を通るかもしれないという二ユースを見ながら、私は台風の進路が変わることを何となく祈っていた。大型の台風ということで、ニュースでは、深刻な被害が予想される、と繰り返し報道されていた。私は自分の住む京都や、両親の実家のある千葉県と福岡県にも通ってほしくないと思った。そして、漠然と韓国の方にそれてくれたら助かるな、と思っていた。そのことを話すと、韓国の友人が笑いながら、自分も台風が接近してくる時は、いつも真っ先に自分や自分の大切な人の住む土地には来てほしくないと思い、何となく日本に行ってくれたら、と思っていると言った。すると、黙って話を聞いていた台湾の友人が、自分も台風が発生した時、同じようなことを思い、沖縄の方へ行ってくれたらいいのに、と思っていると言った。滞在中、私たちは、暇を見つけて色んな所に出かけた。私が日本に帰国した3ケ月後、韓国の友人も帰国したと連絡があった。それから1年後の夏、大型で強い台風が、マリアナ諸島沖で、発生した。私はその時、福岡県に居た。」
これらの文章の中で興味深いのは韓国や台湾の友人の返した台詞だ。極当り前の話しである。だから彼らは、そのように返事をした。しかし、当の私は、そうではなく、台風の進路の中にも己をなぞってしまい逆らい難い無力を感じてしまい、すがる思いである。受け入れ難いが受け入れてしまっている偶然が頑としてある。仮にその偶然に意図を見ようとするが、詮方ない空虚があるのみである。※
文字を刺繍した、だらりと下がった布や用済みになった亡骸のような拾ったゴミや先程まで風景が覗けたと思われる会場に立てかけられた窓枠からは“ほこら”が見えてくる。つまり、神をまつった小さな社である。※　かといって、牛島光太郎の世界は現代アートである。目の前の世界をなぞり、そこには偶然だけが支配しているのではなく意味があり、どこかに繋がりがあり、かけがえのない「お守り」のように思えてくる。福岡、京都、千葉、新潟、沖縄、台湾、韓国の７つの土地の土の写真がある。どこを掘っても土は土であるとただ牛島光太郎は言っているだけではあるが、つまり、痛々しい傷の生乾きのかさぶたを故意に無理やりに剥がす弱々しい自分をそこに見ているに違いない。但し、言っておくが、以上の文章は、先般、三菱アルティアムの牛島光太郎の「意図的な偶然」という個展を見て思いついた作り話である。凡ては依然として今だ薮の中である。
※「舎利子よ。存在は空にほかならず、空が存在にほかなりません。存在がすなわち空であり、空がすなわち存在です。感じたり、知ったり、意欲したり、判断する精神の働きも、これもまた空なのです。舎利子よ。このように存在と精神のすべてが空なのですから、生じたり滅したりすることなく、きれいも汚いもなく、増えもしないし減りもしません」（般若心経より。現代語訳／ひろさちや・仏教思想家）
※ 無理に解釈をこの仏典に求めたいがための引用ではない。誰でもが、うなずくだろう。この通りだからである。気づくか、気づかないか、それだけだろう。
※ひろさちや（1936年、大阪生れ）は、日本の宗教評論家であり、多数の一般向けの解説書を執筆している。本名は増原 良彦（ますはら よしひこ）。東京大学で印度哲学、仏教学を学ぶ。
※祠（ほこら）とは神を祀る小規模な殿舎。語源は神道用語の「ほくら（神庫、宝倉）」の転訛という。小祠（しょうし）、小堂（しょうどう）とも。神仏混合によって道祖神に関連した仏も祀るようになった。

三菱地所アルティアム

石田智子
1982年に京都精華大学美術学部染織科を卒業後、ファイバーアーティストとして活躍。1991年、作家で僧侶の玄侑宗久氏（臨済宗妙心寺派福聚寺副住職）のお寺に嫁ぎ、限られた時間と空間を生かして紙縒（こより）による作品制作を始めた。 紡がれた大量の紙縒を重ね合わせ、かつてない幻想的な世界を独自に切りひらいたインスタレーションは国内外で高く評価されている。近年では、2007年、BIWAKOビエンナーレ／近江八幡カネ吉別邸（滋賀）、東京芸大創立１２０周年記念公演オペラ『白狐』岡倉天心作　舞台美術／旧東京音楽学校奏楽堂（東京）、2009年、２人展／Rue de Thorigny（フランス）、まちがミュージアム／富士吉田市内古民家（山梨）、博物館から覚醒するアーティスト達／福島県立博物館（福島）、2010年、妙心寺展　梵鐘設営のための装飾／九州国立博物館（福岡）、個展／ギャラリーSUGATA（京都）＜受賞歴＞1996　国際掌中新立体造形展　準大賞（日本）1998　第９回国際タピストリー・トリエンナーレ　大賞、美術館賞（ポーランド）　　　 リリアン・エリオット賞（米国）2000　第９回国際レース・ビエンナーレ　ファビオラ女王大賞（ベルギー）＜パブリックコレクション＞Museum of Art and Design (formely American Craft Museum)／New York（米国）Museum of Costume and Lace／Brussel（ベルギー）感覚ミュージアム／岩出山（宮城）西武百貨店／有楽町（東京）福島県立美術館／福島（福島）
会期：2010年5月23日〜2010年6月6日 　会場：三菱地所アルティアム・ イムズ 8F

無数の紙縒りが重なりあって生まれる、静謐な空間。石田がこれまでにない“紙縒りアート”を制作するようになったのは、嫁いだ先のお寺に届けられるお供物がきっかけでした。※
石田は、その中身よりも贈る人の思いを運ぶ役割をもった包装紙に着目し、まるで願いごとの短冊を笹に結ぶように日々紙縒りを作り、それを使ったインスタレーション（空間芸術）を制作するようになりました。
展覧会タイトルの「露地」とは、命が身にまとってしまったものを脱ぎ捨てていくところを示す言葉です。想像を絶する数の紙縒りが織りなす静謐な空間は、誰もが日々の生活を忘れ、自分自身と向き合える清浄な祈りの場でもあるようです。
アルティアムでは、会場全体に約11万本もの紙縒りを使ったインスタレーションを展開します。
2週間の会期が終わると作品は解体され、二度と同じ作品を見ることはできません。※

目が覚めて朝方かと思った。夕暮れに家族に起こされた。次のページを探すが見つからない乱丁本のように、その日は終わった。その途切れたような感覚のやすらぎを何度も味わいたいとも思った。
感じてはいるが、口に出せずにいることは間々ある。立ち上った濃霧の中で一瞬、白い道が彼方まで見える。空気のゆらぎで動き漂うその道は乗れという。
十一万本もの紙縒りから編出された幽玄な作品に様々なひとの叙情を見るのは確かに最適ではあるが、更に、この作品に、ひと特有の英知といったことがらを見るとすれば、累々と重なり置かれた触れただけで壊れそうなひとのか細く白い骨を拾う作家の姿を見るのもまた正しいと思う。
ひととは、もともとが芯がないのである。たった今しがたの曇りの表情が、今や晴れである。どうしたのですかと、たずねても分からないだろう。白い道がございますが、どちらまで行かれるのですかと、聞いても、いつものことですと、ひとは答えるだろう。

※紙縒（こより）は、紙を細く裂いた物を寄り合わせて紐とした物である。
特に丈夫な紙を原料にしたものは元結と称し、主に冊子の綴じ紐や髪を束ねるために使用される。また、紙縒りに糊を引き、染色あるいは箔加工したものが水引となる。紙縒の原料となる丈長紙は、越前・美濃・阿波・丹後・伊予・土佐・日向で製紙され、2005年現在では、長野県飯田市がその特産地である。
※三菱地所アルティアムテキスト。

三菱地所アルティアム

「CONTEMPORARY ART 2011・OISHI　階段57-登ってみる-（1～4F・企画）」エントランスから階段と、1階から4階までのギャラリー空間全てを活かした、19名の作家による展示。エントランスから階段は『意外性と発見』、1階はフロアーを活かした『空間認識の進化』、2階は映像とオブジェによるインスタレーションで『対話』を試みる。3階は平面的作品とオブジェの『共存』。4階は大がかりなインスタレーションで共鳴と反発の『観察』。タイトルは、会場の背骨である階段が57段で、「登って観る」と「上まで登ってみよう！」の主旨である。
作家：アキライノウエ、安西　之、神崎東洋彦、首藤マヤ、松尾雄一、吉原みずえ、大江高弘、門田ひろゆき、黒田和生、城下ユウジ、宮脇由美、村端隆明、黒岩俊哉、小西龍太郎、坂本次郎、松尾具明、御笹朋子、村上勝、木寺正喜

会期：2011年1月15日~1月23日
会場：ギャラリーおいし　福岡市中央区天神 2-9-212 　
TEL 092-721-6013　FAX 092-752-1066
営業時間 11：00～19：00

「ギャラリーおいし」は福岡市の中心部にあるアーケード商店街の一角にある画廊である。何故か、懐かしい匂いがする。たまたま寄ったに過ぎない。穏やかな表情の受付の女性のせいもあっただろう。中に入った。一階のフロアーの中央に円をなぞり重なり置かれた白く塗られた葉がある。その真ん中程に深い青のガラスのような色が覗ける。題して「深き淵より」。女性的な印象だ。ギャラリーは通りからガラス張りであり中が透けている。そのガラスの側に大きな卵の殻のようなものが四つ置かれている。皆割れている。中に仕掛けでもあるのかと覘くが、一つ灯りを点すものがあるような気はするが何ごとも無いようである。題して「生まれるもののかたち。あるもののなかにある」。趣のある照明器具といった風情を感じ無いでも無い。表通りから奥に向かってもう一つ、廃材のような薄くて細長い板に穴がたくさん開いていて、針金で結わえられ置かれている。題して「揺れる。」。
この展覧会のテーマタイトルは「CONTEMPORARY ART 2011・OISHI　階段57-登ってみる」。
CONTEMPORARY ARTとは、どういう意味なのか。現代アートでも言い当てていない。現代という漢字が煩く思える。現代美術だとしたら美術という単語が煩そうだし、カタカナ表記はうすっぺらに思える。やっかいである。否、むろん、たまたま、英文であり、日本語ではないから、新しいジャンルへの道標と思えば良いのだろう。※
「深き淵より」という作品。これは造形のままに、中程から美しい何かが現われるのだろうと思う。円形に敷かれた葉は何かを迎える形であり、葉の白さは私は無いということか。中央の藍色は知識だろう。知識の悩みに相違ないだろう。そう確信する。「生まれるもののかたち。あるもののなかにある」という作品である。ひとも鳥のように子が卵の中にいれば、親も子も自由なのにと思う。すこし、さびしいけれど。そう、考えてみる。「揺れる」という作品は堂々と真ん中に、ではないのである。いつも角の方に。しかし、あらゆるところに存在したい。美の追求をしたいが、わたしがダメである。本来ならば、面と向かってあなたが好きだと言いたい。大手をふるって。
残念だが、ゆっくりと全作品を見ることができなかった。などとは言うまい。見ておけば良かったのではないのか。時間はあったはずだ。上階まで登ったではないか。受付の女性に階段にも絵のあしらいがあることも聞いたではないか。「一枚一枚階段のサイズを測ってつくられたのですよ。」「それは大変な作業でしたね。」などと会話をしていたではないか。エントランスに下がっていた女性作家の作品も気になって仕方がなかったのではないのか。しつこく見ていたろう。そうだな。

※近代美術、現代美術はそれぞれ英語では、modern art、contemporary art。翻訳語であるが例外もあり、その意味は事例によって様々である。同様の語に近現代美術がある。一般に、時代区分の近代と現代には不変の境界が設けられることはなく、その時々の現代が時間の経過とともに近代に変化するという傾向が不可避であり、近代美術と現代美術の定義の曖昧さの大きな原因ともなっていると言える。芸術史的特徴を見ると、「近世美術」と「近代美術」の一部は教会や王侯貴族が美術の担い手だった時代の美術、「現代美術」は富裕層が美術の担い手になっている時代の美術という傾向も見出せる。（言わば、名前のつけようもない商品に頭の良い商人がつけた名札の極き、たくましき芸術なのだろう。）
※掲載作家名：御笹朋子、村上勝、アキライノウエ。
※福岡市の新天町商店街の始まりは、1945年の終戦直後のことである。当時の天神町（てんじんのちょう）周辺は、大空襲で焼け野原である。そんな中で博多商人たちが「町に活気と笑顔を取り戻そう」と立ち上がったのが現在の新天町商店街の原形である。（新天町商店街ホームページより）
※右下はギャラリーおいし。絵などの個展が掛けられていない場合は、こだわりの品のブティックとしても開かれている。
新天町商店街創立時に同場所に開店した「シューズショップカシマヤ」が前身。
昭和49年1月 同店2階に画廊を開館。
昭和56年に3階、昭和57年に4階を増設。
昭和62年3月に「カシマヤ」をクローズし、全館が「ギャラリーおいし」となる。

鴨居羊子/下着デザイナー、画家、エッセイスト
1925　大阪府豊中市に生まれる。本名は洋子。1949　父・悠、死去。新関西新聞入社。
1951　大阪読売新聞入社。1954　大阪読売新聞退社。下着制作を開始。
1955　チュニック制作室COCO設立。 「W.アンダーウェア展」（大阪そごう）開催。1958　下着ショウ「チュニカ・ミュージカルショウ」（梅田松竹シネマ）上演。 『のら犬のボケ』（創元社）、『下着ぶんか論』（凡凡社）出版。1966　細江英公撮影の『ミス・ペテン』を自費出版。1973　『わたしは驢馬に乗って下着をうりにゆきたい』（三一書房）出版。1985　弟である画家・玲が死去。1991　脳溢血のため死去。
本展では、鴨居羊子の初期の下着、彼女が描いた絵画、デッサンなど数十点のほか、彼女自身が撮影した写真、人形、文章、様々なことを手がけた鴨居羊子の創作の原点を前衛の時代から探る。また、『下着ぶんか論』の出版を見守るなど親交のあった岡本太郎が撮影した写真、細江英公、井上博道らが撮影した写真も展示する。2010年・川崎市岡本太郎美術館で開催した「前衛下着道展」をベースに関連イベントである劇団唐ゼミ☆のチュニカショーと会場を舞台に見立て演劇とショーを展開する。

会期：2011年5月14日〜2011年6月12日 　会場：三菱地所アルティアム・ イムズ 8F　
主催：三菱地所、三菱地所アルティアム、西日本新聞社　後援 ：福岡市、(財)福岡市文化芸術振興財団　企画：室井絵里

下着アヴァンギャルド・鴨居羊子の小径」の会場である三菱地所アルティアムの展示場は、映画のオープンセットのように昭和30年代の町並みを模している。天井から女性の下着が洗濯物ように吊り下げてあったりする。女の子は女の子らしくという言い方がまだ生きているとすれば、パンツに必ず印しのように付いているあの小さなリボンは何なのか。疑問符自体が成り立たないのだろうが、想像すれば、お人形と遊んだころのおままごとの大切な記憶にちがいないと思ってみるのだが、さっぱりとわからないのが本音である。
昭和29年、1954年、大阪で新聞記者から下着デザイナーに転身した鴨居羊子である。最初の下着の個展はデパートの通路で開催している。チュニカショーとして下着のショーも映画館などでやり、このショーは当時の前衛芸術家たちも参加した斬新なものであったという。白いメリヤスの下着しか無かった時代にカラフルなナイロンの下着を作り、髪を金髪に染め、様々な下着を作り、ココッティ、スキャンティなど名前をつけたのは彼女である。※
展示場真向かいの板張りの家のセットには白い布が掛けられ、鴨居羊子が監督をしたというモノクロの映画が流れている。時代を感じ、ところどころで小津の映画を思い出す。下着が明け透けに出てくる。ヌードとまではいかないが、下着を着替える女性の姿も映る。当時を思えば、この表現でも危なげに見えたはずである。交流のあった岡本太郎が撮影したという下着ファッションショウの楽屋裏での写真が見られる。おおらかな視線である。
セットの町並みからはなつかしいというよりは、ある時代の匂いを思い起こさせる。下着デザイナー・鴨居羊子は1955年にチュニック制作室COCOを設立。「W.アンダーウェア展」（大阪そごう）を開催している。COCOのネーミングは“はすっぱ”という意味の仏語だそうである。軽はずみで品は良くないが、はすっぱな娘の潔さに自分を託したのだろう。また、そのネーミングに情熱と波瀾万丈のひとであるファッションデザイナー・COCO CHANELを連想したとしても悪くはないだろう。昭和30年、1955年と言えば、まだ敗戦間もないころであり、どのような空気であったかどうかは、幼く淡い記憶のものでしかない。聞くとすれば、そのころの血気盛んであった青年に案内してもらうより方法はない。※
「旧日本軍隊というもの、それから軍国主義そのもののイデオロギーがそうだったわけですけれども、行進の足並がそろわなければひっぱたくし、鉄砲のかつぎ方が悪ければひっぱたくし、とにかくもうなにかあれば、みんなひっぱたくという規律で、鉄砲のかつぎ方で手が少しまがっていたらもうひっぱたくという、そういう規律で保たれる軍隊が、いかに弱いかということは、敗戦で、腹の底までしみわたるように、徹底的につきつけられたようにおもいます。（中略）ほんとうの強さは、そういうものじゃないんです。ガムをクチャクチャ噛みながら、鉄砲なんか逆さまにかついで、フラリフラリ行進してくるような軍隊のほうが強いということは、よくよくかんがえてみなければいけないとおもいます。軍人なんかは、日本は物量で敗れて太平洋戦争に負けたんだという弁解をしますけど、その弁解は全く嘘で、思想で負け、精神で負けたということなんです。つまりどうかんがえたって、ガムをクチャクチャ噛みながら、鉄砲を逆さまにかついで、フラフラして行進している奴のほうが絶封に強いんですよ。足並がパッパッパッパッと揃って、ちょっと足並が狂うと、足をひっぱたいて矯正するような軍隊は、いかに弱いかということを戦争に負けて、あきらかに眼の前につきつけられたのです。」※
地団駄を踏み我慢しきれずに歯を食いしばる持って行き場のないくやしさを感じるのである。思想家、詩人、評論家である吉本隆明の講演からである。小説家・吉本ばななの父上と言った方が分かり易いのだろうか。考え方についての引用ではない。どんな叙情溢れる風景描写よりも、その空気が伝わってくる。※
鴨居羊子と吉本隆明を並べて何かを論ずるというわけではない。そのような芸当ができるものでもない。ふっと感のようなものが浮かんだだけである。全く縁はないだろうが、ひとつ違いの身近な年齢であり同じ時代の空気を吸っていたわけである。男の方は一流企業に職がありつけたものの労働運動に身を捧げ退職して思想家となった。片や女の方は新聞記者を辞め美術家志望であったが、絵を描くのではなく本人が語るように女性の下着をキャンバスに表現を試みたのである。女性に対する抑圧や痛々しい誤りがこれまでの時代であっただろう。女性の下着であるズロース(drawers)を身につけるようになったのは敗戦後のことという。昭和７年、1932年の東京・日本橋の白木屋デパートで大火災があり店員であった女性の多数が亡くなった。助けのロープが渡されたものの下着を付けていない和服姿の彼女らは裾を気にして地上へと落下したのである。
誰でもが、当り前と思っていることに疑問をもってみることである。先駆者は茨の道が待っているが、つぶさに視線は送られ誰かが必ず手を差し伸べる。
「私が望む人間性、またはヒューマニズムの根本的な意識は、日本的風習----男と女のちがいをごまかし、なしくずしに生活しようとする日本的風習-----と対立します。私は性の違い、特色を公然のこととして許容することから、はじめて男女の人格の許容が全面的に果たされると思っております。女性の下着の場合、それが魅惑的な女の肉体をつつむということ、そして女の肉体の性的魅力への奉仕を率直に認めることにひきょうであってはなりません。女の下着という決定的な実体から逃避し、無視してはなりません。」鴨居羊子の1959年の新作ショウに向けてのプログラムからの文章である。本質を突くということは、難しいものである。※
絵を描く前に、現実は幽霊の集まりでできているわけではないのだから、先陣を切って髪を金髪にし際どいと言われたりもした下着をデザインした。
岡本太郎、司馬遼太郎、今東光、早川良雄、具体美術協会のメンバーらと交流し絵を描き、映画を撮り、ショウを企画する日々が流れたのである。※
会場にあったパネルの中の文章だったと記憶するが、コンテンポラリーアートが苦手だったようである。それらアートに携わる友人たちを嫌っていたわけではない。何故、他人事のようなアートをつくるの。あなたをそのままに全部見せたらいいのに。マリア・テレジア・ジャンヌ・ダーク=鴨居羊子は熱く語ったにちがいない。
チュニック制作室COCOを設立したころは鴨居羊子は30歳であった。親交のあった岡本太郎が大阪万博で“太陽の塔”を作るのは、その15年後である。このころの時代を象徴するように現東京都知事である石原慎太郎は1956年に「太陽の季節」で芥川賞作家となる。23歳、身長181センチの才気溢れる新しい日本男児の誕生である。弟の“裕ちゃん”こと石原裕次郎は兄の小説で一躍映画スターとして有名になる。“太陽族”という流行語も生まれ、どぎつい色彩の似合う欲望剥き出しかのように時代は流れて行ったのではないだろうか。日本は戦後復興を旗印に猛烈に働いたのである。その後の近年は静かなものに変わり、この勢いは衰退の一路を取り始めバブル崩壊、失われた20年という情けない流行語ももらった。物議をかもした鴨居羊子、物議をかもした“太陽の塔”。物議をかもした“太陽族”。風俗も含めてアヴァンギャルドは、荒々しい戦場の最前線に立って攻撃をしかけたのである。ガムをクチャクチャ噛みながら、鉄砲を逆さまにかついで、フラフラして行進している奴のことが身に沁みていたはずである。

