「絵画的現実主義」。19世紀末〜20世紀初頭にかけて欧米を中心に広く展開された、写真の「芸術性」を追究する運動。

19世紀に写真が産声を上げて以来、この新しいメディアが伝統的な絵画に比肩する芸術足りうるか否か、という問いは絶えず激しい議論の対象となってきた。1886年に刊行されたP・H・エマーソンの論文「写真―絵画的芸術」は、その可能性を全面的に肯定するものであり、以後これに刺激されて1892年に結成されたリンクト・リンクの実践を皮切りに、写真表現や教育の現場で広く「ピクトリアリズム」の可能性が追究されていくことになる。その過程で開発されたカーボン印画法（Cabon Process）ゴム印画法（Gum Bichromate Process）、オイルプリント（Oil Pigment Process）、引き伸ばし用ブロ、マイド印画紙を使用するオイルプリント、ブロムオイル（Bromoil Process）などのさまざまな技法は、いずれも写真に絵画に匹敵する色彩や諧調を与えるためのものであり、とりわけ、後期印象派の絵画がその範と仰がれた。その影響は、はやくも明治20年代には日本へと及んでいる。写真の記録性よりも審美性を重視した点では、史上初めての組織的な芸術運動であった。

ぼかしや、画面構成についての演出、合成といった技巧を用いることなく、人間が見たままのようにシャープな視線で、あるがままの風景、人物等が撮影された写真作品およびそのような表現手段・表現形式のことである。

ストレートフォトグラフィは、もともとは、19世紀から20世紀初頭のピクトリアリスムにおいて、ぼかしなどの技巧やモデル等の特別な配置を用いて、絵画的な作品を制作する傾向が著しく強かったのに対して、写真を絵画とは独立したものととらえ、写真（カメラ）本来の特性・独自の機能を重視し、写真にだけ可能な新しい表現形式を確立することによりその地位を高めることを目的として、アルフレッド・スティーグリッツらにより主張され、始められた表現手段である。このこともあり、スティーグリッツは、しばしば「近代写真の父」と呼ばれる。その後、ストレートフォトグラフィは、上記の目的を終えたあとも、多くの写真家により意図的に表現手段として選ばれ、現在にいたっている。

現在では、その本来の目的はまったく失われ、技巧を用いないというその特質のゆえに、かえって、あたりまえの、平凡でごく一般的な表現手段として、アマチュアの間でも普及している。

ひとえに写真撮影といってもそこには長い歴史と変遷があり、今、デジカメや他デジタル技術の飛躍的進歩と一般化により、その大きな流れに変化が生じていると言うことです。

1800年代中ごろに写真が「発明」され、感光体としてのフィルムはそれから200年の長きにわたって大きな変化も無く、筆で書くと言う作業の代わりに（クロマトグラフィーのころはレンズも使わずに）光を取り込むと言う手段を使って「絵を書こう」とする時代を通り過ぎ、絵でなく写真でしか撮れないありのままを記録してきました。もちろん、その間にフィルムのカラー化、感度や粒状感などの向上は進み、最近では35mmフィルムにおいてはISO100と400の違いがかなり小さくなってくるなど、技術の進歩は確実にあったのです。

それが10年ほど前に25万画素のQV-10が発表された辺りから状況が一変します。感光体はフィルムからCCDへ変わりました。パラダイムシフトと言ってもいいでしょう。初期のデジカメはお世辞にも記録写真とは言いがたく、写真のような絵がそこにあり、新しいタイプのカメラ、手軽さという点が何よりの売りだでした、そこからの動きは早かった。あっという間に写真との解像感の差を詰め、即時性が要求される報道などの世界でフィルムを超えました。一般にも瞬く間に浸透し、誰もがデジカメを持ち歩くようになりました。そして記録媒体は感光紙からデータエリアに移った。パソコンの画像編集ソフトがアルバム機能を提供し、画像の修正を可能にしました。思い出に色を加えるように画像の編集が可能になったのです。

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