※チュニック (英語：tunic, フランス語：tunique) とは、古代ギリシャ・ローマ時代からヨーロッパで使用されている衣服の呼称。現在の日本では主に、女性用のカジュアルな上衣と位置づけられている、ゆるやかな短めのワンピースのバリエーションで、丈が腰の位置から膝丈程度のものをさす。
※岡本 太郎（おかもと たろう、1911年（明治44年）2月26日 - 1996年（平成8年）1月7日）は、日本の芸術家。第二次世界大戦前の10年間をフランスで過ごし、抽象美術運動やシュルレアリスム運動と直接関わった。漫画家の岡本一平、歌人で作家・かの子との間に長男として生まれる。父一平は太郎誕生後、夏目漱石の勧めで朝日新聞社に入社し、漫画漫文という独自のスタイルを築く。
※ココ・シャネル（Coco Chanel、本名はGabrielle Bonheur Chanel：ガブリエル・ボヌール・シャネル、1883年8月19日 - 1971年1月10日）は、フランスの女性ファッションデザイナー。「ココ」は愛称で、情熱を実行すべく、お針子仕事の傍ら、歌手を志してキャバレーで歌っていた「Ko Ko Ri Ko（コケコッコウ）」と、「Qui qu'a vu Coco dans le Trocadero（トロカデロでココを見たのはだれ）」という歌の題名にちなんでつけられたもの。
※吉本 隆明（よしもと たかあき、1924年（大正13年）11月25日 - ）は、思想家、詩人、評論家。日本の言論界を長年リードし、「戦後最大の思想家」と呼ばれている。漫画家のハルノ宵子は長女。 作家のよしもとばななは次女。引用した講演記録は「智の岸辺へ」1976年、弓立社刊より。
※ヒューマニズム：一般的には、人間の本質的価値の伸長を目的とする精神傾向のすべてを言う。（「立体フランス文学」篠沢秀夫 著、1970年、朝日出版者刊）
※太陽の塔は、大阪万博のテーマ館のシンボルとして建造され、万博終了後も引き続き万博記念公園に残された。岡本太郎の代表作の1つである。当時の知識人たちから「日本の恥辱」などと痛烈な批判を浴びた。しかし太郎は、「文明の進歩に反比例し、人の心がどんどん貧しくなっていく現代に対するアンチテーゼとしてこの塔を作ったのだ」と反論した。主催者が塔の内部に歴史上の偉人の写真を並べるつもりだったのに対し、太郎は「世界を支えているのは無名の人たちである」として、無名の人々の写真や民具を並べるよう提言した。
※具体美術協会（ぐたいびじゅつきょうかい、具体美術、具体、GUTAIとも）は戦前から活躍していた前衛画家・吉原治良を中心に1954年に兵庫県芦屋市で結成した団体。1970年ころの”九州派”もその流れであったのかも知れない。ハプニングという言葉がなつかしい響きである。
※1959年の新作ショウプログラム後半文章から。
※画像は右上/鴨居羊子作の人形（多羅尾牧洋撮影）。右下/岡本太郎撮影のショウでの楽屋裏。

三菱地所アルティアム

Exposition du portraitiste Olivier Roller qui révèle au travers de ses œuvres la véritable identité des hommes qui détiennent le pouvoir.
-Vernissage : samedi 22 janvier à 18h.
-Date : Du samedi 22 janvier au samedi 19 février.
-Lieu : Galerie de l’Institut franco-japonais du Kyushu (5ème étage)
-Entrée gratuite
-Pour tous renseignements : Institut franco-japonais du Kyushu (Tel : 092-712-0904)

Olivier Roller est considéré comme le portraitiste attitré des hommes de pouvoir et d’influence. Dans la plupart de ses œuvres, il s’interroge sur le véritable visage des hommes de pouvoir dans notre époque contemporaine, et ses clichés sont réalisés de sorte à ce que le pouvoir disparaisse pour laisser place à la véritable identité de ses sujets.
Olivier Roller au travers de ses photographies choisit des hommes des médias, de la finance ou de la bureaucratie, et il fait disparaître tous stéréotypes pour capturer fidèlement les visages. Aucun signe distinctif ni marqueur social, arrière plan réduit à son minimum, seul le visage en gros plan nous apparait.
Cela est bien entendu volontaire et s’inscrit dans la démarche de l’artiste. Les photographies exposées sont magnifiques. Le photographe a pu laisser place à son imagination. Avec les techniques modernes, les tirages sont lisses et légers comme l’air et cette association avec les photographies très caractéristiques de l’artiste nous saute immédiatement aux yeux.
La couleur de la peau et des chairs est saturée. La caractéristique de ces occidentaux capturés de profil tient à leur expression très nuancée, comparable à des sculptures. L’objectif du photographe a capturé ces figures du pouvoir qui ressemblent à s’y méprendre à des statues antiques que l’on vénérait dans les temples. Le charme de ces nuances et de ces ombres est sans conteste ce qui constitue l’attrait pour les occidentaux. Cheveux soyeux légèrement ondulés, iris d’un vert profond qui tend vers le gris, nez aiguisé et anguleux, cheveux épais sont des exemples qui constituent cette majesté dans leurs apparences.
Etudiant en sciences politiques, Olivier Roller s’amourache du Nikon de sa petite amie. Il abandonne alors l’idée de devenir professeur. Il a trouvé son langage, la photographie. En 2007, il commence sa grande fresque Figures du pouvoir, portraits des réseaux du pouvoir et de l’influence en France en ce début de 21e siècle. Ses portraits sont publiés dans de nombreux magazines tels que Le Monde, Libération, Marianne, Nikkei magazine, Der Zeit et Times magazine.
Je pense qu’Olivier Roller est un portraitiste qui possède une qualité unique. Sa technique, si elle était utilisée dans les magazines, pourrait sûrement convenir également à cet exercice de style avec un peu de préparation.
On dit qu’Olivier Roller s’écarte des stéréotypes, mais ne serait-ce pas justement le contraire ? Le fait de capturer des gens de pouvoir est déjà intéressant en soi, mais ce jeu de nuances sur ces visages occidentaux donnant l’impression qu’ils sont sculptés est vraiment appréciable.
Pour illustrer ce que j’entends par stéréotype, il faut repenser à la grande époque hollywoodienne avec les péplums de la Rome antique. Je me rappelle du film« Ben Hur » réalisé en 1959 par William Wyler. Le physique de Charlon Heston, dont les formes ciselées étaient comparables à ceux d’une sculpture, constitue sans aucun doute l’un des grands attraits du film et représente bien ce charme occidental. Ben-Hur et son ami d’enfance Messala ont une apparence qui conviendrait parfaitement au style d’Olivier Roller. Ce serait sans doute passionnant si l’artiste s’intéressait également à l’empereur Néron.
Cela ne se limite heureusement pas uniquement aux portraits d’hommes. On trouve également une photo de l’actrice française Jeanne Moreau qui pose avec le photographe.
Pour le coup, il ne s’agit pas d’une photo stéréotypée, mais cette pose où l’actrice tient sa cigarette nous reste en mémoire.
Olivier Roller a bien conscience du fait qu’il n’est pas le seul ayant ce désir de faire exister, mais il n’en demeure pas moins que son travail est réellement intéressant.

http://www.olivierroller.com
九州日仏学館

現代の権力者達の顔に疑問を投げかけ、彼らの真のアイデンティティを映し出すように構成する作品が印象的な、肖像写真家・オリヴィエ・ロレールの写真展。
オープニング・パーティー：1月22日（土）18:00
会期：2011年1月22日（土）～2月19日（土）
会場：九州日仏学館５Fギャラリー
入場無料
お問い合わせ：九州日仏学館（Tel: 092-712-0904）

オリヴィエ・ロレールは、特権階級の人たちを撮る肖像写真家と言われているそうである。主な作品群は、現代の権威の顔に疑問を投げかけて、つまり、彼らからその権力のイメージを取り除き、その素顔を映し出す肖像画である。彼は、時代を切りとる題材として広告業者、財界人、官僚達を選び、ステレオタイプのイメージから逸脱した彼らの素顔に迫るのである。
会場に飾れたプリントは美しい。写真家が駆使するのは彼の脳髄のみである。技術の発達によって、限りになく空気のように軽い滑らかな美しい紙に美しい肖像写真が独特の翳りを伴って目の前にある。統一の彩度にまとめられた皮膚の色、西洋人独特の、彫刻のようなというにふさわしい表現の陰影でもってプロフィールは捉えられているのである。予想通りに古代神殿に奉られていた彫像も現代の特権階級と呼ばれる人物と同一に、レンズに収められシャッターは押されている。陰影と翳りの妙味は彼ら白人人種の魅力である。柔らかそうな毛髪は軽く巻かれ、瞳は深いグリーンであったり淡い影と間違いでもしそうなグレイであったりする。鼻はするどく鋭角であり、濃い髭などは骨格に沿って具合よく彼らの威厳ある風貌を整えているのである。
政治学の学生だったオリヴィエ・ロレールは、恋人が持っていたニコンの虜になった。教師になる考えを捨て写真という自分自身の言語を見出す。そして、2007年より、彼の代表的作品となる21世紀の初頭にフランスに影響を与えた権力者達の肖像写真「フェイス(s)+ 権力者達」を撮り始めた。
彼の作品は、現在、ル・モンド、リベラシオン、マリアンヌ、日経マガジン、デル・ザイト、タイムズ・マガジンといった世界中の多くの紙面に掲載されているのだが、オリヴィエ・ロレールは、一種独特の上質の意味で言うスタイリッシュな肖像写真を編出したのだと思う。もし、モード雑誌のようなロゴタイプを被せたとしても、あらかじめ用意されたかのようにピタリと当て嵌まるだろう。
オリヴィエ・ロレールは「ステレオタイプのイメージから逸脱した彼らの素顔に迫る」と言われてはいるが、いやむしろ、その逆だろう。拭い難い彼ら人物のブランド力こそが魅力であり、彫り深い顔立ちをした西洋人の陰影と風格を讃えているのである。
最後に、ステレオタイプというイメージで言えば、1959年に公開されたハリウッド製古代ローマ劇であるウィリアム・ワイラー監督の『ベン・ハー』を思い浮かべる。主役を演じたチャールトン・ヘストンの正しく彫刻のような肉体美と彫りの深い風貌は西洋人の魅力であった。壮大なオーケストラを従えたキリスト劇は西方が舞台である。ジュダ=ベン・ハーと旧友メッサーラにピタリと当て嵌まる風貌がオリヴィエ・ロレールの肖像写真の中にもあると思うのである。つい、皇帝ネロに似合う風貌はないかと探してしまう。※
男ばかりでは困る。オリヴィエ・ロレール彼自身とフランス女優のジャンヌ・モローの写真がある。やはりここに落ち着くのかなと思う。飛び跳ねた感じが似合う女優ではない。風貌ではなく心の陰影や翳りが似合う女優である。ここにはステレオタイプのイメージはない。煙草をくわえたポーズが印象的に残る。ひとの存在感といったものに憧れを持つのは、オリヴィエ・ロレールだけではないということを彼自身がよく知っているだけに魅力のある肖像写真が生まれるのであろう。※

※追記である。ここにあるのは、名付ければフランスの強烈な自我の肖像画である。何人たりともわたしの存在を蔑ろにはできない。わたしは、他の誰でもないわたしである。わたしは疑いようもなく存在をし思うから、思うわたしであるが故に、わたしは容赦なく存在する。とでも言えば良いのだろうか。

※『ベン・ハー』（Ben-Hur）とは1959年制作のアメリカ映画である。ルー・ウォーレスによる小説『ベン・ハー』の3度目の映画化作品である。ウィリアム・ワイラーがメガホンを取った。主人公ベン・ハーを演じたチャールトン・ヘストン、メッサーラを演じたスティーヴン・ボイドたちの名声を一気に高めた作品ともなった。なお撮影の多くはイタリアのローマにある大規模映画スタジオである「チネチッタ」で行われた。※皇帝ネロ（37年12月15日 - 68年6月9日）またはネロ・クラウディウス・カエサル・ドルスス・ゲルマニクスはローマ帝国の第5代皇帝。ローマを暴政の下に混乱させ、キリスト教徒を迫害したため暴君の典型とされる。
※ジャンヌ・モロー（Jeanne Moreau、1928年1月23日 - ）は、フランスの女優・歌手。パリにて、フランス人の父親とイギリス人（イングランド・ランカシャー州出身）の母親の間に生まれる。パリのフランス国立高等演劇学校 (コンセルヴァトワール)で演技を学び、1948年にデビュー。ルイ・マルやフランソワ・トリュフォーなど、ヌーヴェルヴァーグ時代の監督達の作品が印象的。

九州日仏学館

野村佐紀子　1967年　山口県下関市生まれ。1990年　九州産業大学芸術学部写真学科卒業。1991年　写真家荒木経惟師事。1993年　個展、グループ展を多数開催し、国際的に活動している。
会期：2009年9月28日~10月31日
会場：アートスペース 貘
お問い合わせ：福岡市中央区天神1-13-17 NIKKEN ビル　092-714-1721

どこかで見た写真だなと思って覗いた。会場のアートスペース 貘は、本店が大学のそばにあったのでよく覚えている。ギャラリーのオーナーであると思われる女性の方が、会場のある入口でもたもたしているところで出迎えて下さった。土曜日ということで、ビルのセキュリティのせいで戸惑ったのだ。お辞儀を何度もなさった。ありがたく思い恐縮した。
最初の印象というのは大変大事である。それが間違っていても一生付き合うことになる。野村佐紀子の写真は福岡市中央区にある商業ビルのイベントスペースで見たことがある。普通に、今、目の前で裸の男と女がベッドの上でからみあっている中に自分も今しがたまで加わっていたかのような錯覚になる生臭い匂いのする写真だと思って見た記憶がある。たまたま雑誌を整理していたら、その時のチラシが出てきた。解説が載っている。
女流写真家。主に男性ヌードをモチーフに、何気ない日常の中の微かな「けはい」と「きおく」を私的なメモとして撮リ続ける。「裸」にこだわる彼女は、「裸体」をたんなるイメージとして撮るのではなく、「裸」であることで主まれてくる、被写体との確かな時間と濃密な関係性を記録する。そこには被写体の体温と呼吸が焼きつけられ、「性」がSEXを超えた生の存在感として引き出されている。レンズの前という「非日常」と本来の「日常」のあいだで揺れ動く裸の男女，かすかな勇気と不安のさなかで彼らが見せる揺らぎやじれを、野村佐紀子は可能なかぎりの余白をもっで受けとめようと試みる。.......　※

視覚表現をテキストに置換えるのは難しい。分からなくもないが、益々分からなくなる。ならばと方法を考えてみたところで所詮無駄なような気がするのである。一目瞭然これに過ぎるものはないようだ。
何かを探るには、資料は多ければ多いほど良い。このチラシにはカラーで一点の写真が組み込まれている。寝室と思われる設定で枕元のスタンドの光りのみで撮影されたのであろう。ほとんどシャドウでつぶれた裸電球の赤茶けたような画像である。ベッドの上に横たわる裸の人間があるようにも見えるし無いようにも見える。日常の生活は撮影現場のようにアングルが決められ絵コンテのようなものがありスタッフが気遣い、わたしたちは動いていたり、そこに在るわけではない。机の右端に雑誌が山積みされ足下には脱ぎっぱなしの靴下があり、はて、俺の眼鏡はどこだったかなとでもいうような程度のこんなものが日常であり視点というものがないのである。とりとめもなく、そして永遠にとりとめもない風景があり決して自分のものにはならないのが、今、目の前に在る日常である。野村佐紀子は本能的とでも言えるように嘘くさい映像が嫌なのだと思う。作家のモチーフは重く澱んだ視点などとは無縁の日常の中の仄暗い世界であるようである。暗闇は屋外であれ室内であれ夜であれ昼間であれ必ず在り、暗いところから明るいところへの階調の中でものの形は捉えられ認識されている。試しにデジカメで机の廻りなぞ撮影してみたら良い。極めるということは簡単なことではない。

There is something to trace a man's body at dimly-lit room.
Scenes and flowers there fading away in a light are giving us a glimpse of the world.
The light shines momentary in eternal darkness .
Shuttered inside is appearing with clear outline and the rest of darkness propagates infinitely.
Susan Sontag mentioned, arts are longing how photography is.
I feel the possibility of photography as the code between passing time and the world in selves.

仄暗い部屋に　人のかたちがある
一点のあかりに救われるかのように
遠くの風景や　そこに在る花は
この世界を覗かせようという仕業の者たちか
無限の暗闇の中に一瞬の光がさす
とざされていた内部が強い輪郭として出現する
残された闇は　また無数に増殖されていく
「すべての芸術は写真に憧れる」（スーザンソンダク）という
過ぎゆく時間を自己の世界に置き換えて表現できる可能性は大きい　※

野村佐紀子は男性ヌードの写真家というのがもっぱらの通念だそうだが、どうでも良いことだと作家は胸の内で言っているかもしれない。裸と言えば女、そしてグラビア。男の欲望の数だけ女の裸の写真はあるのだが、そのような世界ではない。野村佐紀子は単に裸の写真を撮っているわけではない。横たわった裸とともに在る、あの仄暗い影の中に在る"いやらしさ"や生の性が蠢いている様を頭の中にある知性とでもいうべき絵コンテにクロッキーをしシャッターを押すのである。今回のアートスペース 貘での「黄金虫」の写真は光りの入る隙間もない程に暗い。ネガを見ているような感じさえある。こう言って良ければ挑戦かも知れない。この暗闇に何を読み取るかというより、作家の"写真技術"が見せてくれる暗闇の世界の方に興味が湧く。人間は分からないことがあると知ろうとする。そして、終いには飽きるが、これは誰にでもついて廻ることである。その儚さとか物憂いさも知りつくした写真が見たいと見る側は勝手なことを言う。今、黄金虫が飛んで来たような気がした。あの、ぬるぬるとした光りは例えようがない。

※VIOROヴィオロストリートミュジアム、野村佐紀子展　2008年1月17日〜2月17日　提供：ウェディングアイランドマリゾン　企画：CAPSS Akiko Nagasawa Publishing による。
※「アートスペース貘」主宰・小田律子 記。
※スーザン・ソンダク : スーザン・ソンタグ（Susan Sontag, 1933年1月16日 - 2004年12月28日）は、アメリカの著名な作家、エッセイスト、小説家、知識人、映画製作者、運動家。人権問題についての活発な著述と発言でその生涯を通じてオピニオンリーダーとして注目を浴びた。批評家としてベトナム戦争やイラク戦争に反対し、アメリカを代表するリベラル派の知識人として活躍した。2003年にドイツ出版協会の平和賞を受賞している。ソンタグの根本的なスタイルは固定観念を持つことを避けることにあった。ジェーン・フォンダのようにハノイには行ったものの、彼女と違い反戦運動をするわけではなく、「戦場を目の当たりにして感じた嫌悪感について書く」ことに専念した。一方で、晩年コソボ空爆への武力行使を支持した。2004年12月28日、骨髄異形成症候群の合併症から急性骨髄性白血病を併発し、ニューヨークで死去。71歳。彼女は30年間、進行性乳癌と子宮癌を患っていた。遺体はパリ・モンパルナスの共同墓地に埋葬された。

アートスペース貘

デザインチーム・groovisions（グルーヴィジョンズ）の福岡初個展。これまでに手掛けてきた作品のアーカイブを一堂に公開する。三菱地所アルティアムでは、1993年の結成以来、国内外のクリエイティブ、カルチャーシーンにおいて常に話題を集め続けてきたgroovisions（グルーヴィジョンズ）の展覧会を開催する。本展では、彼らの多岐に渡るデザインワークを一堂に配したインスタレーションを紹介。コーポレート、プロダクトデザイン、モーション・グラフィックス作品、数多く手掛けてきたミュージシャンPVとアルバムジャケットなど、これまでの作品を網羅した内容となっている。また、本展に合わせ制作された福岡新作も展示する。ポップで洗練されたデザインによって、多くのファンを獲得してきたgroovisionsの近年の集大成とも言える本展である。
groovisions / 東京のデザインチーム。グラフィックやムービー制作を中心に、音楽、出版、プロダクト、インテリア、ファッション、ウェブなど多様な領域で活動する。1993年京都で活動開始。PIZZICATO FIVEのステージヴィジュアルなどにより注目を集める。
1997年東京に拠点を移動。以降、主な活動として、リップスライム、FPM(Fantastic Plastic Machine)などの、CDパッケージやPVのアートディレクション、100％ChocolateCafe.をはじめとする様々なブランドのVI、CI、『Metro min』誌などのアートディレクションやエディトリアルデザイン、メゾンエルメスのウィンドウディスプレイのディレクション、『ノースフェイス展』など展覧会でのアートディレクション、EXPO 2005 AICHI JAPAN 愛・地球博や農林水産省の映像資料でのモーショングラフィック制作などがあげられる。
会期：2011年3月16日〜2011年5月8日 　会場：三菱地所アルティアム・ イムズ 8F

「わたしは、つぎつぎ、やってくる。」無意識に出た文節かも知れないが、デザインチーム・groovisions（グルーヴィジョンズ）の全体をうまく表現している。福岡市天神イムズビルの巨大Chappieプロジェクト『Arrival & Departure 2011』のポスターにある広告文の一行である。※　そして更に、コピーのコピーのコピーのコピーのコピーのコピーから生まれたであろうデジタルな感性によって、幾つ作っても遜色無く大きく目を見開いた女の子のような男の子のようでもある女の子が紙面いっぱいに並んでいるgroovisions FUKの個展用ポスターがある。ポップカルチャーはコンピューターによって更に精度を増したのである。※
大きな目のキャラクターと言えば、あまりにも有名な鉄腕アトムもまた大きな目をしている。しかし、彼は瞬きもすれば目を閉じて眠りもする。時には涙も浮かべるのである。かけがえの無いAIという命をもって生まれた心優しい少年である。だから、コピーはできない。もしコピーが現われたら戦いを挑むだろうか。さあ、僕のにせもの君。かかってこい。だけど、やっぱり、君を殴れないよ。と、しょんぼりと彼は言う。もうよそうよ。君も悪いことをしちゃだめだよ。にせもの君も、きっと、ごめん、と言うだろう。何たって彼は地球を救うというミッションを背負っているからである。※
groovisionsのChappie（チャッピー）は、もっと身近だ。男の子を救うというミッションを背負っている。そして、サクサクッと作られたありふれた日常の極々どこにでもいるような女の子である。つまり、普通の現実を僕等といっしょに過ごしている。だから、親切にもブラとショーツ姿のChappieも用意されている。昨今の男の子はアニメのキャラに恋いするというが、度を超さねば人生は短いようで長いから楽しめば良かろうとも思うのである。軽いと感想を述べているのではない。切ないものを感じるのだ。現われて消え、現われては消える、陽炎のような日常の中のChappieという女の子のような男の子のようでもある女の子に愛情を感じるのだ。みんな生きていてなんぼの世界である。Chappieの太ももからお尻、そして、腰のくびれに手を這わせてみよう。もしかすると、柔らかい肉を感じるかも知れない。白い肌に薄らと透ける青い静脈は生きていればこその喜びである。
Cool Japanという風聞のような言い表しがあるが、正しくgroovisionsは、そのような世界の一部を代表しているようだ。※　何でも作る。器用である。三菱地所アルティアムの会場に入ると作品の位置と名前が分かるようにと配置図が配られる。つまり、作られた物が多いという証拠である。グラフィックやムービー制作を中心に、音楽、出版、プロダクト、インテリア、ファッション、ウェブなど多様な領域で活動するとアルティアムの紹介にあるのだが、多種に渡る。仕事で作られたのである。仕事として繁盛している。ピカピカに磨かれた感性が見事に花を咲かせている。言わば現代の物のテンプレートのように、である。それはTokyoからの発信であり、その神話は未だ揺るがない。※
様々な物は欠片の魂の温もりを感じさせないように作られている。何故なら、ピュアとは無垢では無く何も無いことだからである。何かを感じさせれば、物では無くなるからだ。そのうまさがgroovisionsの世界である。サクサクッとコンピューターが介在して誰にでも作れそうだが、そうはいかない。才能はやはり要る。風聞に寄れば、彼らチームはDJがスタートであるということらしい。流行りの音楽のようにリズムをもって彼らは哲学を持ち生きて来たのである。”たった今”が彼らのコンセプトである。明日ではなく、たった今である。だから、「わたしは、つぎつぎ、やってくる。」のである。※
「Chappie 」（C）GROOVISIONS

※天神イムズイベント『Arrival & Departure 2011』/ 出発」や「再出発」の象徴として、「エアポート」をイメージした空間に身長15ｍの巨大Chappieがそびえ立つ。今回のプロジェクトのためだけにgroovisionsが手がけたオリジナルデザインである。※ポップカルチャー / 大衆文化（たいしゅうぶんか）、ポップカルチャー（英語: pop culture）とは、ハイカルチャー（文学、美術など）に対して、一般大衆が広く愛好する文化のことである。一方、マニアックな分野を指す言葉としてサブカルチャーという言葉がある。こちらは大衆文化とハイカルチャー双方に跨ってマイナーな領域を示している。 ただしこれらの概念も時代的な変遷があり、厳密な定義は困難である
※鉄腕アトム / 『鉄腕アトム』（てつわんアトム、日本での英題はMighty Atom）は、手塚治虫のSF漫画作品及び同作を原作としたテレビアニメ、特撮テレビ番組の作品名、並びに作品内の主人公である架空のロボットの名称である。※AI / 人工知能。同名の映画もある。※Cool Japan /クールジャパン(Cool Japan)とは日本の文化面でのソフト領域が国際的に評価されている現象、またはそれらのコンテンツそのものを指す用語。※感性 / 感性（かんせい、英: Sensibility）は、人間の持つ知覚的な能力のひとつである。感性とは、美や善などの評価判断に関する印象の内包的な意味を知覚する能力と言える。これは非言語的、無意識的、直感的なものであり、感性についての研究は古くは美学や芸術学などで行われてきたものである。

三菱地所アルティアム
www.groovisions.com

中居真理　NAKAI MARI1981年生まれ　京都精華大学デザイン学部卒業　京都市在住
[個展]
2005年　まばたき　（WHITECUBE OSAKA / 大阪）
[グループ展]
2007年　谷口陽子・中居真理 写真2人展（同時代ギャラリー / 京都）2008年　Art Court Frontier #6（ARTCOURT Gallery / 大阪）2009年　now here,nowhere（京都芸術センター / 京都）
※近況については、作家のホームページを参照されたい。

眩しい日差しがある。雲は分厚く真夏を思わせる。視界には樹々が暗く影となり、ある空間を形づくるのにふさわしい要素となっている。空には絵が描ける。ひとの立つところには必ず、ある目印がある。夕暮れには空は朱に染まり、二羽の鳥が窓辺に舞い降りる。わたしのそばまでは、もうすぐである。影は覆うことでしか役に立たないが、空の青さは在るということでしか、その存在を確かめることはできない。影を刳り貫くと今朝の下界の様子が分かるというのか。夕暮れという谷底に帰る日が来るに違いないからだ。
このように中居真理のphotographシリーズには、言葉にならないある世界を見る者に語らせようとする趣がある。ある一瞬の情報をシャッターと共に意図されたイメージへとつくり上げるのであり、このことがアーティストと言われる所以であり、絶えずメタファーを効かせ駆使し対象を捉えるのである。※
水面にオーガニックな装飾が見える、樹々に纏わりつくやわらかな綿のような白い光、影が襲う緑の地面、明らかに繊細な赤と淡い灰色に挟まれた弦月、モネの睡蓮のかけら、淡い小さな青と白と灰色のクールな配色見本。わたしの目に刻まれた、誰もがうかがい知れない映像である。
photographと呼ばれるこの無題の作品群は、中居真理のサイトのトップに掲げられた淡い空の写真が、その特徴を代表している。ある旅行の終わりに、その地を離れるのが寂しく思い飛行場で頭の上にカメラを置きシャッターを押した。儚げな写真は儚げに切り取られている。芸術表現には日常の個人的な情感も含まれているのはもちろん、たった今の潜在する趣向や意識や貘とした世界観、そして、表現者の知性も含めながら露出してくる。ひとの生き死に於いて翻弄される部分は部分として表現の一部として現れる。表現への欲求と現実のひとの生き死には噛み合ない様も多々ある。折り合いを求めることもあるだろう。土に種が落ち芽吹き花を咲かせる。
中居は2007年頃からpatternと呼ばれる作品をつくり始める。
pattern、つまり紋様である。それぞれに連鎖の要素もった地紋を敷き詰めた紋様は無限の背景を感じさせる。伝統の中の多くの紋様は既知の具象性から生み出された物が大半であり、その背景にある深い意味合いに重点が置かれている場合もある。全体の調和が重要である。
代表される作品にstripeとgingham checkがある。
一見ランダムに見えるが綿密に計算されていることが次第に分かるだろう。タイトルはstripeである。一辺が100×100mmの横断歩道の写真を969枚並べて制作されている。横断歩道の撮影は時間帯や天候を変え、横断歩道の質感や色の変化をテクスチャーの一部としている。ところどころ色が違うのは、そのためである。このような画像の要素はシーケンス（Sequence）と呼ばれ、時間の経過を表現するデザイン上の方法論に見ることができるが、中居は別なイメージへと展開をする。この作品は、これらのテクスチャーが集合するところに意味があり左右に広がるに連れstripeは太くなるように計算され配置されている。エネルギーを感じる動きが生まれる。テクスチャーの質感や色の変化もその動きを補足する。その大きさは高さが５メートル、巾２メートルにもなりマチエールが盛り上がる巨大な絵画にも思えてくる。
gingham checkはなぞらえる世界である。建物などの角をアクソノメトリック（Axonometric）投影に見える角度から撮影をし、正方形に切り取り、その一片を多数組み合せてgingham checkになぞらえる作品である。撮影された角は正方形にトリミングされたことにより写真の具象性を逆に擬似的に立体化したグラフィックように思わせながら、実は写真であるという微妙な階調を持つ具象性が反発し、それぞれの一片を浮き上がったようにも見せる面白い作品である。間近で見れば明らかに現実の色彩や影の階調を持った物の角である。このように、これら両作品は見る側に心地よい裏切りを感じさせながら色彩のイリュージョンを魅力的に見せてくれるのである。
更に言えば、ここに来て初めて幻視とでもいった世界を垣間見せてくれるphotographシリーズとのつながりが明らかになるのである。では、何がつながりなのか。無題のphotographからpatternへとフレームを用意しながら下ろすと言う作業である。それは、たぶんに、誰でもが忘れ去ってしまった経験という名に於いて幼児が初めて言葉を発する時の瑞々しさである。言葉以前には認識は無いのである。中居真理は写真表現に於いて新たな現代アートを提示してくれたのである。
近々、中居真理は“patterns”という個展を開く。ここでは、前出のstripeとgingham checkのそれぞれの作品の中で構成され配置された正方形のテクスチャーである一片を並べ替えるという再構成の作品を展示する。正方形の一片は連鎖を解かれ各々は独立する。想像するに、そこでは具象性は消え写真であるかさえ判別できず、光と影と色彩だけが残る名前のない正方形の一片が多く壁面に並ぶことになろう。なぜなら、全体の中の一片という構成理由が無くなるからである。また、既知の意味を読み取ってしまうという意のゲシュタルト要因が、どこまで削り取られているかによって、この再構成の美学的意図はより見えてくるだろうし、深くデザインの計画性に関わっているに違いないとも思えてくるのである。

※メタファー（metaphor）は、隠喩（いんゆ）、暗喩（あんゆ）ともいい、比喩の一種でありながら、比喩であることを明示する形式ではないものを指す。つまり、「～のようだ」のような形式だけであからさまに比喩とわかる比喩（=simile直喩）ではないもののことである。例えば、「わたしはぶどうの木、あなたがたはその枝である。もし人がわたしにつながっており、またわたしがその人とつながっていれば、その人は実をゆたかに結ぶ。」– 新約聖書、『ヨハネによる福音書』 イエスの言葉より。ことばだけに限らず絵画、映画などの視覚表現にも用いる。
※作品画像はpatternより。（copyright © 2009 nakaimari）アクソメはインテリア用語としてよく用いられるそうであるが、その角度がよくわかる作品である。多くの作品については、下記の作家のホームページを参照されたい。

nakai mari

1980年、愛知県生まれ。2004年にロンドン大学チェルシー・カレッジ・オブ・アートを卒業。その後もロンドンで制作を続け、06年よりベルリンに拠点を移した後帰国。08年、写真集『Lilly』（アートビートパブリッシャーズ）、『CANARY』（赤々舎）で第33回木村伊兵衛賞を受賞。主な個展に「浮遊する出来事」（03年 グラフメディアジーエム／大阪）、「リリー」（05年 グラフメディアジーエム／大阪）など。09年にはNY ICPインフィニティアワード新人賞を受賞、2010年愛知トリエンナーレ参加。現在は宮城県にアトリエを構え、滞在制作を続けている。
会期：2011年2月19日〜2011年3月11日 　会場：三菱地所アルティアム・ イムズ 8F　お問い合わせ：三菱地所アルティアム（Tel 092-733-2050）

若手写真家・志賀理江子は被写体を捉える独自のアプローチと不思議な異空間を思わせる構成写真で、新たな写真表現を切り開いている。ロンドンにて写真家としてのスタートを踏み、2008年に出版された写真集『Lilly』（アートビートパブリッシャーズ）と『CANARY』（赤々舎）の２冊で、第33回木村伊兵衛写真賞を受賞。以来、最も期待される写真家の一人として注目を集めている。代表作『CANARY』は、仙台、オーストラリア、シンガポールで住民達に「自分の住む地域で感じる ＜明るい場所＞と＜暗い場所＞はどこか？」という質問をアンケートを取って取材し、その答えの場所を実際に訪れ、思索に導かれて制作を行った作品シリーズである。地域・場所を知り、そこで感じた“イメージ”を自身の中で発酵させる時間を経て、自らの“イメージ”に基づいて被写体を舞台セットの様に構成し、撮影をする。試行錯誤の末に生み出された『CANARY』シリーズの作品は、不思議な異空間のごとき世界観である。

志賀理江子はよく夢を見るひとなのだろう。否、若い女は全体によく夢を見るのかも知れない。生臭い夢を。ただ漠然とそう思うだけである。夜寝ていると男がわたしの体を触らせろと言う。勝手にしたらというふうな返事をする。男はわたしの体をくまなく弄る。股にびっしょりと汗をかいていた。えいっ、こんな体くれてやる。どこかの雑誌で若い女優が素裸になって演技をしたことに触れて、同じような下りがあったのを思う。えいっ、こんな体くれてやる。遠い記憶になってしまったが、好きな女にキスをしたら甘くてきれいな味がした。むさぼった後、檸檬でも食べたかと聞いたら、そうではないと言う。何にせよ、甘酸っぱいものが漂うのである。見上げるビルと紛う巨大な滑車が糸を引いていて、わたしは恐怖で目がさめる。今夜もこの夢を見るのかと思うと怖い。雪を背景にNORTH FACEのダウンを羽織った作家が写っている。ちょっとはにかんだ表情の端正な瓜実顔である。

宙づりになった女「千愛子」。真下に眠っている男の頬に女のおでこがくっついている。切ない情感が伝わってくる作品である。ひとの男女は互いに頬とおでこをくっつけて愛情を表現する。くっつきたいのは他ならぬ場所もあるが、おでこと頬もくっつく。この世には男と女しかいないということは分かりきっている。なのに、そうは思わないひとの浅はかさもある。「わたしの夫」は未来の夫かも知れないのだ。大きな頭蓋骨をもったひとはやさしいと聞く。首から上は大事である。寄り添うということがこんなにも大事なこととは知らなかった。そう思うのである。※
写真は一見レタッチソフトなどで細工したのではないかと思う向きもあるかも知れないが、実際には女をロープのようなもので吊り下げた。次第に体の重みは頭に集中し写真になった。では、画像加工の写真との差はあるのか。現実の「千愛子」は元々が宙に浮いていたのだろう。作家はそう見たのである。「わたしの夫」も荒野に転がっていた動物の頭の骨に似せて石膏で大きく作った。何よりも作家の姿勢は生の自分の足跡である。
最近人形浄瑠璃や歌舞伎を見る機会が続いた。席は花道のちょうど斜め上。一階席とはもちろん舞台を見る角度は違ってくる。迫ってくる花道の女形は斜め上からでも背が高く艶かしい。舞台のほぼ中央にいる修行僧は旅姿の笠で顔は見えないが、魔界に偶した孤独な具合が上の角度からよく感じられた。ひとの想像力を喚起する生の舞台は目に心地よいものである。※
写真が演じて見せるのは舞台のように直接的ではないが、志賀理江子は、その実感の境地を何よりも本来は好むのだろう。偶然に高校の体育祭で手にした普通に誰でもが手にするオートフォーカスのカメラから始まったのである。徒とも思えた写真は魔法の光と知性によって風格を得たのである。※　
三菱地所アルティアムに繰広げられた「カナリア門」という作品群は、お世辞にも心地よい風景が写る写真ではないが、暗に隠された、否、怠惰になった我々の感性を刺激しているのである。皮を剥がれたクマの写真である「毛皮を着たひと」は、誰の中にも眠っているのである。この作品のための道中、またぎの親方とその仲間の荒っぽい会話である。「おまえ、玉持ってるか」、「二つある」。男の連中はどっと笑う。射殺されたクマの解体に付き合う当の私の体には玉がないと彼女は静かに思うのである。
※画像は上から：千愛子／Chiako「CANARY」（C）Lieko Shiga　　：私の夫／My Hasband「CANARY」（C）Lieko Shiga

※全体に文中の志賀理江子らしきモノローグのような記述は、会場に展示されていた冊子「カナリア門」からのおぼろげな読後の記憶からの想像も加えた増幅された記述である。さほど外れてはいないだろう。※福岡市の「博多座」で見たものである。女形は坂東玉三郎、修行僧は中村獅童。演目は古典と創作もの。※「ひとことも言わずに、どんなときでも、魔法の光」。マックス・エルンスト「百頭女」から。岸谷國士 訳。昭和49年初版。河出書房新社 刊。※マックス・エルンスト / （Max Ernst, 1891年4月2日 - 1976年4月1日）は、20世紀のドイツ人画家・彫刻家。ドイツのケルン近郊のブリュールに生まれ、のち、フランスに帰化。エルンストは、ダダイズムを経ての超現実主義（シュルレアリスム）の最も代表的な画家の1人である。作風は多岐にわたり、フロッタージュ（こすり出し）、コラージュ、デカルコマニーなどの技法を駆使している。※またぎは東北地方・北海道で古い方法を用いて集団で狩猟を行う狩猟者集団。一般にはクマ獲り猟師として知られる。古くは山立（やまだち）といった。マタギの語源は諸説あって不明である。最も有力なものは、アイヌ語で「冬の人」・狩猟を意味するマタンギ・マタンギトノがなまったものだという説である。

三菱地所アルティアム
www.liekoshiga.com

「それは変化しつづける」「それはあらゆるものと関係を結ぶ」「それは永遠に続く」という三つの制作コンセプトのもと、人間のライフ・サイクルの連続性や永遠性を示したLEDの作品で国際的な評価を受けている宮島。しかしアーティストとしての活動の根源が80年代前半に展開されたパフォーマンスにあることは意外に知られてない。本展では、そのパフォーマンスの記録写真・映像、初期オブジェ、ドローイング、LEDを用いた代表的なインスタレーションを介してアーティスト宮島達男が今日まで辿ってきた創作の過程、その思想の変遷を検証する。※

1957年東京生まれ。東京芸術大学大学院美学研究科修了。「1」から「9」までの数字を使ったデジタル・カウンタ－の作品を国内外で発表。ロンドンのテート・ギャラリーやミュンヘン州立近代美術館、東京都現代美術館などに作品が所蔵されている他、六本木ヒルズ内のテレビ朝日外壁や東京オペラシティなど、パブリックアート作品も多数制作。
現在、東北芸術工科大学副学長。

1957 東京に生まれる
1984 東京藝術大学美術学部油画科卒業
1986 東京藝術大学美術研究科絵画専攻修了
1988 第43回ヴェネツィア・ビエンナーレ アペルト部門出品
1990 アジアン・カルチュラル・カウンシル（ACC）の招きでニューヨークに滞在
1990-1991ドイツ文化省芸術家留学基金（DAAD）留学生としてベルリンに滞在
1993 カルティエ現代美術財団アーティスト・イン・レジデンス・プログラムによりパリに滞在
1999 第48回ヴェネツィア・ビエンナーレ日本館出品

会期：2011年12月3日（土）～ 2012年1月9日（月・祝）
会場：三菱地所アルティアム（イムズ8F）10:00 - 20:00
お問い合わせ：三菱地所アルティアム（Tel 092-733-2050）

会場奥の隅に、下宿屋の三畳か二畳ほどの薄暗い中に小さな赤い灯りが点々とある。数字を刻む電子時計と紛うものである。視覚に訴える様々なメディアが溢れている現代である。デジタル数字の灯りなどは珍しくも何ともないが、その何とも言えず心細い印象は、この作家である、宮島達男の心象を表したものだろう。大きな宇宙の中に小さな命の灯りである。刻む数字に零が無いのは、零としての観念が沸き起こりそうにはない。すでに全ては始まっていて零には戻りようがないのである。
この現代美術家は、二十代の頃は、パフォーマンスアートに拘っていた。意味なく声を上げたり、ひとの痕跡と称して、雨の日に地べたにうつ伏せになってみたり、考えを尽くした感のある奇矯とも映る、言わば馬鹿馬鹿しくも思える行為を繰り返していたようである。しかし、彼の胸の内では、人間というクリーチャーは事物とは明らかに違うものであるから、雨で打たれた後の痕跡には絵描きの筆先のような精神性が認められるはずだと思っていたに違いない。分かり難く見える行為は、小さな子の方が得意ではなかろうか。彼らは、まだ、魂と肉体の区別ができていないから、町中で奇声を上げたり、デパートでマネキンのスカートをめくるのは日常である。宮島達男は、十分な青年だっただろうから、分かり難く思える行為を探すのは大変だったはずだ。どこかに、偽りの感情や意識を抱えながら”行為”せざるを得なかった。丸まると太った裸の女に絵の具のようなものを塗る写真がある。その女を紙の上に寝かせ“魚拓”を取ったり、逆さにして、壁の紙にも同じように“芋版”を取る。全てに於いて馬鹿馬鹿しいのだが、日常とは逆さを行くような”無意味と無駄”とも思える行為の中にしか、油絵では自分を表現できないと思っていた節のある、美学校のこの青年の生きる手立ては他にはなかったのである。残ったのは疲労だけであっただろうか。※　

まずは、自分の肉体を使って、人間が在るということはどういうことなのかを確かめてみる。表現の手法はその後で必ずやって来る。絵の具による作品なのか、”発光体”による作品であったのかは、後の”零”を刻まないデジタル・カウンターによる作品の発見まではお預けであったのである。この展示会の案内状にもある写真だが、数台のパソコンらしきブラウン管が置かれた机に座る”宮島達男”らしき男が後ろに堆く放られた紙くずの山と写っている。破り捨てた原稿用紙で足の踏み場も無い部屋に座る小説家の写真を彷彿とさせる。そのような”無頼派の作家”のイメージへのアプローチは、どこかにあったはずである。生きることのみに”忙しい”せっぱつまったものが、いつも脳裏にあるのだろうか。パソコンであれ、原稿用紙であれ、縋る思いはいっしょである。※
三十万年電子時計を作った。なぜ作ったのか。本人も、はっきりとはしない。三十万年後であろうと、明日であろうと、今の今は、今である。永遠に今である。延々と続く、無意味と無駄と馬鹿馬鹿しさの繰り返しが、人間の証だと宮島達男は、伝えようとしているようにも思えてくる。徳に溢れた勤勉と努力の跡などは、どこにも無いと言っている。そこに残るのは、心細く灯った、意味なくある命だろう。「それは変化しつづける」「それはあらゆるものと関係を結ぶ」「それは永遠に続く」が、宮島達男のアートの制作コンセプトである。それは、つまり、“無常”という古くからの言葉で十分だろうと思う。

※アルティアムによるテキスト。
※パフォーマンスアート（Performance art）とは、芸術家自身の身体が作品を構成し、作品のテーマになる芸術である。また、特定の場所や時間における、ある個人や集団の「動き」が作品を構成する芸術の一分野である。パフォーマンスアートは美術・視覚芸術の一分野であるが、絵画や彫刻等のような、物体が作品を構成する芸術とは異なったものである。
※無頼派：無頼派（ぶらいは）は、第二次世界大戦後、近代の既成文学全般への批判に基づき、同傾向の作風を示した一群の日本の作家たちを総称する呼び方。坂口安吾、太宰治、織田作之助を中心に、石川淳、伊藤整、高見順、田中英光、檀一雄などを指すことが多い。
※諸行無常：仏教用語で、この世の現実存在はすべて、すがたも本質も常に流動変化するものであり、一瞬といえども存在は同一性を保持することができないことをいう。
※画像：(c)Tatsuo Miyajima Office

三菱地所アルティアム

Après le fracas et le silence Exposition de Thierry Girard
Cette exposition, réalisée par le photographe Thierry Girard au cours d’une résidence dans la région de Sendai à l’été 2011, consiste en la présentation d’une trentaine de clichés sur la région du Tôhoku. Sa démarche n’est pas de faire l’inventaire de la catastrophe, mais de représenter comment la résilience des hommes et des paysages permet de reconstruire les choses. Il souhaite inscrire la tragédie qu’a vécue cette région dans un paysage qui a une histoire, un passé, mais aussi un avenir.

大惨事の後の“時”について、人と風景の回復能力によってどのように復興がなされていくのかについて考察し、さらに、歴史も過去もある風景にこの悲劇がどのような形で刻み込まれていくのかに思いを巡らせている。2011年の夏、仙台地方に滞在して制作したティエリー・ジラールの12枚の大きなパネルと20枚の写真で構成される写真展である。制作動機は、災害の現状調査をするのではなく、むしろその後についての考察、人間と風景が回復能力によって復興し、生まれ変わっていく様子に注目することである。この地方が体験した、歴史ある風景の中で起きた悲劇の過去と未来を刻み込んでいる。※

ティエリー・ジラールは、1974年パリ政治学院卒。1976年より写真を撮り始める。風景の写真家として知られ、雄大な風景から、ごく日常の風景あるいは記憶や歴史に刻まれた風景を捉えるその作風で数々の賞を受賞。フランス国内外で発表された彼の作品は、メトロポリタン美術館（ニューヨーク）、パリ国立近代美術館、フランス国立現代美術コレクション（パリ）他、多くの美術館や個人のコレクションとして多数収蔵。※

会期：2011年11月5日（土）～ 11月19日（土）
会場：九州日仏学館５Fギャラリー
お問い合わせ：九州日仏学館（Tel 092-712-0904）

会場：東京日仏学院　ル・カフェ
会期：2011年11月24日（木）～ 12月22日（木）

水の音で目が覚めたのだが、布団の際まで水があった。ティエリー・ジラールの写真は、過去へと誘った。気が付くと、真向かいの木賃宿の二階に居た。昨夜からの激しい雨による川の氾濫であった。母がその木賃宿の賄いの手伝いなどをしながら生計はあったように思う。だから、避難の場所となったのだろう。追体験としての過去の“自然災害”への記憶をこのように表現してみたのである。幼い目が見たものだが、六十年近くの歳月の流れが、余計なものを洗い流してくれているだろう。ひとの生活があったのであるから、それだから“自然災害”は、容赦のないものであることが分かるのである。その頃は、故あって、その宿の所有であったかと思われる廃屋のような長屋住まいを余儀なくされていた。“貧困”は、極普通のこととして蔓延していた。履き潰して捨てた運動靴を隣の子がゴミ箱から拾って履いていた。そんな時代であったと言えば分かりやすいだろう。敗戦間もないころのことである。都心部からの食料を求めて農村部へのひとの流出は多かっただろう。その“廃屋”は、昨夜の激しい雨から、増水などという生易しいものではなく、川幅凡そ二百メートル近くはある市中を流れる川の氾濫によって濁流の底に沈んでいた。宿の二階のすれすれに真っ黒に濁った流れがあった。大人たちの体の隙間から川の方を眺めた。向こう岸に家が点在していたのを覚えているが、ほとんどの家がすでに水没していた。川岸に近いために瞬く間の出来事だったのだろう。向こう岸の一軒の家の屋根の上に四五人の家族が大手を振って助けを求めていた。為す術も無く、大人たちのため息があった。彼らは間もなく家もろともに濁流に飲み込まれた。その流れには、おびただしい数の材木や荷馬車や家畜の死体もあった記憶である。のどかな風景の一つであった、貨物列車が通っていた巨大な鉄橋は跡形も無く消えていた。避難所となった宿は川岸から距離があったために幸いをした。※
前日からの激しい雨は止んでいた。空は青空に変わっていた。自衛隊員が小舟で食料を運んで来た。米軍のヘリコプターが山の上にあった小学校の校庭に救援物資を運んで来たのも覚えている。あの当時の自衛隊員も救援に来たのである。1955年頃だろうか。※



大人たちの話し声から近所の小学生の男の子が行方不明だということを知った。稲刈りの後の田んぼでキャッチボールをした知った子だった。あまり親しくはなかったが、一度だけ家を訪ねたことがあった。夕刻に道路の溝から遺体で見つかった。人だかりの間から彼の硬直した手足が覗けた。その子の父親は金属商を営んでいた。駄菓子が買いたくて道端や川辺で拾った金屑を彼の父親の仕事場に近所の子らと持って行ったことがある。黙ってポケットから小銭をくれたのを覚えている。通りは歩けるまでに水は引いていたが、水没から現れたわが家の裏手には水嵩は依然としてあった。便所は外にあった。仮小屋のような、その便所が水の上に浮いていた。しばらくして斜めに傾き川の方に流れて行った。
畳の無い泥水で真っ黒になった床板の上に父と母の笑顔があった。父の友人が見舞いに来たのだ。たわいのない冗談に笑ったのだろう。飲料水は井戸水であった。すぐに飲んだようだが、病気など誰もしなかった記憶である。どうやって暮らしはあったのか。父と母も亡くなった。
ティエリー・ジラールの写真は、多くを語らない。饒舌を慎むというより、字義通りに風景の中に言葉が見当たらないのである。すっかりと何かが抜け落ちてしまった。われわれは一から言葉を練り直さなければならない。海辺には、今日の魚介の水揚げの量についての話し声があったはずである。街中には毎朝のあいさつの言葉もあっただろう。家族の話し声もあった。電話の中にも声があっただろう。全てが不可解の中で一瞬の内に消えてしまったのである。
慇懃無礼な賢しらさに生きるのも、ひとである。善く生きるのもひとである。すっかりと瓦礫の後となった風景を今一度思い起こしながら、生きてみようと思う。
これは現地への取材がもたらしたテキストではない。ティエリー・ジラールの写真が喚起したひとの思いである。

※東日本大震災（ひがしにほんだいしんさい）は、2011年（平成23年）3月11日（金）に発生した東北地方太平洋沖地震とそれに伴って発生した津波、及びその後の余震により引き起こされた大規模地震災害である。2011年（平成23年）3月11日14時46分18秒（日本時間）、宮城県牡鹿半島の東南東沖130kmの海底を震源として発生した東北地方太平洋沖地震は、日本における観測史上最大の規模、マグニチュード (Mw) 9.0を記録し、震源域は岩手県沖から茨城県沖までの南北約500km、東西約200kmの広範囲に及んだ[6][7][8]。この地震により、場所によっては波高10m以上、最大遡上高40.5mにも上る大津波が発生し、東北地方と関東地方の太平洋沿岸部に壊滅的な被害をもたらした。
また、大津波以外にも、地震の揺れや液状化現象、地盤沈下、ダムの決壊などによって、東北と関東の広大な範囲で被害が発生し、各種ライフラインも寸断された。2011年（平成23年）9月11日時点で、震災による死者・行方不明者は約2万人、建築物の全壊・半壊は合わせて27万戸以上、ピーク時の避難者は40万人以上、停電世帯は800万戸以上、断水世帯は180万戸以上に上った。政府は震災による被害額を16兆から25兆円と試算している。
※九州日仏学館テキスト
※掲載写真は九州日仏学館提供。（トップページ写真も同様）
※白い割烹着の女性が救援の隊員と話をしていたと思う。たくさんの白米のにぎり飯と黄色の沢庵を運んで来た。自衛隊（じえいたい）「Japan Self-Defense Force」とは、主に陸上・海上・航空自衛官で組織された専守防衛を基本戦略に置く日本の防衛組織で、各自衛隊は防衛省の「特別の機関」として設けられている。陸海空の実力組織を指す場合が多いが、防衛省の各機関を含めて自衛隊と呼ぶ場合もある。また個別組織の陸上自衛隊、海上自衛隊、航空自衛隊を指す際に区別を無くして単に「自衛隊」と呼ぶ場合もある。各自衛隊は1954年7月1日に設立された事実上の軍事組織である。
※登校ができるようになってからの記憶だろう。教師にアメリカ兵を出迎えるように言われたのだろう。砂塵の中に彼らが立っていた。乾パンが配られた。在日米軍（ざいにちべいぐん、United States Forces Japan、略称USFJ）は、在日アメリカ軍、または条約などでは日本国における合衆国軍隊ともいい、日米安全保障条約第6条により日本国内に駐留するアメリカ合衆国軍の総称である。1952年（昭和27年）4月28日 - 日本国との平和条約発効、占領解除。しかし同時締結され発効した日本国とアメリカ合衆国との間の安全保障条約に基づき駐留が認められる。
※各写真、上より、七ヶ浜町／清水港、サーフィンが大好きだったが、震災が彼女の趣味を奪った。「人殺し」の海を眺めている女性。いわき市、四ツ倉。気仙沼市、南三陸町、修理中の家で立っている母と義理の娘／大槌町。
※ 球磨川（くまがわ）は、熊本県南部の人吉盆地を貫流し川辺川をはじめとする支流を併せながら八代平野に至り八代海（不知火海）に注ぐ一級河川で、球磨川水系の本流である。熊本県内最大の川であり、最上川・富士川と並ぶ日本三大急流の一つでもある。人吉盆地は、太古の昔、東西約40km、南北約10kmに及ぶ大きな湖（人吉湖）であった。人吉盆地を取り囲む山々の中で最も低い球磨村の一勝地大坂間の地点が決壊し、湖に溜まった水が溢れ出し球磨川が誕生した。

九州日仏学館

ニルーファル・チャマン / Niloofar Chaman
1962 バングラデシュ、ダッカ生まれ
1985　チッタゴン大学芸術学部（絵画）卒業
1987　チッタゴン大学芸術学部（絵画）修士課程修了
1989　ヴィシュバー・バラーティー大学芸術学部（インド西ベンガル州、シャンティニケータン）留学
1992-1994　チッタゴン公立芸術専修学校、講師（絵画・素描）
1996-2002　ウイリアム・ケアリー・アカデミー（チッタゴン）、美術教師
現在　チッタゴン在住　※

現代アジアの作家 / 「ニルーファル・チャマン展 / 少女の世界の、生き物たちの物語」Tales from the creatures of a young girl’s world
会期　2007年9月6日〜12月11日
会場　福岡アジア美術館
主催　福岡アジア美術館


Crucified Jesus and Everyday Magic Tales

The World is Beautiful Indeed,Wondrously Beautiful!
Flocks of Birds Fly, Shoals of fish swim,
And animals live in their own domain.
Man, the jewel of creation, Armed with horses’ hooves
And lions’ mane Ransack the sea of life.
Master of Subjugation and Exploitation.
Leaving behind the animal world flowers, birds,
humans build houses like snails.
There is no escape, even if one wishes wholeheartedly.
Live like the half dead
Standing on the ruins life around, one feels like crying out…
“Is there anyone fully happy, sane and sound?”
Is this strange world, Tears, Bouquet of flowers, And Sympathy
have become the most important issues ……… ※

十字架にかけられたキリストと日々起こる魔術の話.

世界は美しい！本当に、おどろくほど美しい！
鳥の群れが羽ばたき、魚が群れをなして泳ぎ、
そして動物たちは自らの大地に住まう。
創造の賜物である人間は、馬の蹄とライオンのたてがみで武装し
命の海を荒らしまわる。征服と搾取の主。
動物の世界から遠く離れ花々、鳥たち、
人間はかたつむりみたいな家を建てるんだ。
逃げるところなんてない、たとえ心底願ったとしても。
半ば死んだように生きている
生の廃墟の立ちつくし、泣き叫びたくなる…….
「幸せに満ち正気で、穏やかな人なんているのだろうか？」
この奇妙な世界では、涙、花束、そして同情が
一番大切なことになってしまった　……….　※

からだが熱くなるような色彩である。映像的には、はらわたを思わせる。少したじろぐようにながめていたのを思い出す。厚みを持ったキャンバスには、画面のその側面にも色彩は描かれていたと記憶している。壁面から視線に対して倒れかかるような、迫って来るような感覚に襲われ苦笑いしたのを覚えている。陽光が降り注ぐ大きなサンルームに紛れ込んだとでも言えば良いのか、否、原生林の生暖かさに似た感覚に微睡むと言った方が正解だったろう。
「ニルーファル・チャマン展 / 少女の世界の、生き物たちの物語」という2007年に見た展覧会である。４年前だからおぼろげな記憶ではある。宗教や民族などというキーワードをたどる内にニルーファル・チャマン展の図録を思い出した。今日、あらゆる意味で動きの激しい新興国と呼ばれる地域に作家が在住しているらしいことも、紛争の匂いも漂う地域に隣接することも要因だったにちがいない。
ニルーファル・チャマンは、1962年、バングラデシュ、首都ダッカの生まれである。チッタゴン在住の画家であり、現代美術作家である。バングラデシュ人民共和国（People's Republic of Bangladesh）は、日本国土の面積の約４割、人口１億余の国である。民族はベンガル人が大方を占め、宗教は９割方がイスラム教である。作家が住むというミャンマーとの国境沿いのチッタゴン丘陵地帯には、仏教徒系少数民族が居住する。国語であるベンガル語の識字率は少年を含む人口の約５割。内政上では、1947年のインドパキスタン分離独立時は、宗教（イスラム）に基づき、一旦はパキスタンへの帰属（東パキスタン）を選択したが、ベンガル人としてのアイデンティティーに訴えた独立戦争（第三次印パ戦争）を経て、1971年12月にパキスタンからバングラデシュとして独立。幼いニルーファル・チャマンの目にも、戦争は影を落としていただろう。※
ニルーファル・チャマンが現代美術作家として育ったのは、チッタゴン大学芸術学部に於いてである。バングラデシュには、首都ダッカに対して“チッタゴン派”という芸術傾向があるという。国の新生と共に新しい波が起きたのだろう。国家が個々人の自由を見届けるということに於いてである。激しいものはあったにちがいない。ニルーファル・チャマンは、その波の中でも特別に“強烈な個性”のある作家だそうである。大学の教育方針は、“テクニックを磨くよりも美術理論を学ぶことを重要視する”ことにあった。大海を泳ぐには言わずもがなである。そのためには何ものにも囚われない確固とした思想とそれに基づく理論は不可欠だったろう。ニルーファル・チャマンの美術に触れることは、地域の独自性を感じると共に現代美術に目を向ける恰好の紹介ではなかったろうかと想像する。※
掲載の絵は、上から「結ばれるもの3」/ Which be Knotted-3」2002年（油彩、板120×150×13㎝）、「結ばれるもの1」/ Which be Knotted-1」2002年（油彩、板120×150×13㎝）「ねじられるもの2」/ Which be Twised-3」2002年（油彩、板120×150×12㎝）「パキラ、オパキ アグンタ ニビエ ジャー / Pakhira, O’ Pakhi agunta nivia ja」（シリーズ１）2003年（油彩、板122×153×16㎝）「パキラ、オパキ アグンタ ニビエ ジャー / Pakhira, O’ Pakhi agunta nivia ja」（シリーズ３）2003年（油彩、板122×153×16㎝）。※
見立て、比喩、暗喩、ドラマ仕立てといった表現ではなく、不思議な形のものは不思議なままに、夢の中の出来事も夢の中のように、丸いものは丸く、曲がったものは曲がったままに、ありのままに描かれたと思えて来る。効率などとは無縁のあるがままのすがたが作家の姿勢だろう。
「結ばれるもの3」/ Which be Knotted-3」からは、安易に訳文から「むすぼれ」という語を連想したが、この肉の塊のような力強さを前には、鬱など吹き飛んでしまうだろう。直訳すれば“どちらが絆か。”とでもなるのだろうか。ねじれるほど力強くあなたにしがみつき、引き寄せたい。あなたに最も身近と感じる時が、わたしは一番幸せなのである。同胞を忘れてはならない。あなたをわたしが愛していることを、あなたは忘れてはならない。誓って悪魔に魂を売ってはならない。そう言っている。掲載の画像は小さいが迫力は分かるだろう。
会場には他に３人ほどの来場者があったと思う。展覧会名に愛らしさや可愛らしさを求めたと思われる若い女性たちであった。ニルーファル・チャマンは、茶目っ気のある女性という言い方は当てはまるのかどうか。そうではないのか。美術館に設えられた彼女の部屋にひとりぽつねんと居た。図録にサインと共に日本の文具の“可愛いシール”を幾つも貼ってくれた。こんなことは初めてですよと美術館の女性職員は言ったようであったが、来客に上機嫌だったのか、否、彼女は懸命に謝意を表していたのである。※

※略歴は2007年に作成されたものである。
※現代アジアの作家 / 「ニルーファル・チャマン展」図録巻頭の詩より一部引用。（英文和訳　五十嵐理奈 / アジア美術館学芸員）
※外務省記事より引用し参考にした。www.mofa.go.jp
『米国に白人同士の恋人がいた。彼女につれられて、彼が彼女の父に初めて会いにゆく。意外なことに、彼女の父は黒人であり、母は白人であった。父に紹介された彼の心は動揺し、彼女は彼の一瞬の動揺を見逃さない。そして破局に進んでゆく。そんな小説が米国にあったが、似た話は現実によくあるそうだ。この恋人同士の間には、当初、「仮想の」同族意識、つまり共通のアイデンティティが存在したのに、彼女の父親の血が判明してから、それが現実の二つの異なる民族意識に転化したともいえる。民族の仮想性がそこに浮かんでくる。民族意識は「他」との相違を認識することによって、芽生えてくる。「他」との相違にとどまらず、対決する関係になれば、民族意識がさらに強化される。ユダヤ国家イスラエルとの闘争を経て、パレスチナ人が民族的アイデンティティを強化していったのが、典型的な例といえる。』（「民族世界地図」浅井信雄 著、1993年、新潮社刊）よくよく見れば、我々の日常にもあることかも知れない。
※図録中の解説「ニルーファル・チャマン展 / 少女の世界の、生き物たちの物語」（五十嵐里奈 / アジア美術館学芸員）を参照。一部引用した。
※「バングラデシュ独立直後のチッタゴンの若い世代の作家たちは、ある特定の形式の絵画の伝統から、より幅広くさまざまな表現形式を選択するという転換に挑んだ初めての世代だった。彼らの作品は、抽象画、半抽象画からさまざまな種類の具象画へ、そして物語性のある幻想的なものから社会的なメッセージ性のあるものへと多様な様式を取るようになっていった。民俗的、部族的なものからひらめきを得るだけではなく、国際的な舞台における前衛的な美術表現からも刺激を受けて変化していった。それらの試みは、世界の美術の文脈においてはさして革新的なものではなかったとしても、バングラデシュの美術状況を支配し、結果的にある種の「芸術の非人間性」を招いてしまった類型的な抽象画の単調さを打ち破る働きをしたのである。70年代初めというバングラデシュが独立・解放された時期に、視覚表現の領域においてさまざまな傾向の造形、表現技法、様式による創造的な取り組みが熱心に行われ、チッタゴンの美術がその流れにおいて革新的な役割を果たしたのはまちがいない。」（「現代美術の中心地、チッタゴン」図録より。アブル・モンスール、チッタゴン大学芸術学部教授による。英文和訳：五十嵐里奈 / アジア美術館学芸員 。）
※「結ばれるもの3」/ Which be Knotted-3」：人と人が温もりのある関係を結び、強く「結ばれるもの」となることを願って描いたという。（図録より解説）
※「パキラ、オパキ アグンタ ニビエ ジャー / Pakhira, O’ Pakhi agunta nivia ja」：「パキラ、オパキ アグンタ ニビエ ジャー」とは、「鳥よ、火を消しておくれ」の意味。「日を手に入れた人間は、ときに怒りとともに火を破壊の力として使うようになってしまった。」（図録より解説）
※ニルーファル・チャマンが居た部屋は、公開制作する「ニルーファルの部屋」というインスタレーションであったようだ。
※掲載の画像及び “○○” の語彙については凡そであるが「ニルーファル・チャマン展 / 少女の世界の、生き物たちの物語」の図録から引用したものである。

福岡アジア美術館

豊泉朝子 （Toyoizumi Asako）　東京都港区六本木生まれ
１９８４　　女子美術大学卒業制作優秀作品賞 / ８４年度全国大学版画展買い上げ保存賞
１９８５　　東京セントラル美術館版画大賞展 / カーボフリオ国際版画ビエンナーレ展（ブラジル）
１９８６　　多摩美術大学大学院修士課程修了 / CWJA現代版画展
２００１　　今世紀の蔵書票展（イタリア・ブルニコグラッフィック美術館 ）
　　　　　　Art to "T"展　/セントニコラス蔵書票展（ベルギー）/プレートマーク十回記念展
　　　　　　現代日本の版画vol.7出版特別記念展/ ちょっとお宝年賀状展 / なび展
２００２　　多摩美術大学リトグラフOB展 / ART　BOXコレクション展　/　心を贈るアート展　
２００３　　心花会展（新宿スペースゼロ）　
２００４　　台日蔵書票交流展（台湾）/　ハッピーアート展　/　扇展（８・９・１０月）　　
２００７　　Drama アートスペース獏の三十年展・Ⅶグリワス国際蔵書票コンペ'07（ポーランド）　
所蔵 　女子美術大学図書館 / 町田市立国際版画美術館 / 日本書票協会 / MET市図書館（フランス）多摩美術大学美術参考資料館/ロッテルダム市公開コレクション/ Pバイユ美術館（フランス）台湾書票協会 / シャマリエール国際版画美術館（フランス）/ カイロ国際アートセンター（エジプト) / ヴェルニウス・グラフィックギャラリー・美術館（リトアニア） /ティコティン日本美術館（イスラエル）/ ルニコグラフィク美術館（イタリア）/タイペイエクスリブリスクラブ（ROC) / バルセロナユネスコセンター（スペイン) / カリニングラードアートギャラリー（ロシア）/ Muzeum Narodowe W Warszawie （ポーランド） / グリワイス図書館Book－Plateコレクション（ポーランド）/　日本美術家連盟会員　/ 現代書道院正会員（他に個展及び受賞は多数である。）

会期：2011年8月22日~9月4日
会場：アートスペース 貘
お問い合わせ：福岡市中央区天神３の４の１４、高栄ビル２階。電話092-781-7597

豊泉朝子の絵は初めてだが、どこかで見たような気がしないでもない。右上に掲載の絵の表情は正しくそうである。母の日であるとか、父の日にスーパーなどが募集したものを見かけた記憶の幼い子供の絵の“あれ”である。計算というものが無いから恐ろしい。ひんやりとして、パパやママは脅えてしまう。この個展に於いては、潔さへの思いが根にあるようである。潔さとは、何をさすのか。未熟者のことか。「顔をつぶす前に、しなやかに腕をへし折る」。掲載の上段の絵に添えられた句である。この句は気持ちがよく出ている。だから、読む側も気持ちがよい。
嫉妬に狂った老いた女が、若く美しい女を憎く思うのは、その小憎らしくも綺麗な顔をつぶしてやりたいほどに残虐の妄想に浸るのは許せるひとの条理であると暇つぶしに想像してみてはいかがか。あの可愛いわが子が、となりの部屋であの可愛いペットの子猫の腕をへし折りにこにこしていた。これもまた許せるだろう。
アートスペース貘は、福岡市の中央区のどちらかと言えば近年寂れた飲食街に位置する。その位置具合の趣きにアートスペース貘は元々あるのだろうと錯覚し想像する。急な階段を登ると右が喫茶店「屋根裏貘」。左がギャラリーである。程よく閉所であり心地良さを感じる。ここで温められこの世を去るのも選択のひとつだろうとふと思う。バーにもなる夕刻である。氷を落としたアルコールをもらった。隣にも同程度の酔いの客である。バーの光景とは一体がこのようである。それは、ひとというものの怪しさに他ならない。ひととは、いたようであったが、もしや、そのようなひとは、いたから、いたのだと、間の悪いままに時は過ぎて行った。
作品の添え書きの中で豊泉朝子は言う。これまで“アーチストらしく”、それらしく言葉を添えたが辞めた。思ったそのままに表現を増殖させた。A4のコピー用紙にコピーしたと思われる作品群が印象的である。それはイメージの羅列と面白く写る。何であれ、豊泉朝子がそこにいると言っている。“らしく”などと、可笑しいわ。潔さは止めども無いのである。
表現は版画や書、ペンに依る。描いても描いても泉のように湧き出るのだろう。止めどないから、ここら辺りでお陀仏という手もある。さあ、見て。と言わんばかりの壁面いっぱいの書がある。薄墨やはねや止めの他に踊り狂うもあっただろうか。使用前、使用後のように壁面は左右に二つに分かれていたようだが、息も絶え絶えがどちらだったか。お陀仏がどっちかの説明も加えられた半狂乱の様であったように思う。思いのたけを言ってしまいたい。専修念仏という方法もあったかしら。そのようにつくづくと思う。それぞれが確実に死ぬことへの思い巡らしは、そろそろ用意しておかねばならないのだろう。人間はどこから来てどこへ行くのかは分からないのである。不存知の域とはよくぞ言ったものである。人の世に悩みは様々だろう。「ろくなコトしか吐けないのなら舌を裂いてお仕舞いなさい」。下段の絵に添えられた句である。※

※「不存知」つまり「存知せざるなり」ということに帰着するとおもいます。（中略）（親鸞の）もうひとつ得意の言葉があるんですけど、それは「面々の御計」。おまえたちの勝手だよ、ということだとおもいます。この「存知せざるなり」というのと「面々の御計なり」というのは、親鸞が最後に、念仏称名をとなえればだれだって、むしろ愚者であればあるほど、あるいは悪人であればあるほど浄土へ往けるんだという考え方に対して、もう一度否定を加えた言葉とも受け取ることができます。（「智の岸辺へ」吉本隆明著、親鸞についての章、1976年、弓立社刊より。）
※宗教とは何かと問われれば、ひとは何と答えるだろう。学者に聞けば益々考え込まなければならないから、面倒なことになるからこう答えることにする。きみも郷里に帰れば必ずと言ってよいほど仏壇を目にすることになる。あれだ。あれが宗教である。親族の命日ともなれば寺から僧侶がバイクか車でやって来る。念仏を唱えて世間話をして茶を飲み布施をもらって帰る。誰かが死ねば葬儀一式がとり行われる。四十九日が来て初盆があり、一回忌がくる。いつのころからか、当り前のようにこの仕組みは根付いて行ったのだと、そう思う。誰も口には出さないが、自らも死を恐れることなく浄土へ行けると思う節もあると皆がいっているらしいから、そうなのだろうと新ためて思うのである。このように、曖昧だが、死を前にして悲しみと恐れを皆で分かち合う心地良い世間のシステムに都合よく組み込まれた習慣のようなわれわれの宗教である。後は死んでみなければ分からない。

asako toyoizumi
art space baku

Having lived away from home for twelve years, my impression and memories of Singapore were what I had experienced as a child. In the time that I was away, my thoughts of home were shaped by the foreign media, looking at Singapore from the outside.
In 2009, I came back to understand it better. Finding subjects through friends and relatives, I met with people, listened to their stories and visited their homes, exploring areas and lives that were both foreign and yet familiar to the Singapore where I had grown up.
Our views are shaped by where we live and our experiences. We juggle our dreams, our obligations, our families, our jobs, our frustrations, our secrets.
Slow Cool Breezes brought me into the homes and lives of the people you see here. It has also brought me back to question my perceptions of my home and relationships. Our homes are what are closest to us. They are also where we have to face ourselves. ※

12年の間、離れて暮らしていた故郷であるシンガポールについての印象と記憶は、わたしが幼かった当時の経験によるものに限られている。不在の間の故郷のイメージは、その多くが外国メディアにより形づくられた外からのものであった。
2009年、わたしはより理解を深めるために帰郷した。友人や親戚を通して帰郷の目的を探しながら、かれらに会い、話しを聞き家をたずねて、異国のようでもあり馴染みの土地のようでもある、わたしが育ったシンガポールを探索した。
物の見方は、どこで生活し経験をしたかで形づくられる。
夢、責任、家族、仕事、つまずき、わたしの思い、全ては、その意のままに操られたことだろう。
スロウ クール ブリージズ、ゆっくりとして冷気を帯びた微風は、この地の人々の家や生活へとわたしを運んで来てくれたのである。その微風は、わたしの家、わたしの家族の匂いへと連れ戻しもした。すぐ側にあると感じるわたしの家。それはまた、わたし自身でもあった。※

ウェイ・レン・テイ／Wei Leng Tay［鄭瑋玲］
1978年、シンガポール生まれ。香港在住。街の空気や息づかい、或いはそこで暮らす人々の生活の断片を、シャープに切り取るフリーランスの女性写真家。福岡アジア美術館には、2009年1月13日から3月25日までレジデンスワークにより滞在。※

ウェイ・レン・テイには、福岡市の美術館で一度だけ会っている。レジデンスワークの歓迎の集いで、飾り気など無用といったさっぱりとしたスピーチをしていた。その後の自由に三々五々とは行かない儀式半ばの集いに溶込めただろうか。
人のぬけ殻のような寝室の写真が印象的である。今しがたまで誰かがいたのだということより、わたし一人という意味、孤独と静けさを好む風景がそこにある。ウェイ・レン・テイは、写っている目の前にある現実は、かつてあったように、そのように、ことは運ばれて行くと言っているのである。何も変わりはしない。彼女や彼は、これまでにも会ったひとなのに仮面を被ってわたしを迎える。時間は装いである。女はシャワーの後に髪をブローする。笑顔のない彼女は別れを告げ、ドア越しに消えた。奇を衒うのではなく、そのように髪のブローは繰り返されるはずである。グリーンが美しい場所には、これまでもずっとあったかのように整然と白壁のアパートメントが並ぶ。わたしは住んでいたし、これからも住んでいただろう。出会ったひとは、出会ったように、わたしを思い出し忘れる。子供の頃に遊んだ記憶のあるガーデンのドアは、錠が外されていた。わたしは通り抜ける。わたしが開けたにちがいない。ひとの気持ちとは、あったように望むのである。密かな楽しみはあの頃のままであったが、錠が外されたガーデンのドアなどは最初から無かったにちがいない。
作品に、Desultory-Landscapes、とりとめのない光景というドキュメンタリーがある。廃屋や捨てられたごみの山が被写体のシリーズである。なぜ、目の前にゴミの山があるのか。とりとめもなくあるのか。その理由をつき止めたところで、そのゴミの山はあったし傷は癒えないだろう。香港の英国から中国への返還や都市開発の筋書きが見えるにせよ、ゴミの山を、わたしの目の前のこととして見ているのである。これまであったし、あったことは確かだが、そこに暮らしていた人々と共にゴミの山は忘れ去られることだろう。中に、一枚だけ異質なショットがある。部屋の鏡に向かって化粧をする女と隣の部屋で女の方を伺う男。明らかに女の意識の中に男はいない。ウェイ・レン・テイは、 Hong Kong Livingというシリーズの前置きに、1997年の英国の租借地からの中国への返還により、その後の香港に二重のシステムが存在していることを挙げている。写っている目の前にある現実は、かつてあったように、そのように、ことは運ばれて行くのだろうか。返還後の香港は、ハイコストの生活費と貧弱なガバナンスを強いられてはいるが、多少のトラブルを除けば興味深い活気づく都市といえると、ウェイ・レン・テイは自ら語っている。香港の人々が長い時間を外で過ごした後の、帰宅後の素顔を撮ることで、これから彼らが、現実をどう対処しようとしているのかが分かるはずだというはっきりとした図式が見えてくるのである。※
ゆっくりとして冷気を帯びた微風が吹いている。
わたしが、長い間留守にしていた場所である。わたしは、わたしがあったことを求めたのだが、やはり、なかったのだが、それはやむを得ないことであり、時というもののなせる業であったのかも知れない。彼は、彼女は、わたしを見たひとかも知れない。美しい夜景はかつての見た夜景だったかも知れないのである。わたしは、わたしであることを求めてやまない。

※Wei Leng Tay Site / Slow Cool Breezesより原文。
※拙稿。
※福岡アジア美術館による。
※シンガポール：シンガポール共和国（英語:Republic of Singapore）、通称シンガポールは、東南アジアのマレーシアに隣接するシンガポール島と周辺の島嶼を領土とする国家（都市国家）で、イギリス連邦加盟国である。国名の意味は、サンスクリット語で「ライオンの町」。1819年にイギリスの貿易の植民地として設立される。その後の独立以来、世界で最も豊かな国のひとつとなり世界最大規模の港を持つようになる。シンガポールは、小さな島にある小さな国であるが、500万人ほどの人々が暮らすかなり混雑した都市で、その上、世界で最も人口密度の高い国としてモナコに続き2番目となる。しかしながら、その面積の50%以上が緑で覆われ、50以上の主要な公園と4つの自然保護区を持ち、魅力的なガーデンシティを形作っている。1年を通じて雨が多いが、日本と違い一日中降り続くことはほとんどなく、大抵数十分から数時間程度で雨はあがる。11月下旬から12月いっぱいにかけ、他の月に比べてさらに雨量が多くなりスコールのような雨が降る。この期間中は最低気温も低めで、朝晩には肌寒ささえ感じるほどである。
※香港：香港（ホンコン、英語:Hong Kong）は中華人民共和国の特別行政区である。1839年の第一次アヘン戦争で清国が敗れた結果、1842年に結ばれた南京条約で清朝が香港島をイギリスに永久割譲。第二次世界大戦下での日本軍の占領統治を経験した後、1945年に再びイギリスの植民地に復帰する。1984年にマーガレット・サッチャー首相と鄧小平中国共産党中央委員との間でなされた合意に基づき1997年に割譲地と租借地を中華人民共和国政府に返還。
※Wei Leng Tay Site / Desultory-Landscapes及びHong Kong Livingを参照されたい。

Wei Leng Tay Site
福岡アジア美術館

小松孝英にとって学生時代を過ごした福岡市は第二の故郷である。本展では一人の作家の個展を福岡の異なるギャラリスト達が協力するという新しい試みを実現している。今展のテーマは「生物多様性」についてである。ここに描かれる世界では、昔の絵師のような影を感じさせながらも、日々刻々と変化していく生態系の様子がありありと描かれている。昨年秋のCOP10（生物多様性条約締約国会議）での特別展示に引き続き、今年も国連総会での展示が予定されるなど、そのメッセージ性の強さは多くの人々に注目され拡がっている。※

小松孝英
1979 宮崎県出身
2000 九州デザイナー学院アーティスト学科卒業
2006 個展 「和生態系」ギャラリーセレスト（福岡）
　　　 出展　ART SHANGHAI（ 上海）
2007 企画展　Caelum Gallery（ ニューヨーク・チェルシー）
2008 個展 「共存」TEZUKAYAMA GALLERY（大阪）
　　　 出展　東京コンテンポラリーアートフェア（東京）
2009 個展 「瞬-moment-」ギャラリーPLOT（銀座）
　　　 出展　YOUNG ART TAIPE（I 台北）
　　 　個展 「coexistence」Gallery forty-seven（ロンドン）
　　 　出展　ART OSAKA（堂島ホテル／大阪）
　　 　出展　Korea International Art Fair（ ソウル）
2010 出展　アートフェア東京（国際フォーラム／東京）
　　　 個展 「雨詩」古民家ぎゃらりぃ花うさぎ（福岡）
　　　　　　COP10（生物多様性条約締約国会議／名古屋）にて特別展示
2011 個展 「儚[Ephemeralness]」TEZUKAYAMA GALLERY
　　 　出展　ASIA TOP GALLERY ART FAIR（香港）

会期：2011年6月4日～7月31日
会場：ギャラリー アートリエ / 福岡市博多区下川端町3-1　博多リバレイン 地下2階　お問い合わせ：092-281-0081
主催：(財)福岡市文化芸術振興財団　協力：TEZUKAYAMA GALLERY
ディレクター：松岡博（ギャラリー松庵）、阿部和宜（みぞえ画廊）、尾川きよみ（ぎゃらりぃ花うさぎ）、前田直子（ギャラリーアルドマ）、
増田敬一郎（マスダ画廊）、本村大河（ギャラリCELESTE）
協賛：みぞえ住宅、専門学校 九州デザイナー学院　後援：西日本新聞社、毎日新聞社、Love FM、共同通信社

めずらしくアゲハ蝶を見かける。からだが大きく、ゆっくりと風を起こしていたと思う。都心のビルの影のような所で蝶を意識して見つけたのは、美術家・小松孝英個展「共生」を見ていたからにちがいない。無意識の内の現実に見る連想は面白い。※
美術家・小松孝英の絵は、日本画、特に江戸琳派の世界に憧憬を抱いて描かれたと聞く。※　あの箔の光った襖や屏風の世界である。そこに蝶が舞う。自然の花や木を題材にした屏風などの装飾的な作品を思い浮かべれば、蝶はよく似合う。印象は、奥行きではなく形やその配置を重視した二次元の面白味を感じる意匠の世界である。時間を当時の江戸琳派の時代に設定しながら金や銀の箔を古びた趣で全体に施し、彼の郷里で幼い頃から馴染んだ現空間の蝶のイラストレーションが時空を超えて舞うのである。この絵の魅力というものは、観念は江戸にあるということである。美術家・小松孝英は、江戸の町に生きて立っていなければ表現は成り立たない。また、彼はそうありたい。※
作家のブログには、懐かしく思える風景がある。ブログというものを理屈では解っていても、使うには拘る、持って回った旧世代は図らずも有難く思った。市房山、小林市、都城。蝶はもとより、クワガタ、カブト虫、蛇に魚釣りの話題が出てくる。滑る川底、竹竿がしなる感触である。
主題である「共生」とは、「生態系」の問題を扱う生き物の在来種と外来種がモチーフであるが、本当は、“ぼくの傍らで生きる”生き物や自然の話しであり、野生に親しむ目とは、ありのままの自然をそのまま受け取ることの心地よさだと彼は言っているのだろうと思う。社会という観念のつくりごとの世界よりも、自然という感触や感覚が優先する気配だけが頼りのひともまた共存する原初の世界の魅力の話しである。何とも言いようがないと芸術や女の美しさを形容するが、何とも言いようがないと自然や蝶の美しさを彼は形容しているにちがいない。
展示された作品の中で一枚だけ人物と蝶が描かれたものがある。裸身の若い女の寝姿の上に蝶が描かれている。ここだけが観念ではなく艶かしい。女は手掴みにはし難いが、自然を見るように捕獲するのである。連想とは面白い。映画「飛べない沈黙」を思う。ながさきアゲハが、生息が考えられない北海道で一人の少年により捕獲される。そこからオムニバスの物語が日本列島を縦断して行く。

※冒頭のテキストはギャラリー アートリエの今展の紹介文より要約した。
※アゲハ蝶：チョウの中では最も大型の分類群である。翅の鱗粉は種類によって黒・白・赤・黄・青・緑など様々に彩られている。また後翅の縁には大小の突起があり、特に後翅から斜め後方に伸びる長い突起のことを尾状突起という。これらの突起の長さや有無も種類を判別する有効な手がかりである。成虫はほぼ全ての種類が花に飛来するが、地面の水たまりや海岸などで水分を吸う習性がある種類も多い。大きな翅をはばたかせて飛び、吸水・吸蜜や産卵もはばたきながらおこなう。
※小松孝英江が憧憬する江戸琳派である酒井 抱一（さかい ほういつ、 宝暦11年7月1日(1761年8月1日) - 文政11年11月29日(1829年1月4日)）は、江戸時代後期の絵師、俳人である。尾形光琳に私淑し琳派の雅な画風を、俳味を取り入れた詩情ある洒脱な画風に翻案し江戸琳派の祖となった。神田小川町の姫路藩別邸で、老中や大老にも任じられる名門酒井雅楽頭家、姫路藩主酒井忠仰の次男（第四子）として生まれる。寛政2年（1790年）に兄が亡くなり、寛政9年（1797年）10月18日、37歳で西本願寺の法主文如に随って出家。市中に暮らす隠士として好きな芸術や文芸に専念できるようになった。出家の翌年、『老子』巻十または巻二十二、特に巻二十二の「是を以て聖人、一を抱えて天下の式と為る」の一節から取った「抱一」の号を、以後終生名乗ることになる。
※『老子』の「是を以て聖人、一を抱えて天下の式と為る」の一節：彼は自らものを示そうとしない。だから他人からほめられるのである。自らほこらない。だからその功を認められる。自ら自慢しない。だからその名誉が保てるのである。そうだ彼は一切と争わないのだ。だからすべての人々が彼と争うことが出来ないのである。古人が曲がっている木は切られることがないと言ったのはほんとうのことだ。まことに自然に委せているからその天寿を全う出来るのだ。そして帰るところに帰れるのだ。（「現代語訳 老子」伊福部隆彦著、1960年、昭森社刊）
※映画「飛べない沈黙」：http://d.hatena.ne.jp/tougyou/20110703/p2

ギャラリー アートリエ
小松孝英ブログ

松岡志保≒gaju / 造形作家　1977年、熊本県旧牛深市生まれ。高校を卒業する頃にフラワーデザインに憧れ勉強中にクレイワークに出会う。花も器も一つのオブジェとして造り上げたいという思いから、異素材を組み合わせたオブジェ・立体イラストレーションの造形空間をつくるようになる。
2010年、阿蘇くまもと空港壁面オブジェ制作、企画展『ESOPO』造形絵本の世界展（阿蘇白水郷美術館）に参加。2009年、企画展　絵本『ESOPO』造形展（熊本）、人形展『いと・ちいさやか～ようこそ！お菓子の国へ』（東京）、人形展『絵本の中に迷い込んで』（東京）等に多数出展する。※

会期：2011年4月16日〜5月29日
会場：ギャラリー アートリエ / 福岡市博多区下川端町3-1
博多リバレイン 地下2階
お問い合わせ：092-281-0081
主催：(財)福岡市文化芸術振興財団

ブティックを思わせるエントランスである。お針子の匂いがする迎える女性もいないのだから少し不安内な感じを受ける。仕事の匂いとは、そういうものだろう。男性としては細やかな所作は無いものであるから、女性のやわらかな仕草は尊く心地よく、別な生き物として感じる瞬間でもある。全体に白っぽい色彩を感じさせながら中世ヨーロッパの風情を思わす造形物は迎えてくれる。
「ima coco.６°の果実」。クレイワークといわれる技法を駆使する造形芸術家であるgajuと名のる松岡志保の展覧会である。以下は、会場入口にあるこの作家の思いを綴ったものである。※

幼い頃から、幾度となく………、
きっと、それは無防備な瞬間の自分にこっそりとおこる出来事。
それは、時計の秒針が６°カチッと、戻ること。次の瞬間……… 秒針が何事もなかったかのように進んでいく、行き帰り２秒の出来事。
カチッと後ろに動く6°の歪みは……２秒のはかりごと、
もしくは、帳尻合わせの時間。
しかし……そのカチッは今の私を創ってくれた貴重な歪みでもある。
美しいものに感動したり、痛いと感じたり、怒ったり、高揚したりすることができること..... 。
強いものや弱いもの、あるいはそんな自分と出会ったりする瞬間へ、 私を導いてくれる揺らぎだと感じている。
私の時間をほんの２秒だけ、止めているのか、戻しているのか。
本当に、たったの２秒なのか、実はもっと沢山の２秒が詰め合わさった何時間、何年 なのか。それは今のところ判らない。
幸せな時間なのか、不幸な時間なのかも、定かではない。だとすれば、それは、きっと私の人生の季節に実る、果実なのだと思う。

ある誰かが書いた文章を読む際に、感情移入というよりは、これはわたしのことを言っているのではないか。などと気色ばむことは誰にでもあることだと思う。誰かが誰かのことを書いたことなのに、まるでわたしのことのように感じてしまう経験は多々あるだろう。研ぎすまされた描写であればあるほど、心の奥深く沁み入ってしまう。ひとの心の危うさ。幼い心ならば、そうであればあるほど沁み入るにちがいない。gajuの言う「きっと、それは無防備な瞬間の自分にこっそりとおこる出来事。 それは、時計の秒針が６°カチッと、戻ること。」ではなかっただろうか。
２秒という隙間６°の奥深く滑るように彼女は別の世界へと落下したのである。そこは約束された世界であり、豊穣な想像力という海を泳ぎ切ることを言い渡されるのである。
展示された作品の印象は、紛れ込むようにあしらわれた無用になった錆び付いた金具類である。それは釘であったり、かつての旋盤だったり、柄の無いスコップであったりする。gajuの名刺には錆び付いた２つのスコップがリースのデコレーションのように組合わされている。スコップは労働の証だろう。錆は働きで流した汗である。そして、流れた時間だろう。人間の使った時間は無用であってはならないのである。額縁に収められた横長の錆びた鉄板はgajuの世界のバイブルである。演出によってその額の裏側辺からは古い時計のように螺子を巻く音が聞こえ秒を刻む音が聞こえる。前衛絵画であったりコセプチュアルアートの趣を見るかもしれないが、ロマンの方が勝っている。鉄板時計の下の白いテーブル掛が映えるダイニングテーブルには、食材かのように食器と共に錆び付いた釘や古びた電球などがスタイリストの手技のように置かれている。まるで触ってはいけないかのように美しい気配りであるから、きっと夢に決まっているが、眼前のことのように、日々の労働への癒しの時と受け取って置きたい。大振りのシャンデリアは物語を求め、大きな旋盤の印象のドアの場所には、生乾きの傷口のかさぶたを剥がすかのように十字クロスの下に痛々しくブリキのお菓子の箱に錆びた釘がいっぱいである。こぼれた赤いカーラーが愛らしい白い土砂を被ったようなドレッサーは、かつての恋しいひとを呼んでいたかもしれない。覆う白い土砂は崩れ去った印しであり、多くの錆び付いたものを握る手は、悔い改めよと迫る。作品の全体を絡めるクレイワークは失くしたもへの愛惜という言葉に置換えても良いだろう。滅びることは避け得ない。増殖する私自身は脱ぎ捨てた時間を認めざるを得ない。※

ima no kyou coco ni iru watashi ha Saishin no watashi　jishin ………..
ここにいる、いまの私は最新の私自身。
カチッからおこった果実を集めて…… 最新の私自身を作品にしてみたい。
そして、その正体を解き明かしてみたい。

多くの作品については、下記のサイトを参照されたい。

※牛深市（うしぶかし）は、熊本県天草諸島南部に位置した市。2006年（平成18年）3月27日 - 本渡市・有明町・御所浦町・倉岳町・栖本町・新和町・五和町・天草町・河浦町と合併し、天草市となる。牛深市における最も著名な行事としては毎年4月に行われる「牛深ハイヤ祭り」が挙げられる。
※ブティック(boutique)とは、服飾関係の商品を専門に扱う小売店の一種。フランス語で「小さな店」の意味。洒落た衣服を扱い、さまざまな装飾品まで含めた品揃えを行っていることが多い。
※クレイワーク：clay work / 粘土細工。粘土を用いた作品。
※コセプチュアルアート：Conceptual artは、1960年代から1970年代にかけて世界的に行われた前衛芸術運動。アイデア・アート（Idea art）とも呼ばれる。例えば、こうも言われた。「コンセプチュアル・アートにおいては、アイデアまたはコンセプトがもっとも重要である。作者がコンセプチュアルな芸術形式を用いたとき、それはプランニングや決定がすべて前もってなされているということであり、制作行為に意味はない。アイデアが芸術の作り手となる。」（ソル・ルウィット『コンセプチュアル・アートについてのパラグラフ』）今を思えば当り前のことのようである。
※ロマン：中世初期には、ラテン語が土着語化した俗語をロマン語といった。ロマンは，したがって、ラテン語でなく、フランス語で書いた物語の意。「バラ物語」、「ルナール物語」のように韻文で書かれていた。（「立体フランス文学」篠沢秀夫 著、フランス文学者、学習院大学名誉教授。1970年、朝日出版社）俗にいえば、情熱が空想を呼び空想が情熱を帯びながら冒険は展開して行く。（拙稿）
※スタイリスト：stylistは、モデル、俳優、タレントなどが身につける衣裳やアクセサリー小物などを集め、雑誌や映画、テレビ番組などその場面に合ったコーディネートする職業である。フランス語のスティリスト（styliste）はファッションデザイナーを指す。

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gaju
ギャラリー アートリエ

ホンマタカシ / 1962年東京生まれ。写真家。1999年、写真集『東京郊外 TOKYO SUBURBIA』（光琳社出版）で第24回木村伊兵衛写真賞受賞。2008年、ニューヨークのApertureから写真集『TOKYO』を刊行。1993年から2007年までの間に東京をテーマに撮影した作品が収録され、それまでの集大成的な内容になっている。2009年、単行本『たのしい写真　よい子のための写真教室』(平凡社)を刊行。このほか主な写真集に『Babyland』(リトル・モア／1995年)、『Hyper Ballad: Icelandic Suburban Landscapes』(スイッチパブリッシング／1997年)、『東京の子供』(リトル・モア／2001年)、『Tokyo and my Daughter』(Nieves／2006年)、『NEW WAVES』(PARCO出版／2007年)、『trails』（マッチアンドカンパニー／2009年）、『widows』（Fantombooks／2010年）、『M』（ギャラリー360°／2010年）などがある。2010年より東京造形大学大学院客員教授。
雑誌、広告など幅広いジャンルで活躍する傍ら、東京、波、子ども、山などを被写体に制作活動や執筆活動を続けているホンマタカシ。独自のドライな視点で切り取った被写体との距離感、写真というメディアに真摯に向き合い生み出される作品は、国内外で高く評価されている。1980年代後半からは、広告、ファッションの領域を中心に活躍し、90年代初めにはロンドンの先鋭的なカルチャー誌『i-D』で様々な方法で写真を制作する。1999年には東京の郊外風景と人々を撮った写真『東京郊外』で、第24回木村伊兵衛写真賞を受賞。近年では、書籍『たのしい写真、よい子のための写真教室』（2009年）の出版や、写真の可能性を探るワークショップの開催、2011年には国内初の美術館での個展を金沢21世紀美術館を皮切りに各地で展示を行うなど活躍の場を広げている。

会期：2011年　6月18日（土）～7月18日（月）　
会場：三菱地所アルティアム（Tel 092-733-2050）

見るでもなく、ただ視界にあるといった風景を眺めている気分になる写真である。作品コンセプトには、Photography is, first of all, a way of seeing. It is not seeing itself.というフレーズが好んで引用される。※　“first of all”は、第一に、であるとか、真先に、の意味に使われるが、写真の第一義は物の見方の一つの方法であり、見るという行為それ自体ではない、とでもなるだろう。観覧する側にも間近の風景を眺めている錯覚をさせる写真は、この引用されたフレーズを忠実に再現したものと思える。ただ漫然と目を開き、焦点をどこに当てようかと眼球は彷徨うのである。カメラの焦点の取り方によっては普段の我々の無造作な視界を再現することは可能であり、It is not seeing itself.、”見るという行為それ自体ではない”ということを再現して見せる。サボテンが繁る草むらの写真の中にぼんやりと映るプラント名の標識や散水用のホースの管のようなものを見つけるが、映画のロケーションの中の撮影ミスを見つける趣があり面白い。見た目はどこかの裏山にある雑木林だが、実は公園であるという写真である。紅葉の樹々の背景には薄らと高層ビルの匂いを感じる。大草原に忽然と現われるロックペイントでも発見できそうな岩山は、足下の小石だろう。ここでも、フレームによる切り取りから起きる連想と経験知による錯視とも思える現象を見せることにより、写真表現とは見方の一方法であると暗に言っているのである。
「イン・アワ・ネイチャー」の趣旨には人間と自然との共生が語られる。“共生”という名詞は特に生物間の棲み分けに用いられ、互いに補いあうという意味合いである。哺乳類と昆虫の場合もあるだろう。鳥類と植物の場合もあるだろうと想像する。「Natureという言葉には、自然という意味と、人間の本性、本質という意味があります。ここに展示している写真は、ただ手付かずの自然ではなく、公園とか庭とか、人の手が入った自然なんです。人は自然を壊して街を造る一方で、どうしても自然と共生したいという意識があります。僕は10年くらい前から、人間と植物の共生みたいなことにすごく興味がありまして、これまで撮りためていた写真をここでまとめて展示することができたことは、すごく良かったと思っています」※　会場内のギャラリートークからである。複製芸術としての写真ということから考れば、多様なメディアによるアーティストとしての側面も持つホンマタカシである。公園や庭という言葉から造園技術や庭などのデザイン上の問題が語られているのかと考えたが、その話しではない。※
すんなりとした表現の中で言われるのは、人は自然を壊して街を造るが、自然と共生したいという意識もあるという趣旨である。すなわち人間は、何らかの理由を携え、この地に生まれ落ちたのである。石を加工して斧を考え出し、野牛を殺し食し、その毛皮を纏い、火をおこすことを覚え、終いには植物を育てること考え出し、二本足でしっかりと立って狩りの生活から定住を試みたのである。自然は雄大であり憧れるが、人間の精神という力でもって自然の囲い込みを試みて創造力により快感情を得たのは確かだろう。※　
一度は焦土と化した国土に、全てがつくり物の世界を感じながら戦後の若い世代は育って来たはずである。写真家ホンマタカシもまたそうであっただろう。イノセントな眼差しは、それが分かっているだろう。今日在ったものが、明日は無いかも知れない。つくっては壊し、つくっては壊すから。もうこのようなことはあって欲しくないと思っても、その日から我々は一から出直さなければならない。次々と時代は変化して行き、本物と思ったことが、そうではなく、次の本物へと時代の要請かのように目の前は変わって行く。いつの時代であれ、幼い目はめまぐるしい時代というものを親の背中といっしょに見ているものである。最初から在った自然は忘れ去られ、ひとの生活は益々作りものへと変わり、それは事実という限りに於いて幻想ではなくひとの世界であるということを新ためて覚えて行く瞬間でもある。写真表現による”らしさ”を捨てることの意味が、”自然との共生”という言葉を借りて作家に言わせているのだと思える。※
掲載の右最下段の写真はホンマタカシ「イン・アワ・ネイチャー」の作品ではない。こちらで用意したものである。意味があるとすればギャラリーのあるイムズビルの建物の脇にある「百草木の径」とネーミングされた草木をあしらった短い通り道を、二年程前に用あって通りがかった際に一眼レフもどきのSONYのデジタルカメラで撮ったものだ。「イン・アワ・ネイチャー」の写真のように、どこかの裏山の雑木林のように見えるのだが、実は、都心の瀟酒なビルの脇にある小径である。よく見れば前方の樹々の間にジュンク堂書店のあるビルの気配があり、左下には水道の散水栓のものか、または水道メーターを埋め込んだものと思われる鉄の蓋が見える。会場に設けられたインスタレーション「seeing itself」という作品名の四角い板張りの長い筒を通して双眼鏡で探し当てた結果なのかも知れない。

※ホンマタカシ　ニュー・ドキュメンタリー　※スーザン・ソンタグ『反解釈』
※スーザン・ソンダク : スーザン・ソンタグ（Susan Sontag, 1933年1月16日 - 2004年12月28日）は、アメリカの著名な作家、エッセイスト、小説家、知識人、映画製作者、運動家。人権問題についての活発な著述と発言でその生涯を通じてオピニオンリーダーとして注目を浴びた。批評家としてベトナム戦争やイラク戦争に反対し、アメリカを代表するリベラル派の知識人として活躍した。2003年にドイツ出版協会の平和賞を受賞している。ソンタグの根本的なスタイルは固定観念を持つことを避けることにあった。ジェーン・フォンダのようにハノイには行ったものの、彼女と違い反戦運動をするわけではなく、「戦場を目の当たりにして感じた嫌悪感について書く」ことに専念した。一方で、晩年コソボ空爆への武力行使を支持した。2004年12月28日、骨髄異形成症候群の合併症から急性骨髄性白血病を併発し、ニューヨークで死去。71歳。彼女は30年間、進行性乳癌と子宮癌を患っていた。遺体はパリ・モンパルナスの共同墓地に埋葬された。
※三菱地所アルティアムによる今展のブログ記事より。
※作庭記 / 作庭記という平安時代に書かれた日本最古の庭園書には、庭園を通してみる古代日本人の自然への接し方や、自然への造形精神（デザイン感覚）を知る上で貴重な文献と考えられている。文献は数少ないが造園技術書として出版物があるようだ。（「様式とデザインの歴史」藤江正道著、1975年、東京デザイナー学院出版局より）
※インターメディアステーション・天神イムズの「百草木の径」：東側外周の植栽をヒートアイランド現象の対策への試みとして、地元の土（泥）を使い昔から日本にあった三和土床（たたき）を創り、できるだけ自然に近い里山を再現（2001年）。現在もたくさんの植物や雑草が自由にのびのびと育っている。イヌダテ、ゲンノショウコ、ホタルブクロ、キョウカノコ、イワナンテン、ヒメイズイ、カキドオシ、イカリソウ、トウバナ、ツリガネニンジン、エノコログサ、キキョウ、アザミ、メグスリノキ、ハクサンボクなど。
※主催：三菱地所、三菱地所アルティアム、西日本新聞社　後援 ：福岡市、(財)福岡市文化芸術振興財団
※協力：ギャラリー360°、企画制作：ナンジョウアンドアソシエイツ
※画像：(C)Takashi Homma

三菱地所アルティアム

森秀信　1966年長崎市生まれ。1991年武蔵野美術大学大学院造形研究科修了、1998年現代美術センターCCA北九州リサーチプログラム修了、マリーナ・アブラモヴィッチのパフォーマンスに影響を受ける。現在北九州在住。主な展覧会として、1997年Mirror of Life（佐賀町bis／東京）、1998年マンドラゴラの実-現代美術が写す筑豊-（田川市美術館／福岡）、1999年アートの現場福岡Vol.6（福岡県立美術館）、2003年福北美術往来（福岡市美術館、北九州市立美術館）等がある。
会期：2009年11月7日~11月28日
会場：九州日仏学館5Fギャラリー
お問い合わせ：092-712-0904（九州日仏学館）

満たされない触るということへの思いもかけない渇望の表現であるかと思われる。時代は満たされているようでそうでもなさそうである。掲載の画像が現すように左に無言のどちらかといえば紫に近い青の画像が映写され、右に現れては消える壁をなぞるような手がループされる。今回の作品は、デレク・ジャーマンの遺作と言われる青という色を「宇宙の神秘的なエネルギーに通じる、最も非物質的で抽象的な色」としたフランスのアーティスト、イヴ・クラインへのオマージュとも呼ばれた、映画『BLUE』（1993年）をモチーフにしたものだそうである。展示されるビデオ・インスタレーションは、空の写真から構成された2009年の新作である。
青色は聡明で初々しくスマートで、それが故に正しくブルーな色である。作品の左の青の画像には瞬時実写の風景が映し出される。つまり、時には、現空間の青い空を見たいものである。何故なら、いくら平常心を装い、あの青空に匹敵する策略を目論んだとしても無駄だからである。作家は白旗を揚げたのである。あの青空の下、あの空間にどれほどにお世話になったことだろうか。夕闇が来るまで遊び「夕飯ですよ！」と母親に言われ帰り着く時の、あの青空は朱に染まっていた。戦後間もないころのことである。ぼくの家に来ないかと誘った近所の子の朽ち果てた家には屋根が無かった。雨が降った後であっただろう。真っ青の空がきれいで悲しかったという思いは未だに消えない。
何だか森秀信のこの作品には、BLUEという色に翻弄された、いや見透かされた作家自身があるように思う。
「かたくなな乳房をそっと撫でまわす、助けを求めるような手のひら」（「ベッドサイド」林あまり著、1998年、新潮社刊）この、生々しい女の文章がとても似合う森秀信の個展であった。※（写真は日仏学館提供）

※デレク・ジャーマン：デレク・ジャーマン（Derek Jarman、1942年1月31日 - 1994年2月19日）は、イギリス・ミドルセックス州出身の映画監督、舞台デザイナー、作家。ロンドン大学キングス・カレッジで美術などを学んだ後、映画監督ケン・ラッセルのもとで美術スタッフを勤める。主に、同性愛や荒廃した近未来イメージ、耽美性などをテーマにした作品が多い。生前、自らがゲイであることを公表し、1986年にHIVへの感染が判明。1994年にエイズにより亡くなった。死の前年に制作された『BLUE ブルー』は、自らを蝕んだ病エイズをテーマにした作品である。※『BLUE ブルー』（Derek Jarman's Blue）は、映画監督デレク・ジャーマンの遺作となった1993年のイギリス映画。製作時、エイズによる合併症の末期状態にあったジャーマンは、ほぼ盲目であった。ジャーマンの映画作家としての最後のメッセージとなった本作品は、画面全体を覆う青の色彩をスクリーンに投影したのみの作品である。※イヴ・クライン：イヴ・クライン（Yves Klein, 1928年4月28日 - 1962年6月6日）は、単色の作品を制作するモノクロニズムを代表するフランスの画家。アーティストとしての活動は晩年のごく数年である。特に「青」を宇宙の神秘的なエネルギーに通じる最も非物質的で抽象的な色だとして重用し、自ら理想的な染料を開発した。※オマージュ：オマージュ（仏:hommage）は、芸術や文学においては、尊敬する作家や作品に影響を受けて、似たような作品を創作する事。また作品のモチーフを過去作品に求めることも指す。しばしば「リスペクト」（尊敬、敬意）と同義に用いられる。※林あまり：林 あまり（はやし あまり、女性、1963年1月10日 - ）は、日本の歌人、エッセイスト、作詞家である。本名、真理子。筆名は、すでに同名の小説家林真理子がいたため、余りという意味。東京都渋谷区生まれ。恵泉女学園高等学校を経て、成蹊大学文学部日本文学科卒業。キリスト教徒。初め前田透主宰の結社「詩歌」にて学び、解散まで所属。のちに中山明、井辻朱美らともに歌人集団 「かばん」の創設に参加した。作品は口語体を生かし、性描写など過激な作品を発表し、歌壇外の読者からも熱烈な支持を得る。
Hidenobu Mori Art Works

九州日仏学館

「いのちをゆっくり泳ぐ人」
紅茶とミルクが、ゆっくりと混じり合っていくと、私の朝がはじまる。きょうは、どんな一日になるだろう。どんな眼差しに、どんな微笑みに、どんな呟きに、どんな仕草に、出会うだろう。私のいのちは、なにを感じ、なにに震えるだろう。私はスプーンで紅茶をかきまぜる。私は、とてもぼんやりとかきまぜている。そうやって、裸のこころで一日の時の流れに滑りこんでいくのだ。できるだけゆっくりと、いのちを泳いでみよう。日々の泡の中を、できるだけゆっくりと。私は、泳ぐ人だ。

「風に。光に。抱かれていた。」
突然、祭りの中にいた。小さな花を編んだ髪飾りをつけて、私は行列の人の渦の中にいた。笛が鳴り、人々は足踏みをするようにして踊っている。私は、みんなから祝福されて、手拍子で迎えられる。空が青くて、風が刺すように冷たい、どこか高い峰々に抱かれた場所。牛や羊の、大地の乾いた匂い。香料の匂いも、たちこめている。行ったこともない、見たこともない風景なのに、もう前から知っているようになつかしい。いつか旅をして訪れる風景を、思い出のように抱いて、胸はこんなにときめいている。

「氷のように、燃えている。」
そのヒトは、雨の木のことを話してくれた。雨の木。それは、空にむかって繁った巨きな樹。雨が降ると、葉のすみずみに滴をためて、忘れた頃に降り注ぐ。風にザワザワと音を立てながら、まるで神様の贈りもののように。いつか、見てみたい。いつか、その樹の下で、雨にうたれてみたい。そしたら、きっと、分かるだろう。世界は滅びたりしないって。いえ、もし滅びる運命だとしても、なにかしなければいけないことがあるって。そんなことを考えていたら、頬が熱くなってきた。風は、とても冷たいのに。

「なにもかも、ただ一枚の布。」
知ってる？宇宙のどこかで、星がひとつ爆発して消えていくとき、地球の上の人間は、胸騒ぎがするってこと。美しいものが輝きを失うのを見るのは、悲しい。どんなものでも、いなくなってしまうと、胸に穴があく。それはただの感傷ではなくて、宇宙の摂理みたいなものだと思う。そう、この部屋の外には、たくさんの人がいて、広々とした世界がある。樹があって、鳥がいて、空があって、海がひろがっている。なにもかもが、一枚の布のように織られているのだ。

「灰の時間に、したくないから。」
別れ際に、胸がしめつけられるように苦しかった。男とか女とか、そういうのじゃなくて。このまま二度と逢えなかったらどうしよう。そう思ったら叫びたくなった。なにか言わなくちゃ、とコトバを探した。背中がすこしずつ小さくなっていく。舗道にたちすくんで、泣いた。どうして、みんなは別れるときに、平気でいられるんだろう。感じやすい心臓を、犀の皮のように堅くこわばらせて、さよならを言うんだろうか。さよならを言うことは、少しの間、死ぬことだ。とても、つらいけれど。

「目を閉じれば、引力が。」
ダレかが、私をみつめている。背中をむけていても、ちゃんと感じる。横をむいていても、分かる。それは、視線のエネルギーだろうか。でも、忙しくしていたりすると、そんな感覚が鈍くなってくる。いけないな、って思う。風にそよぐ一本の草のようにしていたい。ささやかな音に耳を立てる鹿でありたい。いつでも、どんなときでも、眼に見えないものに、目をみはりたい。いのちのない物質だって、引力でつながっているんだもの。生きていることを、もっともっと感じていたい。

「何億光年もはるかに、少年。」
氷河の下に、マンモスが眠っている。そう想うだけで、彼のことが愛しくなってくる。一心不乱になっているときの、あの唇。あの指先。あの仕草。英雄でもない、天才でもない、とても平凡な男だけれど。石のように黙りこんだ口は、いつか夢を語ってくれるだろうか。でも。きっと、目をそらすに違いない。もどかしそうに、胸に大きな翼をたたみこんでる。男たち、何億光年も、ずっとずっと少年でいてほしい。

「荒野に、白く翻るものよ。」
少女のころだった。父の膝の上、映画館の闇の中で、じっと息を殺していた。スクリーンの上には、背の高い男が馬に乗って走り去っていく光景が写しだされていた。でも、私がみつめていたのは、それを見送る女性の手に握られた白いハンカチ。慎ましく、でも、とても、情熱的に。白いハンカチは、いつまでも風に翻っていた。私、エプロンをするときに、いつも思い出す。荒野を旅する男がいて、じっと帰りを待つ女がいて。遠い光景なのに、父の匂いと混じりあって、胸を切なくする。

「時の扉むこうに。きっと。」
きょうが滅びようとするとき、あしたが生まれて息づきはじめる。私が眠りにつくとき、一粒の種子が私の中にまかれて、育ちはじめる。いのちは、いのちを抱いているのだ。きっと、そうだ。芽を吹き、つぼみとなり、いつか花をひらく。そのいのちに、水を、光を、栄養を、なによりも大きな愛を注いであげたい。耕し、丹精こめて、育ててみたい。ためらいながら、時の扉のむこうへ歩いていこう。いつか、重力の罠から身をすりぬけ、私は翼のようなものを、手にするかも知れない。いつか。


以上は、詩集からの転載ではない。商業用のカタログにあった、いわゆるコピーライターによる商業文である。だから、匿名である。たくさんのことばを駆使してごはんを食べている職業人である。このカタログは商用で自然と残っていたのだが、1987年の印刷物だから23年は経っている。コピーライターと言えば、糸井重里である。そのような時代であったと思う。特徴を言えば、印刷上での印字の文字間の狭さである。触れんばかりで読み難いと言われた。今と違って印刷物にビジュアルを求めたアナログの時代である。商業用のカタログではあるが、まるでプライベートな詩集に於けるような振る舞いも許されたのだろう。バブル経済と言われる時期である。（出所 / BELL SUZUYA CO.,LTD. 1987.）

※糸井 重里（いとい しげさと、1948年11月10日 - ）は、日本のコピーライター、エッセイスト、タレント、作詞家。株式会社東京糸井重里事務所代表取締役社長。フィールズ株式会社社外取締役。妻は女優の樋口可南子。群馬県前橋市出身。糸井の生誕後に両親はすぐに離婚し、司法書士であった父親の元に引き取られ祖母に育てられる。その後、実母と再会したのは1981年だという。法政大学文学部日本文学科に入学後すぐに学生運動に身を投じるが、内部抗争の陰険さが嫌になり1年半で退学。寺山修司、唐十郎、横尾忠則らが当時のヒーローだった。
※バブル経済（bubble economy）とは、不動産や株式をはじめとした時価資産の資産価格が投機によって高騰し、資産価格高騰が誘引となってさらなる投機を引き寄せている状態の経済のことである。日本では、1973年12月以降の安定成長を経て、1985年9月、プラザ合意がバブル景気の直接の引き金となった。日本経済は空前の好景気を迎え、株式市場も日経平均株価30,000円の大台を超えた。その後の失われた20年は、日本経済への打撃をそのまま示すものであった。

Selon moi, le visage est l'objet suprême de la photographie et des autres arts. Parce que nous sommes bien plus complexes qu'une simple représentation photographique, j'essaie de capturer un fragment de cette complexité et de le placer dans un contexte plus large en utilisant différents symboles. Herzog disait que notre civilisation est aussi mince qu'une couche de glace à la surface d'un océan de chaos. Aussi, mon but est d'aller au-delà de celle-ci, de briser cette pellicule pour sonder au plus près la nature humaine. Je veux me confronter au chaos, suggérer ce qui est et qui, je crois, doit être changé. C'est ma responsabilité de photographe mais aussi d'être humain.
Andrija Lekic est née à Belgrade (Serbie) en 1976. A l'âge de six ans sa famille s'installe sur la côte du Monténégro. Il développe son goût pour la photographie dès l'adolescence en montrant un intérêt particulier pour le style documentaire spécifiquement centré sur les gens tout en essayant de retranscrire l'esprit de notre époque.
Après une maîtrise en marketing à l'université de Belgrade, il séjourne à Paris. Plus tard, il s'établit à Londres ou il étudie la photographie au Kesington et Chelsea College. Après quatre années passées sur place, il rentre sur Paris où il vit et travail désormais.

私の考えでは、人間の顔は、写真はもとより様々な芸術の分野における最高の被写体であり、限りなく複雑で捉え難いオブジェであると思う。私は、その複雑さ中にも僅かなかけらを捉え、別の象徴・サインとして置換えて表現することを試みる。映画監督ヘルツォーク曰く、私達の文明は、大洋に浮かぶ薄氷のように危うい、と。私の写真表現の照準は、その薄氷を破り、そのカオスの混沌とした大洋の奥深く潜り探るかのように、写真を通してこの人間の本質に迫ることである。私は、私の希望や私が大切と思うことに報いるために、カオスと向き合い、自分が何者であるかを見つめ、自身を変えていくことが写真家として、また人間としての責任だと思っている。※
アンドリア・レキックは、1976年セルビアのベオグラード生まれ。 6歳の時に彼の家族はモンテネグロに移住。思春期から現代の時代精神を映し出す人々に焦点を当てたドキュメンタリー写真に興味を持つ。ベオグラード大学で、マーケティング修士号を取得後、パリに移住。その後、ケンジントン、チェルシー大学で写真を学び、現在パリ在住。

会期：2011年 6月18日（土）～7月2日（土）
会場：九州日仏学館５Fギャラリー
お問い合わせ：九州日仏学館（Tel 092-712-0904）

アンドリア・レキックは、10代の頃からドキュメンタリー写真に興味を持つようになる。彼の作品をランダムに並べてみるが、それぞれが映画のワンシーンのように連続して行く余韻を感じさせる。我々はこれほどまでに風景を凝視しているわけではないのだから、フレームを外された途端に普段の退屈さが漲ることになるだろう。左手の甲を大きく振りかざした白髪の高齢の女性と思われる人物と背後から捉えられた眼鏡の男の横顔。言い争っているような、相手を激しく叱責しているかのような空気が漂う。この空気には、アンドリア・レキックの眼差しが宿っているのであり、常に現実の様相の中にただならぬ気配と幻想を見ようとする彼の読みを思う。「パリの静けさの響き」はパリの沈黙の裏側と読み替えることもこともできる。ある思わぬ出来事は、素知らぬ顔で沈黙の内に企てられているものである。
この写真展に向けてのアンドリア・レキックのメッセージには、パリ市のある地区の撮影の趣旨が述べられている。パリ10区のサンマルタン（Saint Martin）のOutsiderを、この冬から撮り続けた。彼らは必死に生きていると、アンドリア・レキックは言う。Outsiderをホームレスと言ったところでパリ10区のサンマルタンを理解できるわけでもない。彼のバイオグラフィーに、人間の顔は、写真はもとより様々な芸術の分野における最高の被写体であり、限りなく複雑で捉え難いオブジェであると思うのです。とあるのだが、全体主義崩壊の後の民族間の悲惨な争いや幾多の国家分裂の東欧の歴史についその言葉は重なってしまう。※
映画監督ヴェルナー・ヘルツォークの名が出てくる。引用からすれば、西ドイツ生まれのニュー・ジャーマン・シネマの代表的監督は薄氷のように危うい文明を生きて来たのだろう。クロアチアの母とドイツ人の父との間に生まれる。アンドリア・レキックのベオグラードは目と鼻の先である。“ベルリンの壁の落書き”とアンドリア・レキックのパリ10区のサンマルタンの落書きが同じものに見えてくる。ヘルツォークもまた20代の青年であった1960年前後のドイツ映画に見るベルリンの壁にまつわる重苦しい数本と、思い浮かぶドイツ系女優であるクリスティーネ・カウフマンの若々しく美しいが故にせつない表情とが何かを物語ってくれる。また、若き頃のヴェルナー・ヘルツォークとシェア仲間であったというポーランド生まれでドイツで活躍した俳優クラウス・キンスキーが、ロシア革命直後を描いた映画の中で、あの広い額に青筋を立てて皮肉たっぷりに喚き散らす無政府主義者を演じていたのも、まんざら無関係ではなかろうと思えてくる。全てはどこかで通じているものである。フランスの若者は自我意識の塊のようであるとは、誰かから聞いたが、アンドリア・レキックも問題意識を持ってことに当たる青年のようである。35才である。彼の前に広がる道は否が応でも掘り続けられることだろう。※
ハッセルブラッドだったかを無造作に紙袋に突っ込み、薄汚れた恰好をして物騒な街を取材に出掛けるロンドンを舞台にした若いカメラマンが主役の冴えた映画があった。若い頃のジェーン・バーキンや若い頃の ヴァネッサ・レッドグレイヴが出演している。曲者の匂いは魅力的である。若者の前には常に理に合わぬものが立ち塞がる。※
モード雑誌の一枚かのような趣もある。掲載の一番上の作品である。白壁に浮き上がるように舞うバレーダンサーの白い肌、暗闇に光る朱や青や赤の室内灯らしきものは、これから起きるであろう幻惑を物語るお膳立てであり、”モーヌの激しいロマン”は森の中の一夜から始まる。
実り多き放浪と冒険でありますように。※

※Andrija Lekic Biographyから。日仏学館の訳文に多少の拙文を加えた。
※ユーゴスラビア国家分裂の行方/ 旧ユーゴスラビアの首都ベオグラード市内を貫流するドナウ川の水上交通は過去、いくたび遮断されたか知れない。多くの場合、岸辺に寄り添う多くの民族のいがみ合いが原因であった。全体主義のタガがはずれた東欧で、この国は国家分裂第一号となっただけでなく、「複雑分裂」「散乱分裂」の悲劇を招いている。（「民族世界地図」浅井信男著、1993年、新潮社刊）
※映画監督ヴェルナー・ヘルツォーク（Werner Herzog、本名：Werner Stipetić、1942年9月5日 - ）/ ドイツの映画監督・脚本家・オペラ監督。ライナー・ヴェルナー・ファスビンダー、ヴィム・ヴェンダースと並んでニュー・ジャーマン・シネマの代表的監督である。怪優・クラウス・キンスキーを起用した作品でも有名である。
※クラウス・キンスキー（Klaus Kinski、本名：Nikolaus Karl Günther Nakszyński、1926年10月18日-1991年11月23日）/ ポーランド生まれ。ヴェルナー・ヘルツォーク監督の『アギーレ／神の怒り』が有名である。「長女のポーラ・キンスキー、次女のナスターシャ・キンスキー、長男のニコライ・キンスキーはともに俳優となった。無政府主義者の役はロシアの作家、ボリス・パステルナークによる同名の小説を原作とする映画「ドクトルジバゴ」に出演したときのもの。1965年、米伊合作。デヴィッド・リーン監督。
※無政府主義 / アナキズムまたはアナーキズム （英語: Anarchism） は、政治思想の1つであり、国家や権威の存在を望ましくない、必要でない、有害であると考える政治思想。
※映画「欲望」(Blow-Up）/ 1960年代中盤のロンドンを舞台に、人気カメラマンの主人公が撮った、ある写真にまつわる奇妙な出来事を描く。「スウィンギング・ロンドン」と言われた、当時のイギリスの若者のムーブメントを織り交ぜつつ、サスペンスかつ不条理な独特の世界観となっている。1967年のカンヌ国際映画祭にてパルム・ドールを受賞。1966年制作の英・伊合作映画。アルゼンチンの作家、フリオ・コルタサルの小説『悪魔の涎』を下敷きに、ミケランジェロ・アントニオーニが脚本を書いた。アントニオーニ初の英語作品であった。
※ハッセルブラッド （Viktor Hasselblad Co. ）/ スウェーデンのカメラメーカー。大型カメラ全盛の時代に、世界で初めて携帯に便利なレンズ交換型6×6cm判一眼レフカメラを発表した。上記映画の頃に発売されたものだろう。
※モーヌは Le Grand Meaulnes　仏小説「モーヌの大将」の主人公の名。小説家 アラン・フルニエ Alain Fourner（1886--1914） 作。本名アンリ・フルニエ。中仏シェール県生まれ。1913年「N.R.F」誌に発表した「モーヌの大将」で一躍名声を得る。翌年、大戦初期に戦死する。フランスの田園の夢幻化と少年の夢想の世界の展開が、その後の多くの作家に影響を与えた。（「立体・フランス文学」篠沢秀夫著、1970年、朝日出版社刊）

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